Planet Rodriguez

Los Descendientes (The Descendants)

2012-01-27T14:00:00.000-03:00

Año: 2011
Género: Comedia dramática.
País: Estados Unidos.
Duración: 115 minutos.
Dirección: Alexander Payne.
Intérpretes: George Clooney, Shailene Woodley, Amara Miller, Nick Crause, Patricia Hastie, Matthew Lillard, Judy Greer, Beau Bridges.

"Matt King, hombre casado y padre de dos niñas, debe reevaluar su pasado y navegar su futuro cuando su esposa se ve involucrada en un accidente en lancha, a las afueras de Waikiki. Intenta torpemente reparar la relación que tiene con sus hijas —Scottie, una precoz niña de 10 años, y Alexandra, una joven rebelde de 17 años — mientras pondera la decisión de vender la tierra de su familia. Los King son dueños de una parte de las últimas e invaluables parcelas vírgenes de playa tropical de las islas, que fueron parte de un legado de la realeza hawaiana y de misionarios.
Cuando Alexandra le deja caer la noticia de que su madre estaba en medio de un amorío al momento del accidente, Matt debe de replantearse totalmente su vida, sin dejar de mencionar su legado, durante una semana de decisiones significantes. Acompañado por sus hijas, se embarca en una caótica búsqueda por el amante de su esposa. A lo largo del camino, en lo que serán encuentros divertidos, problemáticos y trascendentales, se percata que finalmente está en camino en la reconstrucción de su vida y su familia."

Ahora me siento mal por nunca haber visto una película del Sr. Payne; Elección, Las confesiones del Sr. Schmidt, Entre Copas, películas de las que he escuchado hablar mucho y nunca me digné a verlas. Al decidirme a ver Los Descendientes, gracias a su movimiento estos días por los Globos de Oro y su nominación a los premios Oscars, descubrí un narrador de historias nato en Payne, descubrí al actor dentro de George Clooney y que las pequeñas grandes cosas de la vida importan.

Muchas películas han intentado retratar una familia desarmada y atípica en sus historias; lo que hace diferente a Los Descendientes es la manera de encarar esta tragicomedia, podría decirse, con sutileza y algún que otro sacudón emocional como para no perder la línea. El guión de Alexander Payne junto a Nat Faxon y Jim Rash ahonda mucho en las relaciones entre los personajes, creando vínculos creíbles principalmente entre Matt y sus hijas, así como también como se desenvuelven estos tres personajes con el resto del elenco. La situación creada particularmente para la historia escrita por Kaui Hart Hemmings no podría ser más particular además: situada en las hermosas playas de Hawaii, la historia de esta familia inusual incopora a la trama el tema de la infidelidad y además, cómo lidiar con la familia y una decisión que puede cambiar las costas de Hawaii para siempre.

Sinceramente, tengo que empezar a explorar más el cine de Alexander Payne, porque lo que yo esperaba que iba a ser una película más del montón, carne de cañón para los Oscars, terminó emocionándome demasiado: Payne sabe como dirigir a su elenco, sabe como tomar las riendas de una historia triste pero a la vez esperanzadora, sabe como atraer al espectador, sabe qué es lo que funciona y lo que no, sabe no aburrir en 2 horas de metraje y, por sobre todo, sabe cómo construir una relación tan difícil como la de Matt y sus hijas y evolucionarla con todas las vivencias que tienen los personajes en su camino.

Todo el peso de la historia recae entonces en el elenco, un inspirado conglomerado de artistas que eleva el nivel del film enormemente. Al que aplaudo de pie es a George Clooney con una poderosísima actuación: pensé que el señor no sabía actuar y siempre repetía los mismos papeles, pero me dejó realmente impresionado por todos los recursos que utiliza para generar y transmitir emociones; todos los manierismos de su Matt King (como corre torpemente, las expresiones faciales, como habla) están correctamente coordinados para crear a un padre desesperado en toda regla. Imperdible. Pero también tengo que notar que el papel de Clooney no sería nada si no estuviese elevado al cuadrado por sus compañeras, las jóvenes Shailene Woodley y Amara Miller como sus respectivas hijas Alexandra y Scottie; ambas tienen momentos espectaculares en la película, y se roban varias escenas: Woodley tiene un momentazo bajo el agua que me dejó boquiabierto, y Miller está terriblemente bien dirigida para su escasa edad (y teniendo en cuenta que es su primera película) Al evolucionar la historia, poco a poco la química entre Clooney, Woodley y Miller es totalmente palpable y se siente como si de verdad fueran una familia.

Otros papeles a destacar son el de Nick Krause como el imposiblemente tonto amigo de Alexandra, Sid, quien tiene momentos hilarantes en el film, y la pareja compuesta por Matthew Lillard y Judy Greer, ambos correctos y muy maduros. Otro pequeño papel viene de parte de Beau Bridges en una parte pequeña y significante, pero no tan trascendental como el resto del elenco.

Los Descendientes es un soberbio drama con pintadas de comedia, con interpretaciones poderosas como la sorpresa de George Clooney en una historia sabrosa, simple y con valores. Difícil no enamorarse de los personajes, y el hermoso paisaje de las playas de Hawaii.

Calificación: A-

50/50

2012-01-22T23:00:00.000-03:00

Año: 2011
Género: Comedia dramática.
País: Estados Unidos.
Duración: 100 minutos.
Dirección: Jonathan Levine.
Intérpretes: Joseph Gordon-Levitt, Seth Rogen, Anna Kendrick, Bryce Dallas Howard, Angelica Houston, Matt Frewer, Philip Baker Hall.

"Adam es un escritor de programas de radio de 27 años que es diagnosticado con un raro caso de cáncer en la columna vertebral. Con la ayuda de su mejor amigo, su madre y una joven psicóloga en un centro de rehabilitación para pacientes de cáncer, Adam aprende qué y quiénes son las cosas importantes de la vida."

Cuando la temática de una película es por demás delicada como lo es una enfermedad, siempre la historia debe acercarse delicadamente para no herir sensibilidades primero, para tratar con naturalidad y respeto una condición tan drástica como el cáncer, y también para sentirse identificado y no como un extraño frente a la situación. 50/50 logra los tres cometidos antes mencionados, componiendo más que una comedia con toques dramáticos, un drama con tintes de comedia para alivianar el sabor agridulce del tópico.

Si hay algo que vengo repitiendo desde hace rato, es que si una película no se hace con corazón, no tiene sentido hacerla, en absoluto. Por eso es que 50/50 es tan emocionante: basada en las vivencias acontecidas al guionista Will Reiser en carne propia, la historia de Adam y Kyle se basó en la difícil situación en la que Will se vio obligado a vivir, y salió gracias a la ayuda incomensurable de su amigo Seth Rogen, sí, el actor que se interpreta a sí mismo en 50/50. El guión de Reiser no puede ser más realista y lacónico al mismo tiempo, ofreciendo verdaderos momentos humanos aderezados con unas cuantas risas, la gran mayoría de un inusualmente estupendo Rogen. El film intenta no caer en los usuales golpes bajos de este tipo de propuestas, y aunque hay momentos verdaderamente tristes, nunca se borra ese tono burlón que presentan los personajes.

Joseph Gordon-Levitt demuestra una vez más que, frente a un peliculón como Inception o al frente de un film indie como éste, sigue entregando la misma fuerza apática tan suya; esa cara entre triste y perdida le va de perlas para un papel sutil y hermoso.
La gran sorpresa corre por parte de Seth Rogen; usualmente no me banco para nada al actor, sólo siento que se destacó en Knocked Up, pero en 50/50 se interpreta a sí mismo, así que no hay nadie que le diga qué o cómo encarar tal o cual escena, ya que el la vivió ya: ese amigo malhablado, bocón, imberbe y desubicado finalmente encaja en la película, donde cada escena en la que aparece es una graciosada tras otra.
Anna Kendrick tiene el papel suave y cordial que la película necesitaba; chicos, Anna vale oro y se ve tan desperdiciada en Twilight... su nominación al Oscar no fue nada al azar, tiene potencial.
Los restantes papeles también son solemnes: Angelica Huston está fantástica como la madre sobreprotectora de Adam, y Bryce Dallas Howard juega un papel bastante seguro, cuestionable, pero interesante.

El director Jonathan Levine filma otro trabajo interesante a su filmografía: ya había despuntado en 2006 con el pequeño pero grandioso film de horror All The Boys Love Mandy Lane y en Agosto próximo estrena la romántica zombie (?) Warm Bodies, que sigue la línea twilightera, pero 50/50 es una comedia humana bien filmada y con escenas muy bien logradas como la salida de un Adam drogrado de la primera sesión de quimio, o la confrontación de la novia que lo engaña (acá Rogen se pasa), o incluso las más emotivas como el largo camino hacia la operación. Esos momentos son terriblemente gracioso y duros, y están mezclados en una ffina línea que nunca se dirije hacia lo burdo y lo grosero.

50/50 es una dramedia que toca un tema tan duro como el cáncer y sale airosa en su narración humana, siendo una canción a la vida misma. Con personajes estupendos, graciosos y consistentes, es un film digno de mirarse en una doble función con otra del mismo estilo, A Little Bit of Heaven, ambas películas del 2011.

Calificación: B+

Resident Evil: Retribution - Mi nombre es Alice y éste es mi mundo

2012-01-22T08:00:00.000-03:00

Si hace exactamente diez años alguien hubiera apostado que la (en ese entonces) nueva adaptación de los famosos videojuegos de Capcom, Resident Evil llegaría a la quinta entrega, nadie lo hubiera pensado posible. Incluso con el rumoreado final de la trilogía en 2007, nadie se imaginaba que la saga de fantaterror y acción llegara tan lejos como para presentar este 2012 una quinta entrega y una más que segura sexta. Lo cierto es que la saga ha llegado hasta ese punto, y tal parece que cuanto más polémica genera entre los fanáticos acérrimos de los videojuegos y más odio genera entre los que aborrecen la saga, más entradas se venden, porque si algo es seguro, es que con cada entrega se supera a la anterior en términos de recaudación. También se hace más obvio que con cada entrega, se sube un escalón más en lo que respecta a acción, proezas acrobáticas increíbles y monstruos salidos de las peores pesadillas, siempre con un guiño a la saga que le dio la vida.

Resident Evil: Retribution viene pisando fuerte desde su anuncio, y ahora lo hace más. ¿Estamos ante la mejor entrega de la franquicia? Todo podría ser...

Al comenzar esta susodicha trilogía nueva, según el escritor y director Paul W.S. Anderson, comenzó una nueva era para la franquicia: Anderson regresó a la silla directorial (nunca abandonó la escritura de los guiones de todas las entregas) y con su portentoso conocimiento del 3D armó en Resident Evil: Afterlife un espectáculo estruendoso de acción, aunque la historia hiciese un par de lagunas por momentos y la historia no fuera muy coherente. Sin más, Afterlife fue un éxito taquillero, superando todos los precedentes de la saga zombie y empujando a la creación de esta segunda trilogía.

Los fanáticos, de parabienes, porque la actriz y columna vertebral de la saga Milla Jovovich se armó de un celular y twitteó sin parar sobre todo lo nuevo que veríamos en la nueva entrega, y no hacía más que aumentar el fuego cinéfilo y videófilo de cada uno de nosotros, impacientes por ver qué sería lo siguiente; para cuando nos enteramos de que varios personajes de la serie volverían, ya todo era una fiesta. ¿Michelle Rodriguez? ¿Oded Fehr? ¿SIENNA GUILLORY? ¿Vuelven? Fuck Yeah. ¿Nuevos personajes? ¿Barry Burton? ¿Ada Wong? ¿LEON KENNEDY? Ya todo parece irreal, pero es así, Paul Anderson promete voltear el tablero para siempre con Retribution.

"El mortífero virus T de la Corporación Umbrella continua destruyendo la Tierra, transformando a la población global en legiones de muertos vivientes voraces. La última y única esperanza de la raza humana, Alice, despierta en el corazón del centro de operaciones más clandestino de Umbrella y descubre más acerca de su misterioso pasado a medida que se adentra cada vez más en el complejo. Sin un refugio seguro, Alice continúa en su caza a los responsables de esta epidemia, una caza que la lleva desde Tokyo a Nueva York, Washington, D.C. y a Moscú, culminando en una impresionante revelación que la forzará a repensar todo lo que creyó que alguna vez fue verdad. Ayudada por un grupo de aliados nuevos y amigos ya conocidos, Alice deberá luchar para sobrevivir lo suficiente para escapar a un mundo hostil al borde del olvido. La cuenta atrás ha comenzado."

Impresiones del trailer: ya sabíamos que estabamos por ver algo bueno si el primer trailer para una película que veremos en Septiembre se estrena en Febrero, dos meses antes que el mismo avance para la cuarta entrega. El guiño al comercial que le da paso al avance propiamente dicho fue genial para la segunda y tercera entrega (ver dichos comerciales acá y acá) y acá vuelven a recuperarlo; muchos argumentan que es una burda venta de productos de Sony, yo digo SHUT THE FUCK UP! Es la idea del trailer.

Tras una línea separadora entre el comercial y el trailer demasiado irónica vemos el metraje propiamente dicho: Alice, Alice y más Alice. Eso era un Licker gigante persiguiendo un auto (si, el mosntruo pegajoso y de lengua larga de las primeras películas); también hay escenas del nuevo personaje, Ada Wong, que está igualita con su vestido rojo, y también el detallazo que muchos pensaban no estaría presente: la batalla a bordo del Arcadia, prometida en el final de Afterlife y cumplida con creces según el avance. Hay un alcance cinematográfico impresionante en esta quinta entrega; no se ustedes, pero me parece que, ambientalmente, luce enorme y tiene unos escenarios dignos de grandes rompetaquillas de Michael Bay.

Las grandes incógnitas del pequeño avance surgen en tres aspectos: primero, qué hace Alice vestida todo el tiempo con un traje de Umbrella (le sienta de maravillas, todo hay que decirlo) y bajo la lluvia, exactamente en el mismo momento en donde ocurrió la epidemia cuando llegó a Tokyo al comienzo de Afterlife; segundo, la aplaudida aparición de Michelle Rodriguez en el trailer: aparece en dos momentos y puede ser que juegue el nombrado papel dual Buena/Mala clónica tan mencionado estos días; la tercera pregunta surge al ver a una Milla rubia, vestida de civil, con una nena en sus brazos y asustada por el caos reinante en las calles de Racoon City: ¿es el tan anticipado flashback prometido por Anderson que revelará los orígenes de Alice? Los rumores dicen que la nena jugará un papel muy importante, si no en esta entrega, en la sexta. ¿Será... la hija de Alice? Tiemblo al pensarlo...

Milla luce fabulosa, se nota que le encanta hacer estas películas y que pone todo su corazón y garra en ellas, y logra vendernos el papel de heroína femenina que tanto falta en estos tiempos. Ella es única. Me uno a las protestas de que hubo un gran faltazo de Jill Valentine en el trailer, pero de seguro la veremos mucho en la película, y si así se hace esperar, bienvenida sea. Faltan siete meses para el estreno, de acá al 14 de Septiembre tenemos un largo camino por recorrer para ver Resident Evil: Retribution, pero creo que al final veremos un espectáculo hermoso y trascendental. ¿ustedes no?

Nivel de Expectativa: 10

Halloween II (1981)

2012-01-21T16:20:00.001-03:00

Año: 1981.
Género: Horror.
País: Estados Unidos.
Duración: 92 minutos.
Dirección: Rick Rosenthal.
Intérpretes: Jamie Lee Curtis, Donald Pleasence, Charles Cyphers, Jeffrey Kramer, Lance Guest, Pamela Susan Shoop, Leo Rossi.

"Laurie Strode es enviada al hospital para que se recupere mientras el Sheriff Brackett y el Dr. Loomis buscan por las calles de Haddonfield a Michael Myers. No obstante, éste se dirige al hospital en busca de Laurie..."

Actuando más como una extensión de la original que como secuela, a pesar de haber llegado a los cines tres años después, Halloween II es la otra cara de la moneda de la historia de Laurie Strode y Michael Myers, el lado B de una noche aparentemente interminable para todos los involucrados. Pocas veces se hace cierto el dicho que las secuelas son mejores... y no lo van a escuchar acá, ya que Halloween II tiene una historia complementaria pero que en ciertos momentos se deja opacar por la original.

Como prólogo al film, Halloween II comienza mostrándonos los últimos minutos del Halloween para, luego de los macabros títulos, comenzar su propia historia en el punto donde Michael ha escapado del Dr. Loomis y continúa acechando las calles de Haddonfield. La sobreviviente Laurie Strode es entonces llevada al hospital cercano, mientras Loomis y los agentes de la policía patrullan las calles para encontrar al asesino. Estos tres puntos de vista (el de Laurie, el de Michael y el de Loomis) poco a poco irán entrelazándose para culminar en el gran finale en el hospital, en donde el destino de los tres personajes quedará sellado.

John Carpenter esta vez decidió no dirigir la película, pero sí se encargó de escribir el guión junto a la productora Debra Hill; ambos se establecieron como prioridad en Halloween II terminar la historia que habían comenzado, a la vez que aumentaron la mitología pagana detrás de Michael Myers y le dieron una vuelta de tuerca fenomenal al porqué del acecho a Laurie por parte del asesino. Esta historia (que debería haber terminado en esta segunda parte pero que mancillaron con las secuelas) es una evolución interesante en términos narrativos, ya que asentó el cliché de las secuelas de tomar lugar en un hospital, pero la trama pergreñada por Carpenter y Hill hace aguas en el apartado víctimas.
El staff del hospital fácilmente pueden ser los trabajadores más idiotas vistos en una película, o son terriblemente ingenuos, porque Myers ataca con sutil violencia y va acabando uno por uno con ellos sin que los demás se den cuenta de nada. Otro punto que falla es el asesinato porque sí de una joven de Haddonfield, que nada tiene que ver con la historia, sólo es asesinada para aumentar la cuenta de cadáveres al final, ó puede tomarse como la oscuridad latente dentro de Michael de asesinar la carne joven que se le cruce enfrente.

Jamie Lee Curtis repite el papel que la hizo famosa, esta vez como una debilitada pero aún viva Laurie Strode, que debe defenderse una vez más del ataque de La Sombra; Curtis tiene ese no se qué de fragilidad y exposición que tiene un punto álgido cuando se encuentra en el estacionamiento del hospital: ese momento, cuando pide ayuda y nadie la escucha, me heló la sangre. A Donald Pleasence lo noté un poco sobreactuado en algunas partes, al principio, pero después encuentra la chispa esa que lo hizo un personaje tan rico en la primera entrega. La tercera arista de este triángulo es Michael Myers, interpretado con oscuridad y apatía por Dick Warlock, muy correcto. Esta vez, Michael no solo usa el cuchillo para matar, sino que recurre a todo lo que tenga a la mano para deshacerse de los que están en el medio; debo decir, en algunos momentos se pone bastante original. El resto del elenco, mejor ni hablar: aunque tienen momentos agradables, en general hay malos actores con algunos destellos de grandeza, pero otros momentos son terribles (me quedo con el patético momento en el que le avisan al Sheriff que su hija ha muerto, terrible)

El director esta vez fue Rick Rosenthal, que calcó el formato perpetrado por Carpenter y logró un film agradable de ver (y disfrutable aún más en 720p) Las tomas subjetivas en las que somos tanto Laurie Strode como Michael Myers son fascinantes y penetrantes, y todo el ambiente recreado de Halloween se siente en cada escena; las calles oscuras, los disfraces, todo encaja. Incluso ese momento mala leche en el cual un chico llega al hospital con su madre y una hoja de afeitar entre los dientes (yuck) encaja. Las partituras de Carpenter hacen aparición nuevamente, arregladas un poco por Alan Howarth, y quedan de lujo con cada escena.

Halloween II es una continuación orgánica de la historia de Michael Myers, un cierre abrupto a la saga y a la visión de John Carpenter, a la que no le falta violencia, suspenso y una vuelta de tuerca ya icónica a esta particular historia de Halloween.

Calificación: B+

La chica del dragón tatuado (The Girl withe the Dragon Tattoo) (2011)

2012-01-19T21:00:00.080-03:00

Año: 2011.
Género: Suspenso.
País: Estados Unidos - Suecia - Reino Unido - Alemania.
Duración: 158 minutos.
Dirección: David Fincher.
Intérpretes:Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer, Stellan Skarsgård, Steven Berkoff, Robin Wright, Yorick van Wageningen, Joely Richardson, Geraldine James, Goran Visnjic, Elodie Yung, Julian Sands, Embeth Davitdz.

"Con la esperanza de distanciarse de las consecuencias de una condena por difamación, el periodista Mikael Blomkvist se retira a una remota isla en el norte de Suecia, donde el asesinato sin resolver de una joven todavía persigue a su tío, el director de una industria, cuarenta años más tarde. Enclavado en una casa de campo en la isla donde el asesino puede que siga rondando, a investigación de Blomkvist lo arrastra hacia los secretos y las mentiras de los ricos y poderosos, y lo une a un aliada poco probable: la tatuada hacker Lisbeth Salander."

Hacía falta la mano extrema de David Fincher para terminar de arreglar lo poco que había que arreglar en la sueca Los hombres que no amaban a las mujeres y el resultado es una película extensa, pero muy puntillosa, en lo que apenas se detectan fallas y todo fluye como un río, un oscuro y frío río eso sí.

Podría empezar con cualquier punto de los que componen la película, ya que todos son magníficos, pero creo que voy a comenzar por el colosal David Fincher, que fue tratado como un duque al que se le permitió todo tipo de licencias creativas queriendo encarar el proyecto tal cual es el libro, con una historia oscura y plagada de miserias y muerte por todas partes. Fincher le puso todo su corazón al proyecto en lo que él denomina correctamente como otra interpretación de la novela y no como una remake del film sueco; es más que claro que hay muchas coincidencias, aciertos y entrecruces, pero creo que esta versión es eximia por sus propios medios y no valdría la pena compararla con la original, sino en sus propios términos.

La cámara inquieta de Fincher se mete curiosa por todos lados, y nos deja escenas maravillosas, siempre atenta a los personajes y también se demuestra implacable en cuanto a las escenas violentas, filmadas casi con un sentimiento de incomodidad para con el espectador. Técnicamente, es maravillosa, la cinematografía es impresionante y el espíritu frío y aislado de Suecia se transmite directamente hacia el espectador: hay algunos planos que me quedaron grabados directamente en la retina.

Claro es que el guión de Steve Zaillian se permite acercarse más a la fuente narrativa de Stieg Larsson (aunque también deje en el camino ciertas líneas paralelas que, al fin y al cabo, no importaban demasiado), y así como la sueca dejaba varios cabos sueltos, acá Zaillian encara a la historia fielmente pero se permite darle una vuelta de tuerca al misterio principal, entregando una nueva resolución que no paree tan descabellada después de todo. Al enfocarse en los personajes principales de la trama, se dejan de lado un poco los secundarios que sí tenían algo de relevancia en la contrapartida sueca y quedan tal cual y como un cameo, pero de seguro veremos más de ellos en las más que posibles secuelas.

Armado con un elenco maestro de personas, Fincher puede quedarse tranquilo porque por el lado actoral ha quedado cubierto. Daniel Craig me sigue sorprendiendo: no sólo es uan cara bonita, sino que tiene versatilidad y se ajusta cómodamente a la narrativa, aunque de vez en cuando no se prive de mostrar ese cuerpo escultural que forjó siendo James Bond.
Rooney Mara es toda una revelación (para todo aquel que no la haya conocido antes) y el nivel de compromiso aportado es para aplaudir: no sólo se transformó estéticamente en Lisbeth Salander, sino que le puso todo el cuerpo al personaje, entregando facetas sensibles, ardientes, brutales y oscuras también; claramente, obviarla en las próximas entregas de premios sería contraproducente. Creo que le dio una imagen más inocentona a Lisbeth Salander en extrapolación con el excelente personaje bordado por Noomi Rapace.
Christopher Plummer, Stellan Skarsgård y Robin Wright derrochan calidad actoral, mientras que el desconocido Yorick van Wageningen se salda con un papel terriblemente difícil de una manera asombrosa. Todos tienen un plus ya que hablan inglés con un leve acento sueco, lo cual es raro, inusual e interesante.

Los aplausos corren también por parte de Trent Reznor y Atticus Ross, los encargados de darle vida a la película desde la música, con una banda de sonido metalizada, llena de arreglos por doquier y realzando las escenas del film de una manera brillante, oscura, melodiosa, atrapante, todo de acuerdo a las necesidades de cada momento. Ojalá la Academia no los hubiese premiado el año anterior por Red Social y sí por esta película, ya que el trabajo es más maduro y fuerte que antes.

Creo que ambas adaptaciones del libro de Stieg Larsson exceden expectativas por separado. La versión de Fincher es oscura, deprimente y desoladora, brutal, como eran las películas en los comienzos del director. The Girl with the Dragon Tattoo no creo que decepcione a ninguno de los fanáticos de los libros y las películas, aunque vale la advertencia para aquellos no familiarizados con la saga:la violencia y la brutalidad contra la mujer está a flor de piel, no todos podrán lidiar con la carga del film. A todos aquellos que puedan, bienvenidos al mundo de Lisbeth Salander, nuevamente.

Calificación: A

Attack the Block

2012-01-15T07:00:00.000-03:00

Año: 2011

Género: Ciencia Ficción.

País: Reino Unido - Francia.

Duración: 88 minutos.

Dirección: Joe Cornish.

Intérpretes: John Boyega, Jodie Whitaker, Alex Smail, Franz Drameh, Leeon James, Simon Howard, Luke Treadaway, Nick Frost, Jumayn Hunter.

"Sam, una estudiante de enfermería, es asaltada de camino a casa por una banda de adolescentes enmascarados y encapuchados. La caída de un meteorito y el ataque de una extraña criatura distraerán a los jóvenes y permitirá escapar a Sam. Tras matar a la criatura, los chicos arrastran su cadáver hasta la parte superior del bloque, zona que ellos consideran su territorio. Mientras Sam y la policía tratan de localizar a la banda, cae una segunda oleada de meteoritos. Confiados en la victoria, ante lo que ingenuamente consideran un débil invasor, los chicos se hacen con armas, bicis y motocicletas para defender su territorio. Pero ahora las criaturas son mucho más grandes, salvajes y peligrosas; llegan decididas a vengar la muerte de su compañero y nada se interpondrá en su camino."

Las mejores y por sobre todas las cosas, las más inteligentes, películas del género salen del Reino Unido; tales casos pueden verse en la excelente comedia zombie Shaun of the Dead, el film de acción Hot Fuzz, incluso el creador de la brillante Scott Pilgrim vs. The World es británico; es por eso que no resulta raro que Attack the Block sea una de las películas sobre invasiones alienígenas más entretenidas e interesantes de los últimos años, ya que con una historia de aparentemente pequeña escala se logra muchísimo cuando las ideas están bien coordinadas.

Joe Cornish, amigo personal del grupo británico compuesto por el director y escritor Edgar Wright y los actores Simon Pegg y Nick Frost, se pone detrás de las cámaras y al mando del guión solo para contarnos la historia de estos pequeños matones de poca monta a los cuales su noche de juerga y delitos menores se verá drásticamente alterada cuando una criatura caiga desde el cielo nocturno para aguarles la fiesta. Y eso es sólo el comienzo...
Así como estos jóvenes ironizan sobre la posibilidad remota de que la policía y los militares acudan a su rescate, el comentario social se entremezcla con la trama de la película, cuando la invasión se cierne muy cerca del bloque de departamentos donde vive el grupo y la película cambie ese enfoque de gran escala a una batalla personal e íntima: ya lo dice la tagline del poster, es barrio contra espacio exterior.

Al principio pensé que el guión de Cornish estaba representando un estereotipo bastante erróneo al mostrar a este grupo de chicos de clase social media tirando a baja como un puñado de forajidos a los que no les importa nada, pero con el correr de los minutos esa impresión va cambiando cuando los personajes vayan dimensionalizándose y haciendo que el espectador genere empatía con ellos. Gran parte de este sentimiento se logra a través de un elenco fresco, relajado y juvenil, a la cabeza de un excepcional John Boyega como el jefe matón Moses, un chico parco y de pocas palabras que maneja al grupo tranquilamente y con respecto; grande es el futuro para el joven Boyega. El grupo de jovencitos no desentona alrededor de Boyega, todos tienen diálogos graciosos y muy al corriente de las tendencias de ahora, acompañados cordialmente por la Sam de Jodie Whitaker, haciendo un trabajo lindo y en contraparte a los bandidos del bloque. Apenas si tiene un cameo Nick Frost como el cuidador del herbario, pero siempre es agradable verlo en pantalla.

Attack the Block, por otro lado, gana fuerza con una historia rápida, que no pierde tiempo en presentar las escenas de suspenso y acción mezcladas con los momentos de relajo (pocos) para estos chicos; durando unos justos hora y veinte minutos le son suficiente para comenzar, entramar y terminar la película correctamente, enlazando todos los cabos sueltos en la trama. A pesar de contar con un presupuesto acotado, Joe Cornish se las ingenió para hacer lucir a su film como una verdadera estrella, con una locación bastante común y barrial londinense, y enfocándose en los maravillosos efectos especiales: las criaturas tienen un diseño sencillo y a la vez innovador, y se acoplan al elenco de carne y hueso perfectamente. De más está decir que se ven escalofriantes y no causan gracia, para nada.

Creo que el último acierto que queda por destacar es utilizar a una banda como Basement Jaxx para la música incidental. Siguiendo los pasos de Daft Punk en TRON: Legacy y The Chemical Brothers en Hanna, Basement Jaxx eleva la película a otro nivel con un score rápido y furioso, bien actual y acorde a la esencia de la película.

Puede que no hoy, puedo que no mañana, pero Attack the Block seguro se convertirá en una película de culto en algún momento. Es Goonies + Aliens, tiene un poco de tinte Amblin en sus raíces, y está más que seguro que es una película entretenida, una pequeña gran joya del cine de ciencia ficción.

Calificación: A-

Historias Cruzadas (The Help)

2012-01-12T18:00:00.002-03:00

Conocida también como 'Criadas y señoras', 'Vidas Cruzadas' y 'El Color de los Sentimientos'

Año: 2011
Género: Comedia dramática.
País: Estados Unidos.
Duración: 137 minutos.
Dirección: Tate Taylor.
Intérpretes: Emma Stone, Viola Davis, Octavia Spencer, Bryce Dallas Howard, Jessica Chastain, Allison Janney.

"Mississippi, año 1964. Skeeter es una chica de la sociedad sureña de Estados Unidos, que regresa de la universidad decidida a convertirse en escritora, pero que revoluciona la vida de sus amigos –y la de una pequeña localidad de Mississippi— cuando se propone entrevistar a las mujeres negras que han pasado su vida cuidando a prominentes familias de la zona. Aibileen, el ama de llaves de la mejor amiga de Skeeter, es la primera en hablar, para consternación de sus amigos de la cerrada comunidad negra.
A pesar del peligro que esto significa para las antiguas amistades de Skeeter, la colaboración entre ella y Aibileen continúa, y pronto más mujeres –con mucho que decir- se atreverán a contar sus historias. En este camino, se forjarán nuevos lazos y hermandades, pero no sin antes atravesar con esfuerzo y sufrimiento los cambios que llevarán a una nueva época."

Historias sobre el racismo, las conocemos de memoria, ya que han habido tantas como público para cada una de ellas. No es nuevo que Hollywood ama este tipo de propuestas dramáticas, pero el público ya nota la temática agotada. ¿Que hace entonces que The Help haya sido un éxito rotundo de taquilla en 2011? La respuesta es contar una historia racial con toques de humor sensibles y apoyarse en un elenco extraordinario para llevar a flote este tumulto de historias cruzadas que son una delicia para los ojos.

Eugenia 'Skeeter' Phelan es una joven periodista que regresa a su pueblo natal en Jackson, Mississippi para descubrir que nada ha cambiado: las criadas negras, así como la mayoría de la población negra de Jackson,, todavái siguen sometidas al yugo del racismo por la comunidad blanca, lideradas por la infame y popular Hilly Holbrook, que domina a las jóvenes madres de jackson con puño de hierro y no deja entrar a su grupo selecto a la nouveau riche Celia Foote, una joven extremadamente cariñosa. Las historias de Skeeter y su familia, Hilly y sus amigas, y la de Celia se entrecruzarán junto a las de las criadas, representadas a la cabeza por Aibileen y Minny, cuando Skeeter planee una historia que es demasiado buena para no ser contada, y demasiado peligrosa para las criadas si se llega a saber que estan involucradas en el asunto.

El director Tate Taylor adaptó el libro de su amiga personal Kathryn Stockett en una historia de más de dos horas de duración que pocas veces decae y que siempre mantiene ese ritmo constante entre el drama puro y la comedia picaresca más divertida; cierto es que en algunos momentos se recurre al golpe bajo para emocionar al espectador a toda costa, pero el balance general es bastante positivo. Nunca Taylor se pasa de la raya, incluso en los momentos más tensos del film cuando hay un asesinato (tranquilos, ninguno del elenco principal) y el ambiente es bastante ominoso y oscuro; el tono está bien tratado y no se recurre a mostrar un cadáver, sino insinuar. Todo se insinúa. Aplausos también por la increíble recreación de los años '60, una verdadera joyita.

Sin embargo, más allá de la historia, la ambientación y la correcta dirección, The Help se destaca por sobre otras películas del género por un elenco absolutamente profesional que descolla en cada escena. El núcleo principal es el protagónico de Emma Stone, tan radiante y fresca como siempre, sumando un papel divertido y cálido a su currículum; pero las palmas se las llevan Viola Davis y Octavia Spencer como las criadas Aibileen y Minny respectivamente, quienes tienen una química sorprendentemente creíble y le dan el realismo necesario a la historia como para querer ver la película con ellas dos en todas las escenas. Hay muchos rumores de Oscar para ambas, del todo merecidos, ya que son las verdaderas joyas del film.

Acostumbrado a verla en papeles de fémina en peligro, la imagen de Bryce Dallas Howard me cambió totalmente al ver a la déspota que interpretó en Hilly Holbrook, una dama de cuidado, llena de prejuicios y con una imagen pública intachable. Otra pequeña sorpresa fue la Celia Foote de Jessica Chastain, la joven explosión del 2011 que rueda un personaje sufrido, con una historia de vida terrible, pero que nunca baja los brazos y nunca deja que la sonrisa se le vaya de la cara. Hermosa.

Divertida, emocional, profunda, The Help es una historia conocida, impulsada por una dirección soberbia y un elenco magnánimo, tanto que hace de la película una propuesta imperdible para aquellos que gustan de los dramas combinados con comedia ligera.

Calificación: A

Martha Marcy May Marlene

2012-01-09T23:30:00.000-03:00

Año: 2011
Género: Drama.
País: Estados Unidos.
Duración: 102 minutos.
Dirección: Sean Durkin.
Intérpretes: Elizabeth Olsen, Sarah Paulson, Hugh Dancy, John Hawkes, Brady Corbet, Louisa Krause.

"Martha es una joven que sufre un repentino trastorno mental en medio de su intento de recuperar una vida normal tras escapar de una secta y de su carismático líder. Busca ayuda en su hermana mayor Lucy, de la que estaba distanciada, y en su cuñado, pero Martha no tiene ni capacidad ni voluntad para revelar la verdad sobre su desaparición. Cuando sus recuerdos desencadenan la aterradora paranoia de que su antigua secta podría aún estar acosándola, la línea entre ilusión y realidad empieza a difuminarse para Martha."

Mientras los minutos de Martha Marcy May Marlene iban corriendo, no pude dejar de sentir una sensación de perturbamiento absoluto mientras la protagonista, Martha, intenta despegarse (sin conseguirlo) de uno de los eventos más traumáticos y significativos de su vida. A medida que avanzamos en este tortuoso camino, bordeando el horror puro, podemos apreciar también el nacimiento de una estrella: Elizabeth Olsen.

En mi memoria, esta es una de las únicas películas que retratan a un culto de una manera espeluznantemente humana: ellos viven de la tierra, tienen sus propias reglas, retorcidas, pero reglas al fina, y hacen crecer su rebaño, por llamarlo de alguna manera, atrayendo gente joven, ingenua y sin rumbo en la vida. Es raro ver entonces cómo una joven tan perspicaz y avispada como Martha haya caído en las redes del calmo pero pérfido Patrick y su grupo, pero hay tantas cosas que no sabemos de la vida anterior de Martha, y hay tan pocas cosas que la película apenas difumina en ese aspecto que es tarea del espectador imaginar los detalles que faltan.
Por razones tampoco muy claras, Martha escapa del culto y llega hasta una seguridad latente, cuando su hermana mayor la acoge en su hogar, pero los resultados del lavaje de cerebro y de la filosofía de vida de Patrick ya ha afectado lo suficiente a Martha como para dejarla en un estado de paranoia absoluto, totalmente perdida entre lo que es el pasado, el presente y sus memorias.

Es difícil no sentirse apenado por la situación de Martha y su familia. Años han pasado las hermanas sin verse, y cuando finalmente se reúnen, la menor presenta un comportamiento inusual y bastante errático que desconcierta a la sangre de su sangre. Este comportamiento está tan bien interpretado por la novata Elizabeth Olsen que casi casi se siente como si la historia fuese verídica y realmente existiera Martha. De seguro, existen muchos casos parecidos, pero la película se siente casi como un documental antes que una ficción gracias al tremendo trabajo de Olsen, quien ya deja oir los rumores de Oscar. El duro elenco no hace más que resaltar a Elizabeth, con una Sarah Paulson frágil, vulnerable y eximia, un Hugh Dancy correcto y un escalofriante John Hawkes, que vuelve a lucir razones de por qué estuvo nominado por su trabajo en Winter's Bone.

La historia construída por el director y guionista Sean Durkin transmite más con imágenes que con palabras: hay planos de una belleza inusualmente triste y melancólica, aunque también hay momentos en los que se coquetea pesadamente con el horror puro y real, como la intrusión a las casas. Otros momentos hermosamente aterradores pueden ser la iniciación al culto, o la Canción de Martha, un tema interpretado por el propio John Hawkes que te lleva al borde de las lágrimas de la pena, la congoja y la desesperanza que compone. Si tuviese que describir a la película con una palabra, esa sería desesperanza.
Hablando del abrupto final que tiene la película, tengo dos teorías que siempre encajan, o es la una o es la otra: la primera, es que los directores dejan finales ambiguos para que uno construya el que pasa después en su mente y elija su porpia historia; la segunda, es que al finalizar la pelícual no tenían un final satisfactorio para ofrecer y dejan el panorama abierto. Quiero creer que en este caso es la primera opción, pero el final es tan rotundo que tuve que investigar diferentes opciones hasta centrarme en qué podrái significar ese final.

Martha Marcy May Marlene es uan historia profunda y difícil, deprimente y desoladora, conducida por una potente Elizabeth Olsen difícil de olvidar, un elenco regio y un director atento y entregado. Imperdible.

Calificación: B+

Misión Imposible: Protocolo Fantasma (Mission: Impossible - Ghost Protocol)

2012-01-06T16:30:00.001-03:00

Año: 2011

Género: Acción.

País: Estados Unidos - Emiratos Árabes.

Duración: 133 minutos.

Dirección: Brad Bird.

Intérpretes: Tom Cruise, Jeremy Renner, Simon Pegg, Paula Patton, Michael Nyqvist, Anil Kapoor, Léa Seydoux, Josh Holloway, Tom Wilkinson.

"Acusados por el ataque terrorista que voló el Kremlin, Ethan Hunt, el agente de la Fuerza de Misión Imposible es desautorizado junto con el resto de la agencia cuando el Presidente inicia el 'Protocolo Fantasma'. Abandonado sin recursos ni apoyo, Ethan debe encontrar la forma de limpiar la reputación de la agencia y prevenir otro ataque. Para complicar más las cosas, Ethan se ve obligado a llevar a cabo esta misión con un grupo de fugitivos de la Fuerza de Misión Imposible cuyos motivos personales no conoce totalmente."

Con cada entrega nueva, la serie Misión Imposible sigue escalando en calidad. JJ Abrams dejó el listón muy alto con su Misión Imposible III en 2006 (increíblemente, su ópera prima) y ahora le pasa la antorcha a otra primera vez, en este caso del director Brad Bird, cuyas películas de animación se encuentran entre lo más querido de Pixar (Los Increíbles, Ratatouille) y ahora da el primer gran salto hacia el live-action.
Misión Imposible - Protocolo Fantasma está a una lejana distancia de la primera película de 1996, distancia no en calidad sino en el camino evolucionado de su trama, aún con mucha acción y espionaje pero con dosis de comedia para alivianar la tensión que provocan las infartantes escenas orquestadas en esta excitante entrega.

Protocolo Fantasma comienza a toda marcha: ya desde la primera escena tenemos el prácticamente cameo de Josh Holloway (si, sigue teniendo la misma chispa que Sawyer en Lost) corriendo a toda marcha por una azotea en Budapest para rápidamente dar paso al platillo principal antes de los títulos de crédito: el escape de Ethan de una prisión en Moscú. La historia no es para tirar manteca al techo, sino que está bien construída por dos personas que saben de espionaje: Josh Appelbaum y André Nemec han trabajo en la serie Alias, así que por ese lado estamos cubiertos. No hay gran profundidad en los personajes, sino que la historia (con un trasfondo de guerra nuclear) se encarga de llevar al pequeño equipo de la FMI a parajes exóticos y exhuberantes de un lugar a otro, pero lo que nos interesa es ver cómo se las arreglan los personajes de turno de salir de las situaciones más delicadas con los artefactos más novedosos, para ser honestos.

Dichas escenas no serían nada, claro, sin la voluntad de hierro del elenco, a la cabeza de un Tom Cruise que regresa cual ave Fénix a una de las sagas que más popularidad le otorgó: los años no vienen solos, pero Tom los disimula bastante bien y le pone todo el cuerpo a la situación. De sólo saber que hizo todas sus escenas sin dobles (sí, escaló ESE edificio el mismo) hace que uno lo aplauda de pie. El resto del elenco brilla junto a Cruise, desde el actor en alza Jeremy Renner en un trabajo más que correcto, pasando por la fuerza femenina de turno en la potente Paula Patton y llegando hasta el alivio cómico de Benji, el perosnaje robaescenas de Simon Pegg que tiene los momentos más hilarantes y divertidos de toda la película. Juntos hacen un buen equipo con interesante química.

Por el lado del equipo villano, ciertamente me da pena que el villano de Michael Nyqvist esté deslucido y con poco desarrollo, en comparación con la hermosa, seductora y peligrosa asesina Sabine interpretada por la carismática Léa Seydoux.Vladimir Mashkov y Anil Kapoor completan un poco esta grilla villana que juntos no le llegan a la altura del villano de Phillip Seymour Hoffman en la anterior.

¿Se podía dudar de Brad Bird? Un poco, si, pero una ligera duda ya que no haría un proyecto de este tamaño si no estuviese seguro. ¡Y vaya que logró noquearnos! Bird tiene un ojo especial para la dirección, visión que se puede comprobar en las tensas y milimetradas escenas que pueblan el metraje: la infiltración en el Kremlin, la espectacular y colosal operación en Dubai, en donde cada escena es imperdible y maravillosa, e incluso al desenlace en Bombay no le falta acción, artilugios y momentos adrenalínicos.

Por supuesto, la música imperdible de Michael Giacchino vuelve a engalanar cada escena de arriba a abajo, con un toque sutil cuando se lo requiere y rimbombante en las escenas tensas; de tener una simple queja, me hubiera gustado que se jugase por modernizar un poco la canción original de la serie, que la hubiera arreglado un poco como hicieron en los trailers y no decantarse por la versón original. Creo que eso le hubiera dado un aire diferente a los créditos y a todo momento en el que se usa la melodía.

Misión Imposible -Protocolo Fantasma es a la saga lo que fue Fast Five a Rápido y Furioso: secuelas de calidad que aumentan lo conseguido en anteriores entregas, con escenas de alto voltaje de acción que se reducen lo necesario para respirar y seguir corriendo. Imprescindible de ahora en más seguirle la pista a la próxima entrega luego de esta sólida entrega.

Calificación: A-

Quiero matar a mi jefe (Horrible Bosses)

2012-01-05T16:00:00.001-03:00

Año: 2011
Género: Comedia.
País: Estados Unidos.
Duración: 98 minutos.
Dirección: Seth Gordon.
Intérpretes: Jason Bateman, Jason Sudeikis, Charlie Day, Jennifer Anniston, Kevin Spacey, Colin Farrell, , Jamie Foxx Donald Sutherland, Julie Bowen.

"Para Nick, Kurt y Dale, lo único que haría sus monótonos trajines diarios más llevaderos sería triturar a sus intolerables jefes. Renunciar no es una opción, entonces, con la ayuda de unos cuantos tragos de más y cierto consejo de dudosa reputación de un ex-convicto buscavidas, los tres amigos fabulan un enrevesado plan aparentemente infalible para deshacerse de sus respectivos empleadores…para siempre. Solo existe un inconveniente: aún los planes mejor pensados son solo tan infalibles como el cerebro que los ideó."

Hollywood sigue con una racha imparable de comedias este 2011 que pasó. Crazy, Stupid, Love demostró que puede tomar una situación dramática y convertirla en tragicomedia, y Bridesmaids probó que un grupo de mujeres malhabladas y bien personificadas podían llevar adelante una película. Horrible Bosses sigue el camino de la comedia guarra que consolidó la saga The Hangover y un poco Bridesmaids, y toma el sueño de todo trabajador para convertirlo en una comedia pura y dura que tiene una multitud de escenas extremadamente graciosas combinadas con un elenco estupendo.

¿ Que pasaría si en una noche de borrachera decidieras con tus amigos de toda la vida trazar un plan para eliminar a los respectivos jefes, uno una persona más grotesca que la otra? Cuando no es una maniática sexual es un cabrón sin escrúpulos o un pisoteacabezas insufrible. ¿Cual es el punto límite? El trío de amigos los descubrirá tarde o temprano cuando vean que renunciar no es una opción a salvarse del trío infernal de empleadores.
Primero indecisos, pero con el correr de las horas, las situaciones se hacen más asfixiantes (y más divertidas para el expectador) y pronto están buscando un asesino a sueldo; el primer y fallido intento contiene un cameo imperdible de parte del Hombre Elástico y luego aparece el pequeño gran salvador encarnado por Jamie Foxx, el indescriptible Hijo de Puta Jones, quien los asesorará en la trama que este grupo ha planeado, una especie de Extraños en el Tren de Hitchcock. Revelar más sería arruinar la historia.

Hay otro trío, pero este se encuentra detrás de cámaras: se trata de los guionistas, cuya cara más reconocida, se podría decir, es el joven John Francis Daley, a quien puede reconocerlo como el doctor Sweets en la serie Bones. Junto a Michael Markowitz y a Jonathan M. Goldstein una historia escasa en originalidad pero abundante en situaciones demasiado graciosas y hasta casi avergonzantes que tienen que sufrir los protagonistas. Encadenando una situación tras otra, la película transcurre sólidamente durante su hora media de metraje, lo justo y necesario para entretener convincentemente. Los diálogos no se privan de ser racistas, homófobos, llenos de prejuicios e políticamente incorrectos, lo mismo que las numerosas escenas con las que se encuentran los amigos, pero es lo que busca el espectador en este tipo de propuestas y las expectativas se cumplen con creces.

Lo que resulta más convincente de la película es el elenco, inesperado y fabuloso, visto desde ambas partes del asunto. El trío de amigos se maneja correctamente con una camaredería muy cordial y creíble; mientras Bateman hace un correcto trabajo y Sudeikis se sostiene, la revelación es el joven Charlie Day, quien se roba más de una escena, en particular, luego de aspirar accidentalmente cocaína. Impecable. Jugando de visitantes tenemos a los jefes, uno más detestable y psicótico que el otro, pero para nada lejos de ser un estallido de risa con cada aparición.
Primero, hablamos de Jennifer Anniston: acostumbrada a interpretar a su famosa Rachel una y otra vez en todas las películas que hace, esta comehombres insaciable fue toda una revelación para mí, ya que finalmente la vi desde otra óptica (quiero creer que no fui el único). Luego tenemos al idiota interpretado por Colin Farrell, un cocainómano que no se puede creer como sigue vivo después de aspirar tanta droga: un papel despreciable que le cayó perfecto al irlandés. En la cima de la aberración laboral tenemos a Kevin Spacey, que se gana todos los laureles como el implacable presidente/vicepresidente de la empresa donde trabaja el personaje de Bateman, una persona ególatra que se roba la película en todas sus apariciones.
Finalmente tenemos al asesino negro Motherfucker Jones, que si bien no desentona totalmente con la película, le aporta un detalle gracioso a la trama, cortesía de un siempre efectivo Jamie Foxx.

Horrible Bosses es, a mi parecer, una película de mejor nivel que The Hangover II, incluso le juega cabeza a cabeza con la primera entrega de aquella serie. Desvergonzada, negrísima, despreocupada, con un elenco bien cronometrado y fabuloso, es una gran comedia picante y morbosa. Han sido advertidos.

Calificación: B+

Las aventuras de Tintin: El secreto del Unicornio

2012-01-04T14:00:00.000-03:00

Año: 2011
Género: Aventuras.
País: Estados Unidos - Nueva Zelandia.
Duración: 107 minutos.
Dirección: Steven Spielberg.
Intérpretes: Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig, Simon Pegg, Nick Frost, Toby Jones.

"El curioso e insaciable joven periodista Tintín y su leal perro Milú descubren que la maqueta de un barco contiene un secreto explosivo. Arrastrado por un misterio centenario, Tintín se encuentra en el punto de mira de Ivan Ivanovitch Sakharine, un diabólico villano que cree que Tintín ha robado un valioso tesoro vinculado a un cruel pirata llamado Rackham el Rojo. Pero con la ayuda de Milú, el mordaz y cascarrabias capitán Haddock y los torpes detectives Hernández y Fernández, Tintín viajará por medio mundo, siempre yendo un paso por delante y siendo más astuto que sus enemigos en una persecución para hallar el lugar donde finalmente descansa 'El Unicornio', un navío hundido que puede contener la clave de una cuantiosa fortuna... y de una antigua maldición.

Desde alta mar hasta la arena de los desiertos del norte de África, cada giro inesperado arrastra a Tintín y sus amigos a niveles más irrefrenables de emoción y peligro, demostrando que cuando alguien se arriesga a perderlo todo, no existen límites para lo que pueda llegar a hacer."

Agradezco a Cinescondite por la oportunidad de ver la película en función de prensa.

Si hace unos años me hubieran dicho que el Rey del Entretenimiento, Steven Spielberg, se uniría al neozelandés Peter Jackson para un proyecto en conjunto animado, no lo hubiera creído. Teniendo a Tintin delante mío, admito que la dupla funciona y, combinando los mejores expositores del cine de aventuras de ambos directores tenemos en Las Aventuras de Tintin un film de lograda calidad que representa una historia de aventuras rimbombante y con varias pizcas del incombustible Indy Jones.

Hasta este mismo momento, conocía la existencia de Tintin pero nunca jamás se me había ocurrido leer una de sus historietas. No era que no me interesasen... pero sí, no me interesaban. Al entrar a la sala de cine, sólo conocía la historia del intrépido periodista por los avances y ya; no voy a decir que descubrí un mundo nuevo al completo, sino que es una agradable mescolanza de diversas aventuras con muchas influencias Spielbergianas y Jacksonianas, sin ir más lejos, las tremendas escenas de persecución que le hacen honor al nombre de estos dos directores. Estos guiños al cine de estos dos grandes no es copia ni nada parecido, sino como un propio homenaje a las películas de Jones, a las increíbles corridas en King Kong de Jackson y más; también está la presentación inicial de créditos, que me hico acordar inmediatamente a la vista en Atrápame Si Puedes, de Steven.

La historia y el guión, a cargo de Steven Moffat (Doctor Who), Edgar Wright (director y guionista de las excelentes Shaun of the Dead y Scott Pilgrim vs. The World) y Joe Cornish (Attack the Block), todos provenientes del Reino Unido, le aportan un aire europeo a la trama bastante palpable; será por eso que mucho a los americanos no les ha gustado y sí ha explotado los mercados europeos (no olvidemos que el creador de Tintin, Hergé, era belga) La historia que se dearrolla en Tintin es bastante básica, siendo una aventura que se mueve de un punto A a un punto B y luego a C siguiendo diferentes pistas y el camino de los villanos también, pero no por eso se le quita el hecho de que durante todo su metraje resulta entretenida. Spielberg no haría una película de aventuras que no fuese entretenida, no entra en sus cánones sino.

Técnicamente, Tintin es impecable: imaginen la calidad de animación visual de Monster House y de El Expreso Polar juntas; ahora, amplíenla por diez y tienen el resultado de Tintin. Sé que esta tecnología de captura animada puede resultar un poco extraña de ver a los ojos de uno como espectador (échenle la culpa a ese efecto llamado uncanny valley) pero las expresiones captadas de todos los personajes son fabulosas y casi casi reales. Pensé que los movimientos se iban a ver un poco ralentizados, poco humanos como es un clásico en este tipo de películas, pero me resultaron fluidos y reales. La calidad, impresionante, y un verdadero punto para Steven en su primera incursión en territorio animado.

Las voces de los personajes, una vez que descubran quienes son, están fantásticas a cargo de los irreconocibles Jamie Bell, Andy Serkis y Daniel Craig, estos dos últimos haciendo un trabajo tan supremo que sus voces no se distinguen para nada. Serkis, con el magnífico trabajo hecho en Rise of the Planet of the Apes y acá debería ganarse la nominación ya para la carrera a los Oscars este año.
Y claro, no podía faltar la usual colaboración con el compositor John Williams, que hace un trabajo correcto con la música, que acompaña interesantemente a este aventurilla del periodista del jopo colorado.

Las Aventuras de Tintin se planteo como una trilogía, aunque su destino queda por saberse a la espera de la recaudación mundial del film; tomandola por separado, Tintin es una destacada aventura animada con escenas de acción desenfrenada, personajes bien construidos y graciosos y que apunta a una (o varias) secuelas. Esperemos que lo logre, porque es entretenimiento de calidad para toda la familia.

Calificación: B+

Loco y estúpido amor (Crazy, Stupid, Love)

2012-01-01T22:00:00.000-03:00

Año: 2011
Género: Comedia dramática.
País: Estados Unidos.
Duración: 118 minutos.
Dirección: Glenn Ficarra y John Requa.
Intérpretes: Steve Carell, Rya Gosling, Julianne Moore, Emma Stone, Marisa Tomei, Kevin Bacon, Analeigh Tipton, Jonah Bobo.

"A los cuarenta y pico, el conservador Cal Weaver está viviendo el gran sueño: un buen trabajo, una linda casa, unos hijos encantadores y está casado con su amor de la secundaria.

Sin embargo, cuando Cal se entera de que su esposa Emily lo ha engañado y le pide el divorcio, su vida “perfecta” se desmorona rápidamente. Lo que es peor, en el mundo de los solteros de hoy, Cal, quien hace décadas que no sale con una chica, es el arquetipo de la torpeza. Ahora el desafortunado Cal pasa sus tardes libres solo y enfurruñado en el bar y ha tomado como compañero de penurias al buenmozo jugador treintañero Jacob Palmer.

En un intento de ayudar a Cal a sobreponerse de lo sucedido con su esposa y a empezar a vivir su propia vida, Jacob le abre los ojos a Cal para que vea las diferentes posibilidades que se abren frente a sus ojos."

Crazy, Stupid, Love es de esas comedias con candor genuino que vemos muy de vez en cuando; es una mirada incisiva a las relaciones de hoy en día con un buen toque de comedia pero que nunca pierde ese ángulo filoso con el que la dupla de directores y su guionista encaran esta deconstrucción de las relaciones humanas cotidianas.

Conozcamos a los Weaver, una prototípica familia compuesta por un anodino papá Cal, una despampanante mamá que está bellísima en sus cuarentas, un hijo adolescente y una hija apenas entrando en la pubertad, niñera adolescente incluída. No terminamos de ver los créditos que esta rutinaria familia da un giro de 180 grados al proponerle mamá Weaver el divorcio a papá Weaver, desencadenando la divertida y dramática trama que veremos a continuación.

En mis ojos, Crazy, Stupid, Love debería ser considerado un gran manual sobre cómo tratar las crisis familiares, ya que todos los puntos de vista de los integrantes de esta trgicomedia se toman en cuenta. En primer lugar tenemos a Steve Carell como el patriarca fuera de onda que queda a la deriva cuando su mujer le corta la correa y queda a merced de un mundo que no conoce: el mundo de la soltería. En ese mundo se encontrará con el rebelde mujeriego Jacob, que lo tomará bajo su ala y lo convertirá en un gigoló irresistible. Mientras tanto, la madre Weaver lidia con las consecuencias de su indiscreción marital, mientras que su hija pequeña no se entera de nada y el adolescente Robbie atraviesa un período difícil: su primer amor, nada más y nada menos que de la niñera.
Desde otra perspectiva tenemos a Hannah, una joven y promisoria abogada que, una noche, se ve en la mira de Jacob el mujeriego, dándose el lujo de rechazarlo. Ambas historias, aunque se sienten inconexas, se unirán brillantemente en el tercer y caótico acto de la película, hecho que provocará más de una sonrisa.

Para sostener el inteligente guión de Dan Fogelman (con razón me gustó tanto, si es el mismo escritor de mi querida Tangled y de las dos Cars), Crazy, Stupid, Love se vale de un elenco con mucha química para llevar adelante esta comedia: sigo sin poder tragar completamente a Steve Carell, pero su papel acá se sintió sincero, quizás un poco cercano a aquel perdedor en The 40 Year-Old Virgin; Ryan Gosling sigue en alza y, en contracara al silencioso conductor en Drive, acá le pone todo el cuerpo (cuerpazo, diría yo) a este mujeriego irresistible; Julianne Moore y Marisa Tomei están muy correctas, pero la una me gustó más en The Kids are All Right y la otra me pareció más sólida en The Ides of March; al principio, pensé que Emma Stone iba a estar deslucida en la película, pero cuando todas las fichas encajaron, su querible Hannah demuestra porqué Emma es la nueva Julia Roberts. Mis aplausos también van para dos personas que no son grandes estrellas, pero le dieron a la película un sabor inusual: el primero es Jonah Bobo, a quien tal vez recuerden por ser el nenito de Zathura, ahora crecidito y toda una revelación acá; la segunda es Analeigh Tipton, que encarna a la niñera algo volátil de los Weaver. Ver a Analeigh es toda una sorpresa porque es unaexparticipante de uno de mis programas favoritos, America's Next Top Model, y verla en Hollywood fue todo un shock y una sorpresa: esta chica sí puede actuar, y eso que se lo venían repitiendo siempre en el programa. Más allá de las grandes estrellas, Jonah y Analeigh me sorprendieron mucho mucho.

Si quieren ver una comedia de esas que dejan huella, Crazy, Stupid, Love tiene que ser su elección. Cuando muchas comedias juegan a enganchar al espectador por el lado de lo burdo, ésta se permite apostar por abordar situaciones en las que uno no puede dejar de sentirse identificado con los personajes. Tiene alma, y eso es lo que les falta a muchas comedias.

Calificación: A-

¡Ciao 2011!

2011-12-31T11:10:00.000-03:00

Otro año más que se nos escapó volando. No puedo creer que ya estemos en el último día de 2011, los días se me escaparon de las manos prácticamente.

2011 fue un año raro para mí. Raro porque no lo sentí tan combativo para conmigo como lo fue el 2010, y aunque tuve tropezones fueron los menos que los más. Tuve momentos imperdibles así como tuve momentos tristes de despedidas que no me hubieran gustado hacer, pero como ya le dije a esa personita tan especial para mí, 'No te vas de esta serie que es mi vida, vas a hacer apariciones especiales'.

Personalmente, creo que avancé un poco más y no me veo tan fracasado como el año pasado, creo que logré un par de cosas por las que estoy orgulloso de haber invertido tiempo y esfuerzo, y sé que en el futuro me reportarán igual o más felicidad y placer que lo que ya lo hacen. Estoy orgulloso, por ejemplo, de participar de la plantilla de escritores que posee Cinéfiloz, una plataforma de cine que poco a poco creó un mosaico étnico y me conectó con gente de otros países. Día a día la página va creciendo y cada vez nos visita más gente: algo bien debemos estar haciendo. Desde ya, le agradezco enormemente a Manu por haberme permitido trabajar codo a codo (virtualmente) con él y por confiar en mí.

Plano universidad: en un momento en el que creía que iba a tirar todo por la borda, las cosas mejoraron. Mea culpa, no voy a decir que trabajé duro para lograrlo, sino que algunas fichas cayeron en su lugar y pude progresar. Ya sé que siempre prometo que voy a mejorar el año que viene, que voy a estudiar más, pero esta vez, I mean it, si no lo hago... Esto es go big or go home. Aunque me falta mi otra mitad para apoyarnos mutuamente todos los días, estoy rodeados de compañeros y amigos extraodrinarios, así que juntos saldremos adelante.

Me faltan pulir un par de detalles en mi vida personal, sé que en algún momento lo tendré que hacer, pero todo a su tiempo, ya va a llegar, no desespero. Bueno, sí, mis amigos no me dejan mentir, he desesperado un poco durante el año, pero es la sal de la vida, ¿no?

Y acá estoy, pensando previamente 'No, no voy a escribir un último adiós al 2011' pero lo hice, y me descargué de lo lindo. ¡Gracias 2011, no te extrañaremos (tanto)! Ahora recibamos con un abrazo al 2012 y todos los misterios y sorpresas que nos trae.

SEE YA IN 2012!

Lucksaw's 2011 Top Ten

2011-12-30T06:00:00.000-03:00

Otro año más y no puedo creer que este año haya terminado tan rápido. El 2011 fue un goce visual con secuelas a diestra y siniestra y las siempre bien recibidas joyitas inesperadas, hubo más sorpresas que decepciones, incluso entre los tanques Hollywoodenses que llenaron las pantallas de los cines.

Nuevamente, estoy en la incómoda y triste posición de decir que debido a os tejes y manejes de las distribuidoras me he quedado sin verme películas como The Girl with the Dragon Tattoo, Mission: Impossible - Ghost Protocol, War Horse, Hugo o las que más destilan Oscars en su trama, como Shame, The Iron Lady, We Need to Talk About Kevin o Young Adult, películas que algunas entraban directamente en este conteo u otras que tenían todas las chances de poder entrar. Con el tiempo podré verlas, pero me siento menos mal conmigo mismo al aclarar que podrían haber tenido un lugar acá.

Bonus Track/DVD - The Woman: la retorcida mente del escritor americano Jack Ketchum (un tipo al que el propio Stephen King venera) se une a la oscura psique del director Lucky McKee para armar uns historia donde los recovecos más inhóspitos y peligrosos de la mente humana quedan al descubierto. No todos los monstruos viven en los bosques, y las mayores fechorías de la película las cometerá un aparentemente correcto abogado de familia que tiene más de un oscuro secreto en su patio trasero. Impecablemente interesante y peculiarmente violenta.

Número 10 - Final Destination 5: La fatídica The Final Destination sería el colofón de esta saga sobrenatural. Irónicamente, la película resultó un fiasco en calidad, pero fue la que mayor recaudación de las películas tuvo. Dos años después, Final Destination 5 llegó a los cines, y nadie daba un peso por ella... irónicamente, terminó convirtiéndose en la secuela más espectacular desde la primera entrega. Con una escena premonitoria extensa, dolorosa e impresionante (uno de lo saccidentes mejor orquestados de la saga) Final Destination 5 se encargó de desarrollar una trama interesante y llenar el metraje con muertes llenas de suspenso en situaciones cotidianas: ya nunca vas a mirar con los mismos ojos una rutina de destreza, una cirugía láser o una sesión de acupuntura. Cuando creí auqe ya estaba todo perdido, la saga ha ganado mi corazón nuevamente.

Número 9 - Rise of the Planet of the Apes: Nadie en su sano juicio pensaba que una precuela a la icónica Planet of the Apes funcionaría. Luego del mal sabor de boca que originó la remake de Tim Burton en 2001, los monos estaban fuera de escena, hasta que el simio Caesar dejó a todos callados con una historia en la que por una vez, el protagonista no es un humano, sino el villano. El trabajo de Andy Serkis dandole vida a Caesar es tan impresionante que están bogando para que le dan una chance en la próxima entrega de premios Oscar, chance más que merecida ya que se ha ganado el reconocimiento. Habiendo sido recibida unánimemente por el público y la crítica, las secuelas se están haciendo pedir... ¿será que las tendremos?

Número 8 - Super 8: Si uno remueve de los créditos a JJ Abrams y lo pone a Steven Spielberg como director, nadie se daría cuenta del cambio, ya que Abrams ha logrado emular perfectamente lo que es el cine de aventuras del tío Steven con Super 8, un film lleno de nostalgia con claras referencias hacia el cine temprano de Spielberg. Las relaciones interpersonales entre los protagonistas y su familia encajan perfectamente con el misterio alienígena en el que se ven inmersos los jóvenes de turno, sumado a las tensas escenas de suspenso y las impresionantes escenas de acción, cortesía del incurable JJ. Si extrañás The Goonies e E.T, Super 8 te va a ahcer revivir esos momentos.

Número 7 - Paranormal Activity 3: Tras levantar polvareda con la primera entrega y dormirse en los laureles con la segunda, la saga paranormal más famosa de los últimos años regresa fuerte para volver en el tiempo y contarnos cómo se originó la terrible persecuta sobrenatural de la familia de Katie y Kristi. Fuerte en mitología y fuerte en escenas no aptas para cardíacos, Paranormal Activity 3 ocupa un digno lugar junto a la original en cuanto a escenas infartantes, ya que los quince minutos finales son lo más escalofriante que me toco ver este 2011.

Número 6 - Scream 4: Once años tardó en regresar la saga que pateó el tablero del género y se burló del mismo, pero acá estamos, el equipo a vuelto a las andadas y Ghostface se calza la máscara una vez más para atacar. Elevando la apuesta en esta nueva década, el nivel de autosuficiencia y de crítica hacia un género bastardeado por las remakes y secuelas, Scream 4 logra reírse de todas ellas y de sí misma sin perder el rumbo nunca y, quizás, con el/los villano/s con una agenda siniestra más que entendible. A medio camino entre la nostalgia de volver a ver al grupo de vuelta y la necesidad de darle un empujón más a la saga, Wes Craven y compañía han logrado la mejor secuela de la saga.

Número 5 - X-Men: First Class: Los mutantes necesitaban una lavada de cara después del polémico capítulo final de la trilogía y de la tibia recepción que tuvo la historia en solitario de Wolverine. Nunca pensamos que obtendríamos tanto: First Class es una de las mejores historias de ciencia ficción del año, rellena de personajes que ya conocíamos pero puestos bajo otra luz, vistos desde otra perspectiva y conociendo sus costados más brillantes y también los más oscuros. Acompañando a este excelente estudio de carácter, tenemos una atrapante historia de aventuras y acción, en donde no faltan las lecturas de mentes, las ondas láser y el metal retorcido. La secuela, más que obligatoria.

Número 4 - Drive: Una de las experiencias más inesperadas, hipnóticas y sugerentes que vi este año. Manejada (sic) por una inspirada y destructora actuación de Ryan Gosling, Drive es una pequeña gran historia: tensa, arrítmica, particular, no hay palabras para expresar lo brillante que es esta película, y lo mucho que provoca en el espectador. Con un elenco muy bien conformado, el director Nicolas Winding Refn es una fuerza a tener en cuenta en Hollywood.

Número 3 - The Help: Tomando como punto de partida la racia ocurrida en los años sesenta en Estados Unidos, el director Tate Taylor se inspira en el libro de Kathryn Stockett para ponerse en la piel de una joven escritora que se une a dos veteranas criadas negras para contar la historia de sus vidas y lo que significa ser criadas de los blancos. Con grandes dosis de humor y drama, The Help cuenta una historia de injusticias y desprecios con una mirada cálida y atenta y, claro, con las poderosas actuaciones de Viola Davis y Octavia Spencer, ambas material directo para los Oscars 2012.

Número 2 - Bridesmaids: La comedia no es lo mío, usualmente paso de largo cuando estrenan una, pero Bridesmaids fue diferente, y para cuando transcurrieron los primeros diez minutos, ya estaba enamorado de ella. Quizás fue por la hilarante trama, quizás fue por la magnética interpretación de la fabulosa Kristen Wiig, pero además de ser LA comedia del año, y probablemente LA comedia de los últimos años, Bridesmaids se ha convertido en una de mis favoritas de todos los tiempos. Los diálogos son estupendos, los personajes secundarios son maravillosos (la robaescenas de Melissa McCarthy es simplemente indescriptible), las escenas de comedia están contrastadas soberbiamente con los momentos de drama, todo confluye armoniosamente en esta perfecta comedia.

Número 1 - Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 2: No sólo es el final de una extensa pero excelente saga, sino que es el final de algo más, algo simbólico: es el final de un viaje para mí como para millones de jóvenes que crecimos con la historia de un joven mago destinado a la grandeza. La segunda parte de este episodio tuvo un impacto mayor que la primera porque significó el final absoluto, y porque tuvo las escenas más esperadas que muchos ansiaban ver desde que terminaron el libro en 2007. Siete libros y siete películas nos trajeron hasta este final, una despedida emotiva, triste, llena de adrenalina y lágrimas. ¡Hasta siempre, Harry Potter!

Así que aquí estamos, llegamos al final de este conteo. Siéntanse libres de comentar, despotricar, insultar, remarcar y demases en los comentarios. Con gusto los escucharé a todos. Y esperemos que el Top Ten del 2012 no me sea tan difícil de elegir como lo fue éste.

Todo Oscuro, Sin Estrellas

2011-12-28T09:30:00.000-03:00

Con los años, la prosa de Stephen King se vuelve más puntillosa, más perfecionada, más malvada y más emotiva. Los años no vienen solos para el Tío Steve, y en cada libro nuevo demuestra porqué es el Rey del Horror. En Todo Oscuro, Sin Estrellas, le bastan 4 historias cortas para llevarnos por cuatro viajes repletos de emociones, historias en las cuales el común denominador son personajes comunes, con vidas comunes que son empujados a situaciones extraodinarias. Pero vamos, entremos a este mundo en donde todo es oscuro, y sin estrellas...

1922: La primera novela corta del libro es una confesión extendida de como un simple granjero comete las peores decisiones de su vida y arrastra consigo a su hijo de quince años; en el afán de guardar para sí la granja familiar, al contrario que su pérfida esposa, que quiere venderla a una gran empresa e irse a la gran ciudad, Wilfred James orquesta la muerte de su esposa, para lo cual necesita la ayuda (y el silencio) de su vástago. La sabida muerte llega, pero lo importante de la historia es lo que sucede luego del brutal asesinato, y cómo afecta a los sobrevivientes, que enfilarán directo hacia la locura. Quizás no sea la nouvelle que más se destaque dentro del libro, pero 1922 aporta un vistazo a lo que debió y debe sentirse vivir en el medio de la desolación. Por supuesto, el sello de horror King está presente y el final es escalofriante.

Camionero Grande: La sorpresa grande. Nunca hubiera esperado que un cuento basado en el rape & revenge (violación y venganza) fuera tan preciso, descomunalmente emotivo y que se pudiera empatizar tanto con la protagonista, una amable escritora de novelas de suspenso que es violada y mancillada brutalmente por un camionero en el medio de la nada, para sobrevivir por los pelos y luego emprender su propia venganza. Lo más chocante de la historia es la morbosidad con la que Stephen cuenta todos los pasos del brutal ataque de Tess (aunque siendo un lector veterano de King, estoy acostumbrado a ello) y, por otro lado, la cantidad de referencias al género del horror que hace al autor. Stephen no es un autor que se quede anticuado y mete todos los detalles de última moda, como el uso de Twitter, GPS, Firefox, etc: su prosa no queda obsoleta en el tiempo, es bastante actual. También nos da un vistazo interno a lo que debe ser la cabeza de un escritor, ya que Tess, luego de su percance, se inventa voces que la ayudan a dar sus siguientes pasos; ojo, no es que está loca, sino que se inventa voces para exteriorizar su estado mental actual. Camionero Grande es mi favorito de esta antología.

Una extensión justa: el relato más corto pero no por eso el menos intenso. Harry Streeter es un hombre de mediana edad que tiene una familia normal, pero un cáncer mortal le está quitando la vida poco a poco. Por esos fortunios de la vida, se cruza con el Diablo en persona (nada de Elizabeth Hurley esta vez, sino un viejo que vende chucherías al costado de la autopista) que le ofrece revertir su suerte y pasársela a alguien que odie profundamente. El beneficiario es su mejor amigo, al que todo le fue excelentemente bien en la vida y hasta se llevó la que podría haber sido la mujer de sus sueños. El Diablo está en los detalles, y la vida de uno y del otro dará un vuelco espectacular en una historia que se disfruta cual placer culpable. La frase final cierra brutalmente una historia que quedará para la posteridad.

Un buen matrimonio: En la historia final de esta recopilación, un matrimonio de casi treinta años se viene abajo en un santiamén cuando la esposa se cruce inadvertidamente con el pequeño escondrijo de su marido en el garage. Darcy así deberá repensar toda su vida de ensueño con una persona tan puntillosa que nunca dejó entrever lo que estaba por debajo de la superficie. Tenemos en Un buen matrimonio el relato más íntimo de cómo uno puede salir adelante con una persona a la que creía conocer no es quien dice ser. No se puede tirar la vida por la borda en un solo segundo, y las decisiones que toma la protagonista son difíciles, pero justificadas. Una narración madura y que pocas veces se encuentra entre la prosa de Stephen cierra con un moño estas historias geniales.

Con la extensa La Cúpula (leer reseña aquí) y Todo Oscuro, Sin Estrellas, Stephen King sabe que todavía tiene la chispa para atrapar al lector en sus novelas únicas y malvadas. No puedo esperar a ver que se trae entre manos con 11/22/63

Calificación: Muy Bueno

Secretos de estado (The Ides of March)

2011-12-26T09:00:00.000-03:00

Conocida también como 'Los Idus de Marzo' ó 'Todo por el poder'

Año: 2011.
Género: Thriller.
País: Estados Unidos.
Duración: 101 minutos.
Dirección: George Clooney.
Intérpretes: Ryan Gosling, George Clooney, Phillip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Marisa Tomei, Geoffrey Wright, Evan Rachel Wood.

"Un miembro del staff de un futuro candidato a presidente de los Estados Unidos recibirá un curso intensivo sobre 'política sucia' durante su participación en la campaña electoral."

Que la política no me interesa, no es para nada nuevo, realmente la detesto y si a veces tengo un pequeña motivación para entender los engranajes que mueven al país, termino rápidamente volviendo a mis anteriores pensamientos cuando veo toda la malversación de los más poderosos para conseguir un poco más de poder.

Secretos de Estado (traducción interesante de la críptica The Ides of March) es un intrigante vistazo a los tejes y manejes dentro de una campaña política, y demuestra cómo los políticos no distan tanto de esas traicioneras chupadoras de sangre que lo hacen todo para conseguir un marido con dinero y poder.

George Clooney vuelve al estrado directorial y toma la historia teatral de Beau Willimon para narrar la historia de Stephen Meyers, un extremadamente joven vicepresidente de campaña para el candidato a presidente demócrata, el gobernador Mike Morris (un apático pero fuerte y tenebroso George Clooney) . La fuerza de convicción con la que trabaja Stephen al lado del veterano jefe de campañas Paul Zara (el usualmente brillante Phillip Seymour Hoffman) es increíble aparte de contagiosa, ya que todos quieren trabajar alrededor suyo y, en palabras del jefe de campaña de la oposición, hasta los que lo odian lo aman. Y, claro, Stephen es un buenmozo de aquellos, así que no tardará mucho en verse enredado con una de las participantes femeninas de la oficina.

Los tires y aflojes en la campaña parecen ser los usuales, y el candidato Morris tiene chances de convertirse en candidato oficial si consiguen el apoyo de un senador algo inescrupuloso. Todo marcha sobre ruedas hasta que la catástrofe sucede: el positivo Stephen se entera de un oscuro secreto acerca de su idolatrado candidato, un secreto que lo pone en una situación nada provechosa. Teniendo una moralidad impecable, ¿que hará? ¿Se lo contará a la prensa y destruirá su carrera presidencial? ¿O se quedará callado y apoyará a un mentiroso hacia la banca de Estados Unidos? El tiempo se le escapa cuando poco a poco lo quieran borrar de la campaña de un plumazo, algo por lo que ha trabajado toda su vida, y eso sí que no va a permitir que le arrebaten...

Si hay algo en lo que se destaca soberbiamente Secretos de Estado es en el tránsito que hace durante la película el ya inclasificable Ryan Gosling: comenzando con un joven lleno de vigor, idealista y carismático qu terminará su viaje enlodado, metafóricamente hablando, oscuro y corrompido. Las interacciones que más dan a reconocer estos estados son, primero, la charla en el restaurant con la interna Molly (la siempre hermosa Rachel Evan Wood), una escena donde el flirteo está a la orden del día y hasta resulta encantadoramente atrevida; y luego, los momentos de Gosling con Seymour Hoffman y Clooney, en donde la desesperación del personaje de Gosling se siente a través de esos ojos desvalidos y llenos de miedo y frustración.

Tal cual lo fuera Doubt hace unos años con Meryl Streep, Secretos de Estado es un film que sin grandes actuaciones no sería nada, ni sería tan atractiva para el ojo del espectador medio: tras que la trama política puede desalentar a más de uno y las vueltas maquiavélicas de la historia pueden quedar perdidas en el camino, es una película que no se destaca ni por la sobria dirección de Clooney ni la nada especial banda sonora. Es para tener en cuenta el guión, autoría del mismo Clooney, el mismo Willimon y Grant Heslov, y los grandes actores involucrados, como el retorcido jefe de campaña que personifica Paul Giamatti o la entrometida reportera compuesta por una Marisa Tomei más que particular: admito que es una de las actrices más odiadas por quien les escribe porque nunca le pude encontrar la vuelta a su actuación, pero acá me cerró la boca con una reportera que busca la primicia a toda costa moviendo sus influencias.

Secretos de Estado puede que no sea para todos, pero aquellos abonados a los thrillers políticos encontrarán uno particulrmente atrapante y con un puñado de excelentes actuaciones. Correcta sin más.

Calificación: B

Red State

2011-12-23T22:30:00.001-03:00

Año: 2011.
Género: Horror.
País: Estados Unidos.
Duración: 88 minutos.
Dirección: Kevin Smith.
Intérpretes: Michael Angarano, Kyle Gallner, John Goodman, Melissa Leo, Michael Parks, Kerry Bishé, Nicholas Braun.

"Tres amigos se encaminan una noche hacia el pueblo de Cooper's Dell para encontrarse con una mujer adulta, con la promesa de tener sexo con los tres a la vez. Una vez allí, descubren de la peor manera que han caído en una trampa pergreñada por un predicador enloquecido, Abin Cooper, con el que conocerán un nuevo significado de lo que es 'fundamentalismo extremo'.

Durante años, el nombre de Kevin Smith ha ido escuchandose cada vez más recientemente en los circuitos de cine independiente desde que apareciera en el panorama con la comedia Clerks en 1994. De aquel tiempo hasta ahora, no ha sido la única comedia que ha hecho, tanto de bajo presupuesto como comedias para estudios grandes. Durante años se barajó que Smith incorporase a su filmografía una película de horror, y es por eso que Red State existe... cuando no tendría que existir, ya que sencillamente es uno de las películas que no merecen pertenecer a la categoría Horror.

Lo que empieza cual secuela directa a video de la saga American Pie acaba derrapando hacia un panfleto religioso extremista/ una película de acción. Tres amigos de secundaria encuentran a una calenturienta mamacita vía Internet que quiere tener sexo con los tres al mismo tiempo. Pensando con la cabeza de abajo y no la de arriba, los tres jóvenes ni siquiera se percatan de que esta mujer vive en Cooper's Dell, lugar donde se encuentra la iglesia fundamentalista Five Points Trinity, que ha ganado reputación gracias a apersonarse toda su congregación en cualquier lugar en donde haya actividad homosexual (el último caso, el funeral de un joven gay) Una noche, el trío de amigos se embarca en su viaje. Shit happens.

Si algo le tengo que criticar a Red State, es su total falta de compromiso para con la idea de terror que pretende aludir. Está bien, tenemos este cuasi pseudoculto que no tolera la homosexualidad y masacra hombres gays sin piedad, bien. La película, en vez de jugar con el miedo y la tensión de la situación en la que los protagonistas se ven involucrados, apenas tiene un punto álgido (el discurso/monólogo del reverendo Cooper) para establecer dicha trama, pero después desbarranca con la entrada en escena de un comando policíaco que pretende atacar a los religiosos atrincherados y armados con un arsenal impresionante. Y eso, la trama es ESO básicamente. ¿Alguno le ve el horror a eso? Casi al final hay una escena que te pone los pelos de punta por lo que implica, pero por motivos de presupuesto Kevin Smith no siguió esa línea que podría haber dado más frutos en su aclamado vuelque hacia el horror. Es un disparate casi sin sentido.

El elenco no tiene la culpa de verse inmerso en la trama violenta del señor Smith, ya que los veteranos Michael Parks y la ganadora del Oscar Melissa Leo cumplen unos papeles fascinantes como el guía espiritual de esta iglesia ultraconservadora el uno y como una de sus tantas fieles seguidoras la otra. Aunque pomposos y llenos del alarde del director/guionista, los monólogos de Parks meten miedo frente al fervor religioso que ciega al pastor Cooper. El trío de chicos están bastante correctos, cuando no se la pasan gritando fuck esto y fuck aquello: si la manera de dimensionar a sus personajes es ponerlos a maldecir todo el tiempo, que alguien le diga a Smith que no funciona (algo similar le pasó a Rob Zombie en Halloween II y su malhablada Laurie Fuck Strode) Rescato también a John Goodman como el acomplejado jefe de la unidad dispuesta a acabar con la iglesia muy a su pesar, pero órdenes son órdenes.

Red State ya venía sin mucha pinta de película de horror con tan sólo ver el trailer... y fue mucho peor.Que los dioses antiguos no le permitan a Kevin Smith caer de nuevo por el género; quoteando una frase de Scream 4: 'Esto no es una comedia, es una película de horror'. Yo básicamente no le vi lo gracioso.

Calificación: D+

Hostel: Parte III (Hostel: Part III)

2011-12-17T13:20:00.003-03:00

Año: 2011.
Género: Horror.
País: Estados Unidos.
Duración: 88 minutos.
Dirección: Scott Spiegel.
Intérpretes: Brian Hallisay, Kip Pardue, John Hensley, Thomas Kretschmann, Sarah Habel, Chris Coy, Zulay Henao, Skyler Stone.

"Mientras asisten a una despedida de soltero en Las Vegas, cuatro amigos se ven atraídos por dos hermosas acompañantes para unirse a ellos en una fiesta privada fuera del centro de la ciudad. Una vez allí, su situación cambiará abruptamente al encontrarse sujetos de un perverso juego de torturas, donde los miembros del Club de Caza de Élite es anfitrión de la serie de eventos más sádicos de la ciudad."

Por defecto, las películas producidas directamente a video son pálidas copias de (a veces) no tan buenas películas para comenzar; la serie Hostel, ideada por la perturbada mente de Eli Roth, gozó de cierta popularidad durante 2005 - 2007 en el auge de la pornotortura. Cuatro años después, la saga arriba al DVD y el resultado, aunque carente del efectismo de las precursoras, tiene ciertos detalles fieles al descalabro made in Roth.

En la primera Hostel, conocimos a un par de amigos americanos vagando por tierras europeas en Eslovaquia; en la segunda, fue un trío de desafortunadas americanas en el mismo emplazamiento geográfico que los muchachos, en Hostel: Parte III, un elenco masculino vuelve a ser el centro de atención y (quizás por impredimentos con el presupuesto) dejamos de lado los tormentos europeos para visitar la sucursal americana, emplazada nada más y nada menos que en Las Vegas, la Ciudad del Pecado propiamente dicha.

En este pequeño grupo fiestero tenemos al prometido, al mejor amigo del futuro novio, el fiestero casado y cansado de estar casado y el pseudointeligente del grupo, que es un minusválido. En el camino se cruzan con dos acompañantes de lujo y juntos emprenderán el tortuoso camino que les depara la ciudad que nunca duerme, y está más que claro que los seis no llegarán hasta el final de la película.

El productor devenido en director Scott Spiegel, junto al guionista Michael Weiss tomaron las bases precedentes de la saga, la trajeron hasta territorio estadounidense y le dieron un par de giros a la trama básica para que la película no se sienta un calco más de la original y la secuela. Obviamente, tenemos al club macabro que organiza toda la matanza y sus clientes sedientos de sangre y de torturas originales, pero hay nuevas incorporaciones que le rinden un sangriento homenaje a la ciudad en la que se encuentran: cada asesinato tiene una platea preferencial, la cual puede apostar bajo qué elementos sucumbirá el desafortunado participante, así como también puede anticipar las súplicas del mismo.

El giro también pasa por saber cómo han sido atraídos hacia el Club de Caza, ya que no todo es tan obvio como parece, y de fondo hay una razón que desde hace rato viene siendo recurrente en el cine, razón que no voy a develar. Pero, por más que haya disfrutado de las nuevas incorporaciones a la trama, me di cuenta de que hay demasiados huecos en la trama como para dejarlos pasar, algunos tan obvios que me hacen pensar que a la película la filmaron a las corridas, como infantes emocionados. Tales licencias en la trama, sumadas al presupuesto no tan agraciado como en la anteriores entregas, hacen que la película falle en lugares donde no tendría que fallar: aunque algunas muertes son al menos interesantes y están bien planteadas, hay otras que simplemente son idiotas (la escenas de las cucharachas es calamitosa) o directamente dejan con ganas de más (la primera muerte: necesitabamos un acercamiento, por amor de Dios!)

Mejor ni hablar del elenco, bien bien básico si bien los protagonistas hacen lo que pueden (Hallisay, Pardue y Hensley) mientras que los demás, cartón corrugado; inclusive el villano de Thomas Kretschmann se siente descafeinado.

Las falencias también pasan por los efectos CGI mal acomodados, que directamente no aportan nada a la trama y son demasiado obvios; no todo necesita ser tan obvio o cutre cuando es directo a DVD. Hasta ahora, la productora Stage 6 (subsidiaria de Sony Pictures, se dedica a hacer secuelas en DVD de las lanzadas en cines) al menos este año hizo un correcto trabajo con la secuela Quarantine 2, y creo que de haberse tomado un pelín más en serio Hostel 3 trascendía la línea de la mediocridad que establecen las secuelas DVD aunque no cae en la más baja calaña.

Hostel: Parte III es bastaaante interesante; si uno sobrepasa las obvias limitaciones de esta secuela y tiene las expectativas bajas, la puede disfrutar realmente.

Calificación: B-

11-11-11

2011-12-04T19:30:00.001-03:00

Año: 2011
Género: Horror.
País: Estados Unidos - España.
Duración: 90 minutos.
Dirección: Darren Lynn Bousman.
Intérpretes: Timothy Gibbs, Michael Landes, Wendy Glenn, Denis Rafter, Lluís Soler.

"Después de la trágica muerte de su mujer y su hijo, el afamado autor norteamericano Joseph Crone viaja a Barcelona para reunirse con su hermano Samuel, un cura que se encuentra postrado en una silla de ruedas, y con su padre Richard, que se está muriendo. Sin embargo, el destino tiene un plan distinto para él. Joseph empieza a sufrir una serie de pesadillas y visiones relacionadas con la aparición constante del número 11:11, un fenómeno que se verá entrelazado con una serie de extraños sucesos que llevan sucediéndose en la iglesia lindante a su vivienda.

La inminente llegada de esa fecha y el presentimiento de que traerá desgracias mayores sobre los miembros de la familia de Joseph, creará una situación cargada de una insostenible tensión dramática en la que todo se desarrollará de un modo impredecible. Joseph pronto se dará cuenta de que 11/11/11 es más que una fecha… ¡Es una advertencia!"

Luego de demostrarse como un director a seguir dentro del género del horror con las dos brillantes secuelas Saw II (reseña) y Saw III (reseña) y la entretenida cuarta entrega en Saw IV (reseña), Darren Lynn Bousman supo que tenía que reinventarse y dejar de lado la porno-tortura y crecer como cineasta. El aún no estrenado thriller y remake Mother's Day da fé de ello, y la película que nos ocupa también, 11-11-11, un giro inesperado del director hacia el terror conspirativo y religioso más puro con más baches que otra cosa, eso sí.

En un prólogo más que escabroso, asistimos a una de las pesadillas comunes del autor de novelas Joseph Crone: la muerte de su mujer e hijo en un terrible incendio, cuya naturaleza se revela más adelante en la trama. Angustiado y navegando sin sentido por la vida, Joe asiste a una especie de ¿Viudos Anónimos? pero poco y nada recibe a cambio; su vida es una espiral de sufrimiento y dolor. Por esas casualidades del guión, su padre agoniza en España y debe acudir al llamado de su familia, en donde se reune con un hermano Samuel, religioso al igual que su padre. Joseph, ateo fervorosamente, no sabe que la religión jugará un papel importante en su estadía en Barcelona, mientras la temida fecha del 11 de Noviembre de 2011 se acerca.

En un plano similar al manejado en 2007 en El Número 23 con Jim Carrey, 11-11-11 se vale de la superstición númerica para crear una historia de misterio con muchos toques religiosos; sustos los hay a granel, algunos más obvios que otros pero el impacto es el mismo, ya que esas criaturas encapuchadas surgen en los momentos más incómodos e inesperados, tanto de noche como a plena luz del día, pero lo que falla realmente en la historia es esa necesidad de repetir una y mil veces la historia alrededor de los números y enlazarlo con el cariz religioso. Si hay que contar todas las veces que los personajes se reprochan el grado de creencias de uno y la falta de otro, la gracia de la trama se pierde totalmente. Sí, es obvio que el protagonista ateo y no creyente terminará creyendo al final pero, ¿era necesario hacerlo tan obvio?

El elenco, liderado por el relativamente desconocido Timothy Gibbs, cumple a duras penas queriendo sobreexistir por encima de los típicos clichés del género: el hermano del protagonista que es todo lo opuesto a nuestro héroe, la piba de turno que olvida que el marido murió hace poco y le tira los galgos al escritor, siguiendolo hasta España sólo porque 'lo vio muy obsesionado con los números'. De yapa, el padre moribundo que habla a través de vaticinios (y cuyo aspecto grisáceo mete miedo) y la vieja ayudante de la familia tienen momentos desafortunadamente graciosos que no encajan en el marco de la trama. Son alivios cómicos imprevistos.

Mi sorpresa principal radica en la dirección de Darren Lynn Bousman, que se alejó totalmente de todo el desperdicio de sangre de las Saws y brinda un film lleno de saltos y arranques musicales inducidos, una fotografía bien compuesta y, por supuesto, los toques de edición rápida que son su marca registrada ya. Bousman también escribió la película, y creo que el final que abordó estuvo lejos de aquellas revelaciones finales en los juegos de Jigsaw que tanto gustaron a la audiencia: al promediar las escenas finales (y con edición recapitulatoria de por medio) se nota que el director quiso hacer algo diferente y el final simplemente no encaja con el resto de la película, no tiene mucho sentido, crea agujeros en la trama difíciles de cerrar y, en general, no está al nivel de la trama en sí.

A simple vista, 11-11-11 es el peor producto de los que ha manufacturado Darren Lynn Bousman, lo cual no quiere decir que sea completamente malo, sino que está lejos de lo que, sabemos, es la capacidad de este joven director. Una pena, porque aunque Bousman está madurando con los años, a ésta película le faltó un toque de horno...

Calificación: C+

Drive

2011-11-26T23:20:00.001-03:00

Año: 2011
Género: Thriller.
País: Estados Unidos.
Duración: 100 minutos.
Dirección: Nicolas Winding Refn.
Intérpretes: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Bryan Kranston, Albert Brooks, Christina Hendricks, Oscar Isaac, Ron Pearlman.

"Driver es un conductor doble de riesgo por el día y un conductor para fugas por la noche. Pero no importa el trabajo que tenga que hacer porque Driver se siente siempre a gusto detrás del volante. Shannon es mentor de Driver a la vez que su jefe. Desde que se dio cuenta del talento de Driver al volante, le busca directores de cine y televisión para sus películas o criminales que necesiten al mejor conductor para sus fugas, llevándose una comisión en ambos casos. Pero el mundo de Driver cambia el día que se encuentra con Irene y su vida de un giro peligroso..."

Drive es una historia bien contada. Aunque su temática parezca en un principio trillada, lo que hace que la película se destaque son los matices que su director Nicolas Winding Refn le aporta desde diferentes ópticas para atraparte durante hora y media en una historia que, al final, uno no quiere que termine.

Comenzando con una tensa pero excelentemente orquestada primera escena, es ahí cuando conocemos las primeras (y tal vez únicas) pinceladas al personaje principal, Driver (nunca sabemos su nombre); es un hombre parco, de pocas pero significantes palabras: habla lo justo y necesario, y lo que no dice en palabras lo dice con miradas, profundas y potentes miradas. Sin quererlo comienza a enredarse en la vida de su vecina Irene, a compartir momentos con ella y su hijo Benicio; cuando el marido de irene, Standard salga de la cárcel y regrese a sus vidas, es ése momentos en que la espiral descontrolada de la película entra en efecto.

El guión de Hossein Amini no es grandilocuente, no tiene escenarios estrambóticos ni nada por el estilo, sino que se basa en la sencillez y en la economía de parlamentos que posee cada personaje. Tras que no hay grandes diálogos, la historia se mueve gracias a sus interesantes personajes, que pueblan la historia logrando hacer mella en el espectador. Ryan Gosling se calzó la horma de Driver a la perfección y entrega la interpretación más lograda de la película: a través de sus expresiones y sus acciones transmite mucha más emotividad y violencia que si las hubiera expresado en palabras. Si algo tenía que hacer para consolidarse en la industria, creo que en Drive lo ha logrado con creces.

En líneas generales, todo el elenco es brillante y sin desperdicio alguno: Carey Mulligan se pone en la piel de una mujer atribulada, Oscar Isaac es su esposo recién salido de la cárcel que tiene un mínimo pero fundamental papel, la hermosa Christina Hendricks aporta mucha sensualidad a la ecuación, Ron Pearlman cuelga el disfraz de Hellboy para interpretar a un matón elocuente, y después tenemos a dos grandes como lo son Bryan Cranston y Albert Brooks; Cranston sigue en la nubes con sus papeles excelentes, y Brooks se lleva las palmas como el villano de turno, un hombre al que nadie se le cruza en su camino. Lo mejor de todo es que es un villano no tan villano, hay algo en él que hace que el espectador genere empatía aunque sea un asesino. Sin lugar a dudas, una interpretacion para aplaudir.

Drive no sería lo que es sin su Nicolas Winding Refn. El muchacho sabe como armar un rompecabezas fílmico, sabe como elegir bien los elementos con los que va a jugar, sabe como mantener al espectador comiéndose las uñas. Acá hay un visionario, hay cine de autor, y la característica más márcada que transmite en su película es que, a pesar de no identiciar bien el porqué, uno termina amando la película; ya sea por su historia sencilla elevada por interpretaciones magistrales y escenas perfectamente filmadas. Hay amor por lo que se hace, y claremente Winding Refn ama las película de los años '80, debe admirar la serie Miami Vice porque desde los mismos créditos destila la esencia de aquella icónica serie policial.
Algo que no esperaba es que Drive sea tan brutal; me sorprendió sobremanera cuando los personajes empiezan a caer como moscas y todo es válido para asesinar: navajas, cuchillos, pistolas, escopetas, tenedores, incluso hasta los propios pies de uno. Sangre es lo que no le falta a la película.

El puñetazo final lo da la hipnótica banda de sonido, compuesta en su mayoría por mi idolatrado Cliff Martinez, que en poco tiempo ha hecho un trabajo estupendo y me ha conquistado de una manera obscena, podría decir. Los temas que él no compuso también acompañan perfectamente a la narrativa de Drive, la complementa inusitadamente. No puedo dejar de dejarles el link para descargar esta sublime banda sonora que ya entra a lo mejor de este año, musicalmente hablando.

Espero que este año la Academia no se olvide de Drive; con mucha suerte los encantará con ese je ne sais quoi que ha logrado encantar a cada uno de los que ven la película. Recomendadísima para aquellos que gusten del buen cine de autor y de una buena película con una trama e interpretaciones por encima de la media.

Calificación: A

Cuarentena 2: La Terminal (Quarantine 2: Terminal)

2011-11-25T23:20:00.002-03:00

Año: 2011

Género: Horror.

País: Estados Unidos.

Duración:86 minutos.

Dirección:John Pogue

Intérpretes: Mercedes Masöhn, Josh Cooke, Mattie Liptak, Noree Victoria, Ignacio Serricchio, Bre Blair.

Temprano esta misma noche, una extraña enfermedad fue liberada en un complejo de departamentos en Los Angeles... y nadie salió vivo. Aún así, algo ha escapado. Ahora, a bordo del Vuelo 318, los primeros síntomas de esta enfermedad han comenzado a aparecer y mientras la infección comienza a expandirse, los inocentes pasajeros se transforman repentinamente en asesinos sedientos de sangre. Forzados a aterrizar en una terminal aislada, y rodeados de agentes gubernamentales armados, la tripulación y los pasajeros entran en pánico, y la única pregunta que se suscita es cúan lejos están dispuestos a llegar para sobrevivir..."

En 2008, Sony estrenó en cines americanos Quarantine (leer reseña aquí), la versión americana del suceso español [REC] (leer reseña aquí) que generó una reovlución a nivel mundial pero que recién llegó a tierras americanas un año después de la remake; curiosamente, la película fue vapuleada por la crítica excepto en Estados Unidos, donde encontró su limitado público debido al hecho de que no tenían con qué compararla.
Tres años después, Cuarentena 2 arriba directo a DVD; uno esperaría que sea un fiasco absoluto, pero en resmidas cuentas, es una más que competente secuela que hace maravillas con el acotado presupuesto con el que cuentan estas propuestas.

Cuarentena 2 comienza, de alguna manera, arriba de un avión. En un pequeño tramo de la película se presentan a los personajes (víctimas) que pasearan por la película, hasta ahora, en su estado normal para luego convertirse en sádicos monstruos asesinos. Están las azafatas, los pilotos, el pasajero instransigente, el nenito de turno (parece el doble de Justien Bieber), el profesor correcto, la pareja de ancianos, etc. Todos los tópicos se encuentran representados, así que igualdad hay. En cierto momento está la clara alusión al incidente de la primera escena y, claro, luego las cosas se descontrolan.

Inesperadamente, el mismo virus que atacó los inquilinos del complejo de departamentos se ha colado en el avión, infectado a un pasajero y, una cosa lleva a la otra, y pronto todos los pasajeros del avión descienden, para encontrarse atrapados dentro de la terminal. Nadie les indica qué sucede ni qué pasará con ellos, pero lo cierto es que si intentan salir del complejo, mueren. Siguiendo los mismos patrones de la versión española y la americana, la tensión y el caos entre los supervivientes no tardará en suscitarse, habrá peleas, rencores y muerte cada cinco minutos, y el tiempo se acaba.

Siguiendo todos los parámetros utilizables previamente establecidos, poco a poco el grupo irá disminuyendo con cada ataque, hasta que al final queden los personajes más obvios; si bien la secuela [REC] 2 tomó un camino inesperado en cuanto a su historia, Cuarentena 2 se atiene a continuar su propia mitología presentada en la anterior entrega y sigue su propio camino, sin tomar en cuenta la secuela española, algo que es de buen ver. Por supuesto, al final todo queda picando para una hipotética tercera entrega.

El director y guionista John Pogue (guionista de Ghost Ship, The Skulls y U.S Marshals) realizó un sólido trabajo con el presupuesto que le otorgaron, utilizando muy bien la enorme terminal en la que transcurre la película; cierto es que el valor de producción afecta bastante a la trama, y muchos la tildarán como un producto barato, pero Pogue se encargó de filmar situaciones bien claustrofóbicas (el primer ataque en el avión descendiendo, por ejemplo) y una evolución orgánica en la trama. Por el lado técnico, los infectados no lucen tan aterradores como antes, pero sus esporádicas apariciones son rápidas, violentas y brutales. No hay cuartel cuando aparecen corriendo de la nada, dispuestos a atacar.

Por otro lado, el elenco hace un buen trabajo si nos atenemos a los protagonistas: mientras que los secundarios tienen un desarrollo bastante pobre y una interpretación acorde, en el caso de la azafata Jenny (Mercedes Masöhn) y el profesor Henry (Josh Cooke) realizan tarea más que satisfactoria como los héroes de turno. Un punto también por la aparición de un personaje argentino en la trama (Ed, el trabajador de la terminal) que hace directa referencia al argentino entre los españoles en [REC]

Aunque se sienta un escalón por debajo de su precursora, Cuarentena 2 tiene buenos momentos y una buena trama que continúa la historia, suficientes elementos como para poder disfrutar tranquilos de esta secuela, sin prejuicios.

Calificación: B-

Amanecer: Parte I (The Twilight Saga: Breaking Dawn - Part I)

2011-11-22T22:00:00.001-03:00

Año: 2011
Género: Drama romántico.
País: Estados Unidos.
Duración: 117 minutos.
Dirección: Bill Condon.
Intérpretes: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Kellan Lutz, Nikki Reed, Peter Facinelli, Elizabeth Reaser, Jackson Rathbone, Ashley Greene, Billy Burke, Mia Maestro, Maggie Grace.

"La dicha matrimonial de la nueva pareja formada entre Bella Swan y Edward Cullen se ve truncada cuando una serie de traiciones e infortunios amenazan con destruir su mundo. Luego de la boda, Bella y Edward se trasladan a Río de Janeiro para su luna de miel y finalmente concretan su amor. Bella se descubre rápidamente embarazada y este hecho pondrá en movimiento una cadena de eventos peligrosos que enfrenta a los Cullen y sus aliados contra los Volturi, el temible consejo de vampiros, preparando el escenario para una batalla sin cuartel."

No sé si muchos sabrán esto, porque me parece que ya lo he repetido varias veces durante el riguroso paso de leer los correspondientes libros de la saga literaria en conjunto con las películas correspondientes a la saga fílmica, pero en sus comienzos fui un ávido defensor tanto del primer libro como de la primera película de Twilight. Me pareció que el libro era de alguna manera diferente y muy bien apuntado a la nueva generación de lectores más interesados en tener un Ipod que otra cosa. La película captó la esencia del libro a la perfección, pero viendo el resultado de Amanecer, el (forzoso) penúltimo capítulo de la serie, me dan ganas de que realmente la serie no se hubiera convertido en serie nunca...

Si bien odio hacer las comparaciones una vez más, Harry Potter and the Deathly Hallows fue separada en dos partes para cubrir apropiadamente muchos temas trascendentales que no entraban en dos horas y media de metraje; en el caso de Amanecer, en sus más de 800 páginas hay muy pocos temas que aporten peso a la trama, y más que nada se encuentran en la segunda parte del libro, por lo cual eso hace que Parte I sea un fragmento de la trama totalmente estirado hasta el extremo con las extensas escenas de la boda y la posterior luna de miel. En casi dos horas de duración poco y nada sucede en términos de acción y suspenso, si exceptuamos la sorpresa del malévolo embarazo de Bella y esos quince minutos finales en donde la trama cobra fuerza y tensión, tal vez demasiado tarde para atraer al espectador ajeno a la serie de libros.

Por supuesto, los fanáticos estarán de parabienes ya que sus escenas favoritas están presentes en la pantalla grande; habiendo leído el libro me da pena volver a revivir las pésimas elecciones que hizo Stephenie Meyer para resolver alguno de los conflictos que se presentan en la película (el momento del macho Alfa es igual de paupérrimo que en el libro, un poquito mejor incluso me arreisgaría a decir) aunque por otro lado, la escena del parto, si bien no es tan brutal como en el libro, quedó muy bien plasmada en la pantalla y se puede considerar uno de los mejores momentos de toda la saga de películas.

Melissa Rosemberg, la autora de todos los guiones de la saga, hizo lo que pudo con lo que tenía a mano pero los diálogos siguen quedando extraños, edulcorados al extremo, noños; en cierto momento funcionan, como la escena en la que varios personajes dan un pequeño discurso sobre los recién casados. Incluso hay un mensaje interesante sobre el aborto, pero toda consciencia moral se pierde en el medio...

Siguiendo con la costumbre, el trío de protagonistas intenta sobrevivir al desafío de sus vidas intentando darles vida a Bella, Edward y Jacob: Kristen Stewart perdió toda la gracia boba que hacía de su Bella Swan en la Twilight original tan entretenida y no la salva su repertorio de caras similares durante la película, ajenas a cualquier cambio de expresión. Todo su trabajo es muy pobre, exceptuando la escena del parto, en donde le da rienda suelta a su animal interno. Robert Pattinson, más pálido que de costumbre (y sin brillar bajo el sol de Brasil, ¿qué sucedió ahí?) e igualmente hecho de madera, es sobrepasado actoralmente por Taylor Lautner que, aunque su actuación no es para alquilar balcones, suerte efecto dándole un poco de calidez a su personaje. Del resto, ¿hace falta decir que están por puro decorado a esta altura del partido?

Y si hay algo que realmente no entiendo es cómo el presupuesto para esta entrega alcanzó los $110 millones de dólares cuando la calidad es la misma que la de las anteriores secuelas: no vi cambios radicales en la animación (los lobos siguen luciendo igual, el estado demacrado de Bella, aunque bueno, fue mayormente a base de maquillaje) y no hubo explosivas adiciones al elenco. Me sorprende que del presupuesto de Eclipse ($68 millones) hayan aumentado $42 millones (tan sólo en lo que se refiere a la Parte I) ¿Será que los secundarios pidieron aumento de caché?

Me apena mucho que un director de renombre como Bill Condon haya aceptado hacer las dos entregas, porque no hay un toque distintivo, no hay una chipa directorial, sino que Amanecer no se diferencia con ninguna de las secuelas en casi nada. Es como si Condon hubiera apretado el modo automático y se dedicara a filmar y cobrar el suculento cheque. Nada más.

Otro detalle que me picó también fue que, al menos en las dos primeras películas, había claros momentos en los que la música se acoplaba perfectamente a cierta escena del film y daban lo que yo llamo 'EL momento de la película': en Twilight, era el partido de baseball y en New Moon, era el escape de Victoria. En Amanecer, no sólo no hay momento musical apropiado, sino que la banda de sonido apenas coordina con las escenas; al menos Carter Burwell regresa para componer la banda sonora, porque sino estaban más que perdidos ya...

Pensé que al dividir Amanecer quizás podrían subsanar el tedio generalizado del libro, pero no, han cimentado el nivel de aburrimiento en un nuevo nivel, un estándar bastante bajo para una serie que viene descendiendo en picada y terminará de estrellarse en Amanecer: Parte II. Los fanáticos de la historia de amor, estarán satisfechos; el resto, eviten a toda costa este tostón.

Calificación: C-

Terror en lo profundo (Shark Night 3D)

2011-11-22T00:00:00.001-03:00

También comocida como 'Tiburón 3D: La presa'

Año:2011
Género: Horror.
País: Estados Unidos.
Duración: 91 minutos.
Dirección: David R. Ellis.
Intérpretes: Sara Paxton, Dustin Milligan, Chris Carmack, Katharine McPhee, Joel David Moore, Chris Zylka, Alyssa Diaz, Sinqua Walls, Donal Logue, Joshua Leonard.

"Al llegar en bote a la cabaña familiar de su familia en una isla en Lousiana, Sara y sus amigos rápidamente se ponen sus trajes de baño para disfrutar de un fin de semana a pura diversión bajo el sol. Pero cuando el futbolista Malik sale del lago de agua salada con un brazo menos, el ánimo festivo se acaba enseguida. Asumiendo que la herida ha sido causada por un extraño accidente mientras hacía wakeboarding, el grupo se percata de que tienen que transladar a Malik al hospital al otro lado del lago, y rápido.

No todo es tan sencillo como parece, ya que al subirse todos a una pequeña lancha, los universitarios descubren que el lago está infestado con cientos de tiburones hambrientos. Mientras se enfrentan a una muerte violenta tras otra, Sara y los otros luchan desesperadamente por mantener alejados a los tiburones, a la vez que intentan conseguir ayuda y mantenerse vivos los suficiente para llegar a la seguridad de la tierra firme."

En un intento que podría ser catalogado como 'manotazo de ahogado', una nueva película de terror con escualos fue lanzada al mercado y es hoy que tenemos Shark Night 3D (ni siquiera se molestaron en sacarle el 3D al título de la versión 2D) una versión totalmente neutralizada de la diversión acuática que nos proveyó Piranha en 2010, ya que la calificación PG-13 arruinó cualquier chance de que la película sobreviviera en el box office. Tiene sus momentos, pero no bastan para satisfacer la demanda que crea.

Como todas las películas del género, de primera mano conocemos al grupo de (des)afortunados que viajarán a la pequeña isla de la ricachona de turno, una isla rodeada por un lago de agua salada. El atleta negro que depende de una beca para seguir estudiando, el friki que juega a los videojuegos, la novia del atleta, la casi zorra del grupo, la heroína bonita, el estudioso (bah, nos hacen pasar por estudioso al ponernos a un pibe lindo con gafas) y el modelito masculino sin cerebro, todos son de la partida que próximamente será carnada de los tiburones con hambre de carne joven.

El guión de los novatos Will Hayes y Jesse Studenberg encuentra un par de vueltas para mantener a este grupo dentro del agua, tiene buenas excusas, y hasta el motivo de porqué hay tiburones en el lago es bastante competente para satisface al que no espere nada de la película; si ven el trailer la trama devela el porqué de los tiburones, pero la razón es bastante prometedora, en realidad. Lo que lastima terriblemente a la película es la promesa de ver sangre y muertes a manos de los bichejos del mar, y el resultado no podía ser más desalentador: cada vez que le toca morir a alguno de los jóvenes, sólo vemos como éstos son revoleados de aquí para allá sobre y bajo el agua y cómo la sangre se va distinguiendo en los alrededores, pero nada más.

Por el apartado técnico, todas las variedades de tiburones que aparecen estan creados íntegramente por computadora, a excepción de uno que claramente no lo es. Que estén diseñados gracias al CGI no los hacen menos escalofriantes, pero hay algo que simplemente no cierra. Si las muertes hubieran sido más sangrientas, hubieran estado pasables, como el momento de la moto de agua o el de los pequeños tiburones atacando en manada.

El elenco tampoco de de maravillas que digamos: si exceptuamos a la siempre hermosa y solvente Sara Paxton, el pibón de Katharine McPhee y el nerd de Joel David Moore, poco nos queda después con los pobres estereotipos del deportista, su novia y el tonto-lindo de turno. Incluso los villanos dan risa, y están pobremente delineados: Chris Carmack, por más buen cuerpo que tengas, no funcionás. Y me da tristeza que Joshua Leonard, que tan bien estuvo en El proyecto Blair Witch, haga aguas miserablemente acá.

A mi gusto, a David R. Ellis, que me sorprendió con la igualmente patética y divertida Snakes on a Plane, le hubiera servido darle ese toque de mal gusto, humor negro y despreocupación a Shark Night. La película es muy plana, muy básica, y prácticamente no se siente el espíritu clase B del director.

Shark Night hubiera podido funcionar un poco mejor en taquilla de lo que hizo con una calificación R que con una PG-13, que anuló cualquier chance que tenía la película de resultar al menos pasable para los sabuesos del horror. Esperemos que Piranha 3DD devuelva el sangriento honor a las aguas el año que viene.

Calificación: C

Cujo

2011-11-16T20:15:00.001-03:00

"Durante toda su vida Cujo fue un buen perro, un San Bernardo grandote, pacífico, juguetón y amante de los niños. Realmente se trataba de un perro bueno y feliz. Feliz hasta que le sucedió algo, y el cerebro de perro de Cujo se cubrió de una de esas oscuridades que se alimentan de sangre. Ahora, se ha convertido en un perro asesino; doblemente cruel por cuanto la gente no conoce su mutación y aún le ve en su anterior bondad. Heraldo de un pequeño Apocalipsis, Cujo desencadenará sobre un pueblo modélico un huracán de pánico y de muerte."

Cujo: antigua palabra india que significa 'fuerza imparable'. Ya con ese prontuario uno sabe pordónde va a transitar el libro del tío Stephen. Escrito durante sus años de gloria, donde también la fama le costó un alto precio, ya que el mismo King asegura que poco y nada se acuerda de haber escrito este libro debido a la pesada influencia del alcohol en su vida durante esos momentos. Pero, si tenemos en cuenta la calidad del libro y las condiciones bajo las que fue escrito, hay que hacerle un monumento porque es un trabajo bastante sólido con los muchos toques macabros con los que el autor se ha hecho su fama.

El hecho principal que actúa como disparador de la novela es sencillo y a la vez, francamente fascinante: persiguiendo un conejo, el San Bernardo Cujo mete la cabeza en una pequeña cueva, donde un par de murciélagos lo muerden y lo contagian de rabia. Tan simple como eso y ya tenemos la receta para el horror casi lista. Por otro lado, los protagonistas en el centro del huracán son la familia Trenton: el papá, Vic, dueño de una firma de propagandas que está por irse al garete con un problemita que tuvieron los cereales que ellos patrocinaron; la mamá Donna que, aburrida de su vida de ama de casa comienza un affair algo turbio con el semental del pueblo, y el pequeño Tad, que le teme a una criatura escondida en su ropero. Claro, hay más personajes en el ruedo (la familia Camber, dueña de Cujo son los secundarios más relevantes) y cada uno se mueve cual ficha de ajedrez para que la situación asfixiante sea propicia: Donna y Tad, encerrados en su auto, a merced de los ataques incontrolables de un rabioso Cujo.

Hasta llegar a ese momento crucial en el libro, King se encarga de construir una historia para los personaje principales: si bien la novela por momentos sigue la odisea de Vic Trenton de mantener su firma intacta con el problema de los cereales, el mayor peso dramático recae en Donna, la esposa infiel, quien piensa que el ataque del perro y todo lo que les sucede es un castigo divino por haber traicionado a su esposo. No sólo es eso, sino que la explicación de la infidelidad no la justifica, sino que la hace más humana, frente a su marido y al lector; por otro lado, Charity Camber tiene una historia secundaria enfrentando al retrógrado de su marido, un neandarthal social que pretende arrastrar a su hijo Brett hacia una vida vacua y sinsentido. Yo no sé qué habrá estado tomando King mientras escribía, pero ha debido de ser alcohol del bueno, porque los personajes son fascinantes y están bien construídos.

Una vez llegados a la trampa del auto, King se desata de nuevo provocando una vorágine de horror y confinamiento muy bien narrados, tanto desde el punto de vista de Donna y su hijo encerrados en el auto, como tomando el punto de vista de Cujo, quien necesita atacar a esas personas dentro del auto, a las que cree, fueron causantes de su situación actual. No puedo dejar de expresar la genialidad con la cual narra la historia desde el punto de vista del perro, llamando a los personajes HOMBRE, MUJER y NIÑO con mayúsculas. Aplaudo este recurso narrativo. No hay muchas muertes en el libro, la mayoría son esperables pero la última, con eso King se despide brutalmente con un toque de ironía y mala leche que no pensé que iba a suceder. Es triste, pero encaja dentro del horror que pretende demostrar el libro.

Dos años después de la salida del libro se realizó una adaptación fílmica del libro con Dee Wallace como Donna Trenton; la película me pareció francamente fascinante ya que adapta muy fielmente la historia del libro, con algunos cambios menores para darle un poco más de acción y suspenso a la cosa, y también un cambio radical en el final, cortesía del propio King (quien ayudó en la escritura del guión de la película), que luego de muchos años decidió ser un poco más benévolo con el final. Ambos, el libro y la película, fueron vastamente infravalorados, ya que presentan grandes trabajos de la mente del Maestro del Terror.

Calificación: Buena

El carro de la muerte

2011-11-03T14:00:00.000-03:00

"Los británicos se han rendido y en Buenos Aires impera la confusión. Mientras el pueblo se organiza para resistir una nueva invasion y los poderosos se disputan el mando del virreinato, el doctor Samuel Redhead deberá investigar las muertes de varios esclavos que a nadie más parecen conmover. Simultáneamente, el pasado que creía enterrado irrumpirá en su vida con graves consecuencias y lo expondrá ante sus enemigos.

En medio de falsas acusaciones y sin tener en claro quién es quién, el médico buscará hacer justicia y poner de manifiesto la inhumanidad de un sistema que está llegando a su fin."

Lento pero seguro, el personaje de Samuel Redhead se ha ido colando en la literatura argentina. Escalando poco a poco en el imaginario narrativo de la Argentina, Redhead, el médico devenido en detective creado por Mercedes Giuffré ha llegado nada menos que a su tercera aventura en los pagos virreinales con las Invasiones Inglesas de fondo, y le dio una vuelta de tuerca al siempre presente género policial.

Dejándonos con la miel en la boca en la anterior entrega, El peso de la verdad, El carro de la muerte comienza donde la anterior entrega terminó (en este punto, no es imprescindible haber leído las anteriores entregas pero sí es muy recomendable para ya tener la radiografía preparada de los varios personajes que pueblan esta historia) con los ingleses recapitulando y mezclándose entre los coloniales no sin generar un revuelo de aquellos. Entre medio de todos los soldados se encuentra Willie Cameron, el medio hermano de Samuel quien es un objetivo demasiado fácil en los tiempos turbulentos que corren, ya que no son nada bien recibidos los extranjeros con ansias de conquistar y cada dos por tres hay ataques contra ellos. Y por si fuera poco, alguien está matando esclavos y arrojando sus cuerpos en lugares públicos, hecho que prenderá la mecha detectivesca de Samuel una vez más.

Nuevamente nos vemos inmersos en la búsqueda de la verdad de Redhead, en un ambiente hostil en el cual sus enemigos acérrimos andan libres e interponiéndose en su investigación, los cuidados para con su medio hermano Willie no son los suficientes, los ánimos están caldeados y todo podría explotar en cualquier momento. Las pistas aparecen aquí y allá, los enemigos pueden ser los mejores amigos, nada es lo que parece. La más grande virtud de Mercedes Giuffré es no dejarnos nada en claro hasta el último minuto. Todas las pistas se van recolectando en la lectura a la par de lo que Samuel va descubriendo, y es en el final cuando todo se despeja magistralmente gracias a la mente aguda de nuestro detective favorito. A muchos puede llegar a molestarles el hecho de no adivinar a ciencia cierta quién está detrás de los asesinatos, pero se agradece que no todo sea tan obvio y se resuelva simplemente a mitad del libro y que la segunda mitad aburra. Acá la resolución llega de manera sorpresiva, en un giro que no se espera.

Por otro lado, varios cabos sueltos diseminados desde las anteriores entregas encuentran una respuesta en la tercera entrega: finalmente podemos saber más de los misterios de Redhead y sus impresionante capacidad de deducción en Londres, en un momento que parece una precuela pero que tiene su impacto al final, cuando el pasado del protagonista vuelva más vivo que nunca: sencillamente, la sorpresa de la revelación de los asesinatos y luego, la sorpresa de un personaje del pasado de Redhead elevaron el nivel de la novela a la estratósfera. El personaje de Clara Ocampo regresa por más en El carro de la muerte, esta vez para cerrar su historia de encuentros y desencuentros con Samuel. Si antes me decepcionó la falta de romanticismo corpóreo en la última novela de Florencia Bonelli, no pude dejar de asombrarme con el hecho de que en un par de pinceladas, Mercedes haya puesto la frutilla en la historia de Samuel y Clara de una manera tan racional y llena de amor. ¡Finalmente!

Como no podía ser de otra manera, quedan varias líneas perceptibles de para dónde va a disparar la acción en una cuarta e hipotética aventura: hubo vislumbramiento de amor entre Willie y una de las hijas de Elisa Alvarado, qué pasará ahora en Buenos Aires con el tema de la revolución, qué les espera a Redhead y Clara en el futuro. Muchos interrogantes que de seguro resurgirán con fuerza en el futuro.

Redondeando, la trilogía (al momento) de Samuel Redhead es revitalizante en el género policial argentino y, además de ser buenos estandartes de literatura argentina, también pueden disparar la chispa invetigativa de varios para saber más de la historia del país. ¡Mercedes, lo has hecho de nuevo!

Calificación: Muy Buena

Contagio (Contagion)

2011-11-01T22:00:00.003-03:00

Año: 2011.

Género: Thriller

País: Estados Unidos.

Duración: 106 minutos.

Dirección: Steven Soderbergh

Intérpretes: Marion Cotilliard, Matt Damon, Laurence Fishburne, Jude Law, Gwyneth Paltrow, Kate Winslet, Jennifer Ehle, Bryan Cranston, John Hawkes, Elliot Gould, Sanaa Lathan.

"Cuando Beth Emhoff regresa a Minneapolis de un viaje de negocios en Hong Kong, lo que pensó que era solo jet-lag se transforma en algo fatal. Dos días después, muere en la sala de urgencias y los doctores le dicen a su impactado y desconsolado esposo que no tienen idea de la causa. Pronto, otros sufren los mismos síntomas misteriosos: tos seca y fiebre, seguidas de ataques y hemorragia cerebrales… y finalmente la muerte. En Minneapolis, Chicago, Londres, París, Tokio y Hong Kong, los números se multiplican con rapidez: un caso se convierte en cuatro, luego dieciséis, luego cientos, miles, a medida que el contagio pasa todas las fronteras, impulsado por las innumerables interacciones humanas que componen el curso de un día cualquiera. Una pandemia mundial estalla.

En los Centros de Control y Prevención de Enfermedades norteamericanos, los investigadores se movilizan para descifrar la clave de un virus biológico único que continúa mutando. A medida que va creciendo el número de víctimas y la gente lucha por protegerse a sí misma y a sus seres queridos en una sociedad en descomposición, un bloguero y activista declara que al público no se le está diciendo la verdad sobre lo que realmente está pasando, y desencadena una epidemia de paranoia y miedo tan infecciosa como el mismo virus."

Steven Soderbergh es una máquina imparable; incluso después de los anuncios de que dejaría la dirección luego de filmar sus últimas tres películas ( a sabiendas de que Hollywood perderá una de sus voces más reconocidas) Steven continúa entregando pequeñas joyas cinematográficas. Contagio no cae lejos del saco y en una hiperrealista visión cotidiana narra el origen y ¿el final? de un brote vírico mundial con un elenco de actores y actrices de primer nivel. ¿El resultado? Un gran thriller que dejará a más de uno paranoico.

Inspirándose coincidentemente en los minutos iniciales de Scream, Contagio no tiene miedo a matar de un plumazo a una de sus actrices de caché y Gwyneth Paltrow se convierte en la primera víctima de esta gripe destructiva que acaba con la vida de un ser humano en cuestión de horas. No pensemos en zombies ni rabiosos: tan sólo un par de violentas convulsiones y el amargo sopor de la muerte. Esta muerte (escasos pero geniales momentos de Gwyneth) desencadena la trama de toda la película, con varios agentes de los centros de control de enfermedades de todo el mundo intentando controlar la diseminación del MEV-1, buscar una cura y mientras tanto, lidiar con todas las repercusiones que este evento inesperado trae consigo.

Esta gran historia coral entrecruza al enorme y talentoso elenco en una carrera por frenar al MEV-1, mostrando diferentes aspectos de la misma situación: mientras los personajes de Laurence Fishburne, Kate Winslet y Marion Cotilliard intentan individualizar el origen del virus (transmitido vía el tacto sobre las superficies), Jennifer Ehle y Elliot Gould intentan encontrar una vacuna, y Matt Damon, John Hawkes y Sanaa Lathan observan como meros mortales los resultados del desastre en la población. El otro cabo resulta el periodista blogger de Jude Law, que actúa como informador conspiracionista de turno, que aduce que el gobierno esconde más cosas de las que anuncia.

De más está decir que ningún actor está desperdiciado: todos cumplen con sus papeles al unísono, y al ser una historia con muchos puntos de vista cada uno tiene su momento para brillar. Matt Damon como el abnegado padre de familia que ve a su familia desmoronada por la muerte, Laurence Fishburne como un atribulado doctor a cargo de la contención de la plaga, Kate Winslet como una de la trabajadoras de campo que intenta frenar el contagio, Marion Cotilliard como una epidemióloga con el proósito de averiguar el origen del MEV-1, Jennifer Ehle (me dejó impresionado totalmente) como la doctora encargada de investigar el virus e intentar encontrar una cura, todos tienen su momento de lucimiento y, aunque no todos tienen el mismo tiempo en pantalla, lo comparten equilibradamente y no por eso no aportan lo mejor a sus papeles.

Casi como si de un documental se tratase, el guión de Scott Z. Burns está maravilloso y bien conciso; hay mucha jerga científica como para tirar al techo, y lo mejor de todo es que es completamente entendible. No hay un detalle que se haya dejado al azar, todo es realista, los personajes bien construídos (aunque con algunas licencias morales) se ensamblan correctamente y la linealidad de la historia es bien creíble. Aunque hayan quedado algún que otro hueco con posibilidades para explorar, o bien dudas que quedaron abiertas para una buena charla de café al salir del cine, el guión y la historia tienen bastante alegorías políticas, sociales y morales para plantarse fuerte frente a otras películas del mismo estilo. La escena final, sin ir más lejos, apartándose de un final que apuntaba a lo azucarado, es bastante irónica por sus implicancias.

Contando con un acotado presupuesto para realizar la película en contraste con grandes producciones de Hollywood (y contando el sueldo a todos estos excelentes y costosos actores), Soderbergh tiene el pulso suficiente para filmar terribles escenas emotivas como para contrastar, paseando suavemente por sobre el caos generalizado una vez que la verdad y el miedo se esparzan más rápido que el virus. Tampoco se queda atrás al filmar una la autopsia al personaje de Gwyneth Paltrow: si se quedaron mudos con la autopsia a Jigsaw en Saw IV, también encontrarán un panorama similar y anecdótico aquí. Si me quedo con una escena, bien podría ser la apertura del film y la escena final, ambas potentes por sí mismas. Películas apocalípticas como éstas cuestan millonadas, pero Contagio utiliza sus recursos muy bien dispuestos y las imágenes de calles de Japón vacías se intercalan con aereopuertos vacíos, o con las calles en caos por las que transitan Matt Damon y Jude Law.

Otro detalle que redondea con creces a la película es la banda sonora de Cliff Martinez. Martinez es un asiduo colaborador de Soderbergh, y siendo ésta la primera vez que lo escucho en acción, me sorprendió completamente con una banda de ambiente fría, pulsante, con propiedad y cuerpo, que complemente perfectamente a las imágenes del director. Hay simbiosis, eso se nota y mucho.

Contagio es muy realista, muy detallada, con grandes actuaciones, una frialdad que sorprende y no dejará a ninguno insatisfecho; a la salida, más de uno se fijará dónde pone la mano, que acaba de tocar y a quién acaba de saludar. La paranoia, a flor de piel.

Calificación: B+

Super 8

2011-10-26T22:50:00.000-03:00

Año: 2011
Género: Fantasía.
País: Estados Unidos.
Duración: 110 minutos.
Dirección: J.J. Abrams
Intérpretes: Joel Courtney, Elle Fanning, Riley Griffiths, Ryan Lee, Kyle Chandler, Ron Eldard, Jessica Tuck, Gabriel Basso, Zach Mills.

"En 1979, la fuerza aérea de los Estados Unidos clausuró una sección del Area 51. Todos los materiales debían ser enviados a un lugar seguro, por tren. En medio de la noche, el tren de carga que transportaba el preciado material es protagonista de un espectacular accidente antes de llegar a destino. El paradero de la carga, como su destino, permanece siendo un misterio. Inspirada en las películas que Abrams amaba y admiraba de adolescente, Super 8 cuenta la historia de un grupo de amigos y la aventura en la que se embarcan luego de ser testigos del dramático choque."

J.J. Abrams es uno de los mejores directores que hay actualmente. ¿Hace falta decirlo? El tipo sigue coleccionando películas y series impresionante que llevan un montón de culto por detrás: Lost, Alias, Mission: Impossible III (su opera prima, señores), Star Trek... ¿Lo mejor de todo? Sataisface a su audiencia, porque hace sus películas desde el más profundo de los respetos, como probándose a sí mismo que puede. Super 8 no cae lejos de ese árbol de grandeza que es, y muchos la catalogan como una carta de amor hacia las películas ochentosas y al mejor cine de aventuras de Steven Spielberg; nada más lejos de la realidad, desde que vemos en los primeros segundos de la película el logo icónico de Amblin.

En la tradición de películas como The Goonies, E.T, The Sandlot y Stand By Me, la historia gira en torno a un grupo de chicos que, en el medio de la filmación de una película casera de zombies (atentos al guiño del grande de George A. Romero) se ven irremediablemente inmersos en medio de una conspiración gubernamental, alienígena de por medio.

Lo grandioso de Super 8 es que toca cada fibra nostálgica de muchos que se iniciaron en el cine de aventuras con Spielberg. Desde el vamos, el grupito de chicos está soberbio porque tienen una química especial que sólo los grandes amigos tienen entre sí; el diálogo rápido y burlón contrasta a cada tipo que representan: el protagonista un tanto sensible, el amigo gordinflón, el piromaníaco, el que le tiene miedo a todo, al mujercita del grupo. Hace rato que no se veía un grupo de amigotes tan orgánico como éste, y se nota que generan empatía porque uno imnediatamente se siente identificado.

Una vez creado el ambiente entre el grupo selecto de jovencillos que vamos a seguir hasta el final, en medio de una filmación ocurre la hecatombe: un impresionante descarrilamiento intencional de un tren dispara la acción de inmediato, en una escena destructivamente sublime que marca el michaelbayísmo de Abrams. De ahí en más, llegan los militares y la curiosidad juvenil puede más (como si no fuera de otra manera, ¿no?) Si bien la película tiene momentos en los que se estanca la narración, las escenas de suspenso y las escasos pero intensos momentos de acción sobrepasan esos tiempos muertos; las misteriosas apariciones del lagarto alienígena (que se esconde casi hasta el final, como buen producto de Abrams) tienen el poder de ponerle a uno los pelos de punta (hablo del ataque a la gasolinera, por ejemplo) y tienen el pulso característico de J.J.

Lo cierto es que no todo es acción en la película: el director/guionista también se tomó su tiempo para construir las relaciones familiares y los lazos de amistad entre todos. Si hay algo que realmente me hizo transportarme a las verdaderas épocas de los clásicos de aventuras de mi niñez, fue el hecho de que uno ha perdido a la madre hace poco, la chica del grupo no tiene madre y es un tanto rebeldona para con su padre alcohólico, el gordinflón cuya familia es un desbande pero de los buenos (esas clásicas familias de 6 hijos cuyas cenas son pantagruélicas) Puede que casi al final intenten tocar una veta nostálgica y emocional, lo cual está perfecto, pero no tiene el nivel de contundencia de otras películas (léase E.T) ¿me explico? No se te escapa un lagrimón ni nada, es una linda sensación y ya.

Dos pulgares arriba también se lleva la producción alrededor del film. Si la película parece un blockbuster en todo sentido, se quedan de piedra cuando sepan que tan sólo costó $50 millones en hacerse (en extrapolación con, por ejemplo, una Transformers que salen $200 millones o más) La ambientación de finales de los '70 está hasta el más mínimo detalle, con la ropa, los autos, las casas, las costumbres, todo. El soundtrack da buena fé de ello, porque podemos escuchar a los chicos tararear My Sharona o al que atiende el minisuper escuchando Heart of Glass en un walkman, ¡un walkman! Además está el hecho de que el fiel colaborador de Abrams, Michael Giacchino, hizo un encomiable trabajo con la banda sonora. El tipo sabe lo que hace, y no por eso le pesa encima el Oscar que ganó con el score de Up.

Sí no me convenció mucho el diseño de la criatura; fue como ver al monstruo de Cloverfield otra vez, o un primo lejano de él. Igualmente, cumple su función y se deja ver.

Uno termina de ver Super 8 y se pregunta ¿en que año estamos? ¿Ya es la hora de la merienda? porque realmente hace que los años vuelvan hacia atrás y parece que fueramos pequeños, que acabamos de ve run estreno en Cine Shampoo. Es de esas películas que te dan ganas de terminar de verla y salir a filmar a tu grupo de amigos con uma camarita, o de hacer una pelúcula zombie con presupuesto cero y valores de producción. Es un golpe de nostalgia que muchos necesitábamos, y un cine de calidad y divertimento que no se ve hace rato. Steven Spielberg, contento.

Calificación: A-

Actividad Paranormal 3 (Paranormal Activity 3)

2011-10-22T06:00:00.002-03:00

Año: 2011
Género: Terror.
País: Estados Unidos.
Duración: 85 minutos.
Dirección: Henry Joost y Ariel Schulman.
Intérpretes: Lauren Bittner, Christopher Nicholas Smith, Chloe Csengery, Jessica Tyler Brown, Dustin Ingram.

"En 1988, las pequeñas hermanas Katie y Kristi se hacen amigas de una entidad invisible que vive en su hogar y, aunque no lo sepan todavía, han desatado la peor de sus pesadillas."

Poco a poco, la saga Paranormal Activity ha sabido cimentarse en la mente colectiva de los espectadores particularmente porque nos muestra una amenaza a la que no le podemos huir fácilmente: no hay un asesino serial esperando con un arma punzante detrás de una puerta, sino que es algo peor, algo que no es tangible, algo que no se puede tocar ni ver, pero que está ahí, acechando. Por supuesto, y parafraseando a un dicho en la película, la saga se sigue alimentando del miedo del espectador, y Actividad Paranormal 3 decidió jugar a lo grande, convirtiéndose en una secuela a la par (o mejor, según quien lo vea) de la original. ¿Vemos por qué?

Para aquel que todavía viva en la nube o no sepa de que se trata la película, Actividad Paranormal 3 es, a pesar de lo que diga su número junto al título, una precuela a las historias paralelas de las hermanas Katie y Kristi. Teniendo lugar en 1988, cuando las protagonistas eran pequeñas, la película narra la infancia de las chicas y el origen de la maldición a la que están sometidas ya de grandes junto a sus respectivas parejas/familias. como prólogo para introducir esta historia, hay una caja llena de videos en VHS que desaparece de la casa de una de las hermanas y (vaya a saber uno dónde están) y por arte de magia se reproducen y vemos lo que vemos en la película. Si recuerdan, el metraje encontrado de las anteriores entregas estaba bajo custodia policial, cosa que no ocurre con las cintas de esta película, así que ya desde el vamos habrá que dejar colgado el realismo en la puerta antes de entrar al cine.

Katie y Kristi viven con su madre y el novio de ésta en una casa aún más espaciosa que la de las chicas ya crecidas, tremenda casa para cuatro personas cuya remuneración salarial los dejaría con una casa austera (misterios de la vida) El novio, Dennis, es camarógrafo de bodas, así que cuando la pequeña Kristi comience a hablar con un amigo imaginario, las cámaras estarán dispuestas alrededor de la casa y en menos de lo que canta un gallo el ambiente comienza a enrarecerse.

Si hay algo que no hay en la película, es cuartel. Si en previas entregas había que esperar de a poco para ir viendo la potencia del demonio en acción, éste no es el caso ya que lo que parece al principio un leve juego infantil se torna en un parpadeo en una terrorífica experiencia inolvidable. Actividad Paranormal se guardó los sustos hasta casi el final, Actividad Paranormal 2 hizo una mezcla que no convenció mucho, pero Actividad Paranormal 3 tiene un momento tras otro, tras otro, tras otro, es una verdadera catarata de sustos que te deja con un nudo en la garganta. El final, los últimos 15 minutos son terriblemente potentes en el sentido de que finalmente la mitología detrás de tanto demonio y actividad paranormal se explica a grandes rasgos para no darle toda la información al espectador; es una cuestión de atar los propios cabos hasta que la próxima entrega difumine lo que realmente sucede en esta familia.

Creo que lo que más hizo funcionar a esta entrega fue el guión pulido de Christopher Landon (que ya había trabajado en la anterior entrega) ampliando la turbísima historia familiar, el sobrio elenco y los directores. Landon hizo mucho más interesante esta vez las situaciones tensas, los sustos son más elaborados y el tema de la cámara montada en el vnetilador para que gire, si es de su autoría, es un detalle magnífico. Por parte del elenco, los adultos se encuentran muy a gusto y tienen un desenvolvimiento muy orgánico como pareja (fuman juntos marihuana, intentan hacer un video sexual juntos, bromean, lo típico en una pareja joven) y, en contraposición, las dos actrices elegidas para hacer los papeles de Katie y Kristi estuvieron a la altura de la situación; es muy fácil errarle con críos en una película, pero cuando funcionan, funcionan (preguntenle a pelis como La Profecía o Poltergeist)
Por otro lado, los directores Henry Joost y Ariel Schulman, la pareja detrás de la interesante Catfish (reseña) entraron como trombas en el juego paranormal y la jugaron tan bien que igualaron y superaron en algunas cuestiones a Oren Peli, el alma mater y creador de esta saga. Éste es el empujón que necesitaban para levantar vuelo en Hollywood (¿es mucho pedir que vuelvan para Actividad Paranormal 4)

Finalmente, el trono que dejó vacante Saw el año pasado puede tener dignamente un nuevo nombre tallado: Actividad Paranormal 3 es una enorme mejora por sobre la pobre segunda entrega, casi llegándole a la cabeza a la primera parte. Las noches sin dormir esta vez durarán semanas.

Calificación: A-

The Caller

2011-09-26T06:00:00.008-03:00

Año: 2011
Género: Suspenso.
País: Reino Unido - Puerto Rico.
Duración: 92 minutos.
Dirección: Matthew Parkhill.
Intérpretes: Rachelle Lefevre, Stephen Moyer, Lorna Raver, Ed Quinn, Luis Guzmán.

"Cuando la recientemente divorciada Mary Kee establece su residencia en su nuevo apartamento, se topa con un viejo teléfono del que rápidamente se enamora. Impresionada por su encanto antiguo, le da un lugar de honor en su casa. En poco tiempo, Mary comienza a recibir extrañas llamadas de una misteriosa y desconocida anciana. Con el tiempo, ella descubre que la persona que llama es una mujer llamada Rose y ambas forjan una insólita amistad. Sin embargo, cuando Rose anuncia que se llama desde el pasado, Mary empieza a cuestionar los motivos de su nuevo amiga.

Con cada llamada, una más perturbadora que la anterior, el sentido de pánico de Mary se intensifica. Sintiéndose perseguida en su propia casa, Mary corta todo contacto con Rose. Enfurecida por la traición de Mary, Rose amenaza con una venganza terrible."

Historias de fantasmas, nos las conocemos de memoria. En ese terreno, hay muy poca innovación y los japoneses dejaron el terreno bastante infértil con su infinidad de Ju-Ons y con la llegada a territorio americano de The Ring y The Grudge. The Caller vendría a ser un intermedio entre tanto fantasmita japonés; aunque su historia tiene varios dejos a algunas historias orientales, es lo suficientemente atractiva en su mezcla con algún capítulo de The Twilight Zone para llevar a cabo su cometido de contar una buena y simple historia.

En The Caller veremos a la joven Mary Kee, quien está atravesando un divorcio dificultoso y se muda a un complejo de departamentos algo viejo en Puerto Rico (un espacio bastante inusual y exótico para este tipo de historias) Con el departamento amueblado viene un teléfono de esos viejos, que una vez que empiece a sonar no parará hasta el final.
Lo que presenciamos como meros espectadores es un intercambio bizarro entre dos grandes actrices: por un lado, una Rachelle Lefevre que hizo muy bien en no volver a la saga Twilight y se encuentra a sus anchas cargándose todo el peso de la película componiendo a una Mary frágil y debilitada por los años de abusos a los que se vio sometida por su pérfido esposo Steven; Rachelle está presente el %95 de la película y realmente se calzó la mochila al hombro y lleva la historia ella sola perfectamente; por el otro lado, la voz en el teléfono, que no es ni nada más ni nada menos que Lorna Raver, vista por última vez como la excelentemente malvada Silvia Ganush en Drag Me to Hell, aquí presente a través del teléfono, demostrando que sin (apenas) mostrarse puede destilar pavor y nerviosismo con sólo su voz.
Junto a estas dos damas en un duelo interpretativo (raro) único estan Stephen Moyer (si lo habremos escuchado decir Sookeh tantas veces en True Blood) como el interés romántico/detonador de la trama, que le explica a Mary el funcionamiento de uno de los puntos claves de la película y Luis Guzmán, el eterno personaje secundario que no aporta mucho a la trama pero le da una pincelada cálida al retrato en general.

La historia y el guión serán los objetos detonantes para determinar que tan atrapante es la película; si bien la dirección de Matthew Parkhill es bastante destacable, el guión de Sergio Casci juega mucho con las paradojas temporales, y uno sabe por experiencia que cuando se juegan con el tiempo y el espacio, las cosas generarán un vacío que puede arrastrar al espectador a la confusión absoluta. Teniendo en cuenta que durante la mayoría del metraje la historia es fácil de seguir, es en el final que se pierde un poco del empuje y el suspenso que venía trayendo aparejada la película (ojo, el tercer acto está brutalmente orquestado) al dejar un par de preguntas sin respuesta que necesitaban ser contestadas para que la película quede cerrada con un moño perfecto.

The Caller es una película extraña, y tiene ciertas coincidencias con algo que ya vimos antes (Frequency, con Dennis Quaid y Jim Caviezel) pero el valor agregado de cada pequeño componente (una Rachelle Lefevre hermosa y leonina con esos pelos que tiene, una trama - casi - simple) hacen de ella una historia que se siente mínima pero no lo es tanto, y que entretiene.

Calificación: B

Damas en Guerra (Bridesmaids)

2011-09-15T06:00:00.000-03:00

También conocida como 'La boda de mi mejor amiga'

Año: 2011
Género: Comedia.
País: Estados Unidos.
Duración: 125 minutos.
Dirección: Paul Feig.
Intérpretes: Kristen Wiig, Maya Rudolph, Rose Byrne, Chris O'Dowd, Melissa McCarthy, Wendi McLendon-Covey, Ellie Kemper.

"La vida de Annie es un desastre; pero cuando se entera que su mejor amiga está comprometida, inmediatamente se convierte en la dama de honor de Lilian. Y aunque haya estado enamorada y luego le hayan roto el corazón Annie abrirá camino a través de los rituales de casamiento más raros y costosos. Con sólo una oportunidad para hacerlo perfecto, demostrará a Lillian y a sus otras damas de honor lo lejos que está dispuesta a ir por alguien a quien ama"

En una época en la que el género de la comedias, si no es por películas baratas como Disaster/Date Movie ó las Hangover, están casi terminadas, y lejos quedaron las épocas de gloria para un elenco femenino en dicho género (cof, The Sweetest Thing, cof) Bridesmaids no sólo demuestra que puede llevar casi dos horas de metraje con un elenco casi femenino en su totalidad, sino que también es LA comedia del año, simplemente porque con cada situación planteada me hizo carcajear a lo loco, y eso es algo que ninguna de las partuzas entre amigos en Las Vegas ó en Tailandia lograron. Aparte de presentarme a mi nueva musa de la comedia, Kristen Wiig.

Annie y Lillian son mejores amigas desde la infancia. Treintañeras y (casi) sin preocupaciones, excepto las usuales con respecto a relaciones y otras yerbas, viven su vida sin preocuparse; hasta que Lillian anuncie su inesperado casamiento, y la vida de Annie, que no la está pasando muy bien en comparación con la situación de su amiga, vea que su amiga se acerca al ideal de vida mientras que ella va cuesta abajo. ¿Se pensaron que no había drama en la película? ¡Claro que lo hay! El nexo de amistad, ante todo, que se ve expuesto por todas las vicisitudes que les acontecen a los personajes, y así es como dan paso a la comedia, aliada fundamental para que la trama funcione como un mecanismo engrasado.

Gran parte del éxito recae en las manos de la inconmensurable Kristen Wiig, que ya venía haciendo sus papelitos en el cine (dejando de lado sus raíces en los sketches de Saturday Night Live) y del guión en coautoría con Annie Mumolo (quien tiene un cameo como la genial turista nerviosa en el avión) Si bien es verdad que el elenco le saca chispas al libreto, muchas de las escenas pergreñadas por la dupla no serían nada sin esa cuota de realismo y profundidad que le agregan a la situaciones y a los personajes.

Lo mejor de lo mejor es que no sólo estas escenas se remiten a guiños y morisquetas de los personajes, sino que son escenas completas de 10 minutos que tienen chiste tras chiste tras chiste y prácticamente no te dejan descansar. Dichas escenas son, por ejemplo, la prueba de los vestidos o el viaje en avión, dos momentos únicos e irrepetibles que te dejan con una sonrisa gigante en la cara.

El elenco de féminas no podía estar mejor conformado: dejando de lado a la revelación de Wiig (una lástima que la Academia no la tenga siquiera en cuenta para un galardón a Mejor Actriz - siempre miran dramas - )el resto está conformado por Maya Rudolph como Lillian, la del casorio, quien tiene una química asombrosa con Kristen (no por algo son amigas en la vida real), una correctísima Rose Byrne como la estirada Helen (éste es el año de Rose, que estrenó en Abril Insidious - reseña - Bridesmaids en Mayo y X-Men: First Class - reseña - en Junio), la robaescenas de Melissa McCarthy como la desopilante y guarra Megan, y las que menos se destacan pero no por eso resultan menores en los papeles de la recién casada Becca (Ellie Kemper, dulcísima) y la madre de 3 preadolescentes furtivos Rita (una brutal Wendi McLendon-Covey con líneas totalmente extremas) Juntas arman un cóctel explosivo que difícilmente pueda superarse este año.
Con respecto a los hombres, tenemos al carilindo John Hamm haciendo un papel totalmente despreciable como un idiota hermoso con plata pero nada de neuronas, y su contrapartida, el adorable Oficial Rhodes, que les sacará un suspiro a las chicas de la audiencia con varios gestos románticos hacia la protagonista.

Mucho más no puedo decir acerca de Bridesmaids; realmente fue una de esas películas que llegan para quedarse, ésas de las que uno no espera nada y recibe todo a cambio. Es inteligente, atrevida, muy graciosa, tiene personajes entrañables, una dirección genial, y dos horas de pura diversión. Sumado a eso, el valor de repetición de la película hace que gane más puntos en cuanto uno la vuelva a mirar una y otra vez, de ahí la calificación. De lo mejor del año en materia de comedia.

Calificación: A

Secuestrados

2011-09-07T14:00:00.000-03:00

Año: 2010.
Género: Suspenso.
País: España.
Duración: 81 minutos.
Dirección: Miguel Ángel Vivas.
Intérpretes:Fernando Cayo, Manuela Vellés, Ana Wagener, Dritan Biba, Guillermo Barrientos, Martijn Kuiper, Xoel Yáñez.

"Jaime, Marta y su hija Isabel, una familia acomodada, está realizando una mudanza a su nueva urbanización en las afueras. Llegada la noche, unos delincuentes irrumpen violentamente en la vivienda. Su objetivo: conseguir el máximo de dinero posible a lo largo de la noche. Pronto comienza el pánico y el terror se apodera de ellos."

Siguiendo la línea de películas de suspenso tipo home invasion como lo fueron los Funny Games (lean la reseña de la remake americana aquí) del sueco Michael Haneke y, aunque menos estrepitosa que The Strangers (reseña aquí), la española Secuestrados apuesta por adaptar una historia bastante cotidiana en los días que corren con muy pocos elementos en su haber narrativo, destacándose más que nada por su apartado técnico antes que por la historia, un novelete que ya hemos visto antes y que no aporta mucho con respecto a su trama.

La familia típica de clase alta se esta mudando a su nuevo caserón suburbano, que está convenientemente alejado de todo; en medio de la mudanza podemos ver a la madre preocupona, a la hija adolescente en pleno estalle hormonal, y al padre al que no le importa mucho el cara a cara de su mujer y su única hija. Antes de que los primeros veinte minutos pasen, el trío de forajidos entrará con suma violencia al despampanante caserón para hacer de las suyas.

A partir de ese punto, no es mucho más lo que sucede en cuanto a innovación; los ladrones no buscan otra cosa más que plata, y el procedimiento que siguen a rajatabla no es diferente a nada: el padre irá con el jefe del grupo a recorrer los cajeros automáticos cercanos,mientras que la madre e hija se quedan en casa haciendo frente al miembro rudo del grupo y al jovencito con remordimientos. Los abusos y la violencia no tardarán en hacerse evidentes, y si bien la película intenta alejarse un poco de la saña de la porno-tortura, en cierto momento cae rendida a sus pies en EL momentazo de la película, junto con el asfixiante inicio y el terriblemente desgarrador final.

Con apenas 80 minutos de metraje, hay veces que el carretel de ideas se les acaba fácilmente y recurren a los viejos clichés, como el amigo que viene a visitar a la hija, el policía que escuchó los gritos, etc, que si bien están bien conformados, se sienten como excusa para aumentar las muertes. Otro detalle que se siente muy forzado y, si uno se pone a pensar, estúpido, es en los momentos que tienen los cautivos para escapar y por estupidez no logran hacer ni UN movimiento; la cantidad de estas excusas es lo que tira tanto abajo a la peli.

En donde Secuestrados realmente destaca por sobre otras propuestas es en su dirección. Realizada a partir de 12 planos secuencia (esto lo tuve que googlear, aunque durante la película uno se puede dar cuenta de que las escenas son terriblemente largas) brutales, Miguel Ángel Vivas te introduce en este drama familiar como si fueras un personaje más, y no suelta hasta el final. Sí se deja caer un poco en ese corte de planos casi llegados al final, en donde la acción se divide entre lo que pasa en la casa y fuera de ella, y se torna un poco difícil elegir qué escenario seguir.

Junto con los monumentales planos del director se encuentra el elenco, que se manejan muy pero muy bien durante gran parte del metraje, en especial la madre y el padre, que no bajan un cambio ni un segundo. La sorpresa recae en la hija, la jovencita Manuela Vellés, que tiene las escenas mas fuertes y polémicas de la película, en las cuales se maneja muy bien, pero en otras partes en las que sus nervios están de punta y no hace nada más que balbucear uno quiere que los ladrones le peguen un tiro y acaben con su tormento. Los tres secuestradores estan bastante correctos, y el peor eslabón es el amiguito de Isa, a quién no le enseñaron actuar, se ve.

Por mucha maestría que demuestre su director, Secuestrados es un calco repetido de muchas historias que siempre siguen la misma línea; tratando de huírle a los clichés más básicos del género, lo único que hace la película es recaer una y otra vez en ellos. Si quieren ver una propuesta de secuestros extorsivos realista, ésta es su película. Si no, pasen de largo.

Calificación:B-

Tiburones vs. astronautas: ¿quién ganó?

2011-09-05T15:20:00.000-03:00

Hace rato que no se veía un encontronazo como éste; mejor dicho, desde finales de Agosto de 2009, cuando Halloween II se enfrentó el mismo fin de semana con The Final Destination, siendo esta última la rotunda ganadora (los detalles pueden verlos en este link)

Dos años después, un panorama similar vuelve a repetirse con Apollo 18, la nueva película found footage que nos lleva al lado oscuro de la Luna, y Shark Knight 3D, la última película del director de (miren qué curioso) The Final Destination, Final Destination 2 y Snakes on a Plane. La una cuenta con presupuesto cero con muchas chances de salir bien parada económicamente, pero un sistema ya visto hasta el cansancio, y la otra es una nueva de horror clase B en 3D, que también ya tiene agotado a los espectadores. Vayamos por partes...

SHARK NIGHT 3D

Como era esperado, Shark Night ha sido vapuleada por la crítica como era esperado, aunque si en algo coincide la gran mayoría es que simplemente es una película ni fú ni fá: no es buena, pero tampoco es mala.

Los sitios especializados no le tienen tanto amor ni tanto asco, a diferencia del recolector Rotten Tomatoes, que le otroga un %21 de Frescura con unas magras 28 críticas; el resultado en Metacritic tampoco es par saltar de alegría: %24 de Aprobación y 14 críticas en su haber.

Durante el fin de semana, Shark Night ha recaudado un aproximado de $8.4 millones, un número bastante malito, pero teniendo en cuenta que la película costó $28 millones, la pérdida no será tanta (y faltan los territorios internacionales todavía)

APOLLO 18

La aventura de los desafortunados astronautas en la Luna también ha sido el sujeto de prueba de la crítica, y aunque recibe un tratamiento similar a su competidora, las reseñas son más bien una mezcla entre positivas y negativas:

Bloody-Disgusting: 5/10
Dread Central: 1/5
Joblo: 5/10
Arrow in the Head: 2.5/4
Fangoria: 2.5/4

Aunque muchos estaban ansiosos por ver de qúe se trataba la película y qué podríá ofrecer de interesante, veo que todos opinan lo mismo: había potencial, pero se pierde muchísimo con una trama sosa. RottenTomatoes también el da un pobre %17 de Frescura con 35 reseñas contabilizadas, y Metacritic la vapulea un poco más con %20 de Aprobación y 14 reseñas.

En taquilla el resultado fue apenas por encima de Shark Night, con un acumulado de $8.7 millones, todo un logro para Apollo 18, ya que el presupuesto no debe haber salido de entre los $5-10 millones como mucho...

No hay mucha sopresa, porque en realidad, ambas propuestas se notaban un poco mediocres, pero los resultados abrumadores nos indican una sola cosa: evitar el cine y esperarlas en la comodidad del living...

Carta de amor hacia 'America's Next Top Model'

2011-09-04T21:00:00.000-03:00

Tras 16 largas temporadas, dos por año (un record para cualquier serie) la supermodelo Tyra Banks encontró la manera perfecta de equilibrar un programa a todas luces frívolo con una competencia espectacular en el que el nivel de profesionalismo ha subido Ciclo a Ciclo para desembocar en un conjunto armonioso (?) entre moda de alta costura, participante con historias de vida por detrás y una producción magnánima que hacen que America's next Top Model sea mi placer culposo por sobre todos los placeres culposos que tengo.

Tyra no le teme a bajar del Olimpo para fotografiarse con las ganadoras

Cada Ciclo presenta entre 12 y 14 concursantes de cualquier ciudad de Estados Unidos de entre 18 y 26 años (a veces la edad puede variar un poco), de cualesquiera que fuese su estatus social y raza. No hay discriminación ni límites, sino que se tiene en cuenta el potencial nato de las concursantes.
Con respecto a las medidas ideales de las modelos, Tyra no segrega a ninguna chica, y si bien la gran mayoría tiene un cuerpo escultural, las mujeres reales y/ó rellenitas (llamadas convincentemente 'intensamente reales') también participan, aunque rara vez llegan lejos (obviemos a la ganadora del Ciclo 10, Whitney, una pelotuda con todas las letras pero que se llevó a casa el título con su cuerpo 'poderosamente real')

Tener a tal puñado de chicas bajo el mismo techo, cada una con diferentes personalidades e historiales puede provocar peleas de todo tipo; hay veces que pienso que las peleas sobrepasan el nivel High Fashion que ANTM quiere imponer, pero hay momentos muuuuy divertidos en los que estas perras se van de mambo, casi casi hasta las manos, como en el ejemplo que sigue:

Esto es un ángel caído del cielo

Pero también hay que saber que ciertas veces un Ciclo puede ser fabuloso, y traernos rostros bellísimos que uno nunca pensó que podría ver en su vida, como el caso de la ganadora del Ciclo 15, Ann Ward, la castaña que está por encima que le robó el corazón al panel de jueces y a media América. No fue la primera cara hermosa del programa, ni tampoco será la última, pero entre tanto rostro comunacho hay algunos que sobresalen

Otro temón por el que sobresale ANTM es en las diferentes pruebas y photoshoots a los que se ven sometidas las concursantes: desde desafíos en pasarela para ganar algún premio o destacarse más hasta los mil y un escenarios diferentes, en la variedad está el gusto y nunca se repiten los esquemas, todos los escenarios y el vestuario por sobre todas las cosas, son diferentes.

En un principio, el panel de jueces era una risa y no había tanta seriedad como en los últimos Ciclos: al comienzo, la supermodelo Janice Dickinson, con su característico humor ácido y sarcástico, vapuleaba a las wannabe sin ton ni són, y ahora, el ícono de la industria André Leon Talley se encarga de seleccionar lo mejor y lo peor junto a Tyra, el ya reconocido fotógrafo Nigel Barker (el programa le dio fama, más que nada) y la estrella invitada de turno (que ultimamente puede ser un Patrick Dermarchelier o un Roberto Cavalli, you name it)

Angelea Preston, la Queen Bitch de todos los ciclos

Hay veces en las que ser una cara bonita no es suficiente, hay que tener actitud y un conocimiento del mundo de la moda bastante importante (o al menos, sugerente) El ver como una participante paupérrima llega a ganar, o hasta las semifinales hace que el intento cuente, y por eso cada uno tendrá a su favorita de entre más de 200 participantes, pero mi corazón se quedó con Angelea Preston, del Ciclo 14. No sólo tiene una historia muy triste detrás suyo (perdió una hija y durante el casting apenas tenía plata para sobrevivir) sino que demostró ser una fuerza a tener en cuenta cuando comenzó a avanzar, tanto en sus fotos como en su presencia delante del panel , dentro de la competencia, machacando a la que se interponía en su camino con su potentísima personalidad, lo que le ha logrado no pocos insultos hacia su persona. He aquí un compendio de esta perra maravillosa:

El elenco del Ciclo 14, las mayores camorreras de todas

Este 14 de Septiembre próximo, el ciclo 17 de America's Next Top Model llega con novedades, porque será un ciclo All Stars, y traerá a 14 conventilleras (y otras desafortunadas - y bellas - víctimas) para una vuelta más en la gloria.

Simplemente, no puedo perdérmelo, como no me pierdo las repeticiones. Siempre hay un detalle que pasamor por alto, o siempre está bueno volver a revivir una y otra y otra vez esos momentazos que hacen que este programa me guste tanto. Seré frívolo, pero America's Next Top Model me da mi cuota de descerebre que necesito.

Destino Final 5 (Final Destination 5)

2011-09-02T16:30:00.001-03:00

Año: 2011.
Género: Horror.
País: Estados Unidos.
Duración: 95 minutos.
Dirección: Steve Quale.
Intérpretes:Nicholas D'Agosto, Emma Bell, Miles Fisher, David Koechner, Arlen Escarpeta, Tony Todd, Jacqueline MacInnes Wood, Ellen Wroe, P.J. Byrne, Courtney B. Vance.

"La Muerte está más omnipresente que nunca, mostrando su amenazadora realidad a un grupo de empleados que se dirigen a un campamento organizado por la empresa donde trabajan. Durante el viaje en autobús, Sam tiene una premonición en la que él, varios de sus amigos y muchas otras personas morirán en el derrumbe de un puente. Rápidamente, todo comienza a coincidir con la visión de Sam, y él trata desesperadamente de alejar del desastre a sus compañeros entre los que se encuentran su novia Molly y su amigo Peter, antes que la Muerte los reclame. Pero el destino de esos seres inocentes no es sobrevivir. En una aterradora carrera contra el tiempo, este grupo de amigos marcado por la fatalidad tratará de encontrar la manera de escapar de los siniestros designios de la Muerte"

Tras el fatal recibimiento de la cuarta y supuesta entrega final de la saga, el dinero habla y con $186 millones mundiales a su espalda, El Destino Final (leer reseña aquí) resultó la más taquillera de todas, eso si contamos la tecnología 3D que le agregó un poco de salsa al asunto. Dos años después (el salto de tiempo menos dramático durante las películas - cada 3 años, excepto ésta y la anterior -) la quinta entrega de la letalmente divertida saga llega a los cines, con muchas promesas, mucho potencial y varias escenas que, ya desde los avances, hacen a uno retorcerse de dolor. ¿Se han cumplido esas promesas? Veamos...

Sam Lawton trabaja para la empresa Presage (Presagio en la traducción, un detalle de más) y se encuentra de camino a un retiro corporativo con sus compañeros de oficina y su novia Molly, a punto de convertirse en su ex. Cruzando un enorme puente colgante, Sam comienza a sentirse incómodo, y pequeños augururios le hacen saber que algo anda mal... Por supuesto, momentos después el puente comenzará a colapsar y la siempre fabulosa y caótica escena inicial dará comienzo a la carnicería, eliminando prominentemente a los miembros de Presage en variopintas maneras que dejarán a más de uno con la boca abierta.

Sencillamente, el desplome del puente es la premonición más larga de toda la saga, aparte de estar al mismo nivel de sensacional que el accidente en la autopista de la segunda (aunque me parece mejor incluso éste, sumado a mi favorito personal, la montaña rusa en la tercera) y realmente lo deja a uno con un nivel de nerviosismo total, aunque sabemos que todos mueren (bueno, hay un pequeño giro...) Los efectos están espectaculares y conforman lo que es EL momento de la película.

Cuando decían que la película volvería a las raíces de la primera entrega, no nos mentían (tanto). Luego de la premonición y la reacción de los supervivientes para con el visionario, de inmediato se nos introduce a un detective que pretende encontrarle una respuesta a todo, la típica escena del funeral y la seguidilla de muertes misteriosas hasta que el patrón de la muerte se revela y los que quedan intentan superarlo.

Digo que no nos mentían porque el guión de Eric Heisserer (que se dio a conocer con la sobria remake de Pesadilla en la calle Elm) realmente nos devuelve al estado de ansiedad que la primera entrega destilaba, agregándole más dimensiones a los sobrevivientes, más humanismo, que los hace más interesantes. Al rebuscarse más con las muertes, Eric se valió de varios miedos como someterse a una cirugía láser oftalmológica, a una sesión de acupuntura ó a una sesión de gimnasia rítmica: cada nuevo escenario va a dejar al espectador marcado de por vida con un '¿Y si me pasa esto...? Puede molestar un poco el hecho de que un par de personajes funcionan como el alivio cómico, y por eso Destino Final 5 se ve por momentos como una comedia negra, en lugar de ser una película de suspenso y horror que te tenga sin respirar en sus 90 minutos de metraje. Heisserer, por otro lado, le dio un par de vueltas de tuerca al guión a la vez que suguió con el camino marcado en la saga, y es por eso que hace a esta entrega tan precisa, concisa y divertida. Tales giros en el guión, como una nueva regla para vencer a la Muerte y un final para el infarto hacen que la quinta entrega se diferencia de las demás y sobresalga bastante; Eric Heisserer tiene en sus manos el guión de la próxima precuela de The Thing, que no puedo esperar a verla tras ver el estupendo trabajo que realizó acá.

Dentro del elenco, que se maneja muy bien y dentro de los canones esperados, Nicholas D'Agosto cumple perfectamente el papel de mesías que salva a todo el mundo, mientras que su contrapartida femenina Emma Bell lo acompaña sobriamente. El resto no hace aguas para nada, si le sumamos al sombrío Miles Fisher (estrellita de Hollywood en potencia), los cómicos papeles de David Koechner y P.J. Byrnes (éste último sacándole carcajadas a toda la audiencia en todo momento) el minón de turno en Jacqueline MacInnes Wood y el esperado y misterioso regreso de Tony Todd a la saga como William Bludworth, que genera escalofríos cada vez que aparece en pantalla.

Con respecto al director, Steven Quale no ostenta ser el protegido de James Cameron ni por casualidad: desde una escena inicial en la que nos tiran con toda la artillería pesada le da pasa a la siniestra premonición excelentemente filmada, y a una y otra escena de muerte tan tensa como la anterior. El muchacho sabe como construir el suspenso, y cada escena te tiene al borde al asiento más que la anterior... Un rotundo aplauso para Steven, que espero, siga el mismo camino y nos brinde más 3D de este tipo (por el tiempo que dure, claro)

Tengo que destacar también la potente banda sonora a cargo de Brian Tyler, que no es ningún desconocido a la saga tras tomar la batuta luego de la triste partida de Shirley Walker. Tyler creó una nueva melodía para esta quinta entrega bastante ominosa y que está presente a cada rato(escuchen mi pieza favorita en este link); la verdad que cierra un combo estupendo, casi como la alineación de los planetas.

Destino Final 5 ha sufrido el mismo destino (sic) en taquilla que le correspondió a El Juego del Miedo 6: ambas son excelentes secuelas a una saga moribunda que la gente prefirió no ver en cines, y muy mal ha hecho. No sólo es un excelente divertimento en 3D (uno de los mejores ejemplos en lo que va del año) sino que ha vuelto a la saga a una glorisa forma, tal vez para el final posible de la saga. No se podía despedir de mejor manera.

Calificación: A-

La Mujer (The Woman)

2011-08-24T20:30:00.003-03:00

Año: 2011.
Género: Horror.
País: Estados Unidos.
Duración:
Dirección: Lucky McKee.
Intérpretes: Pollyanna McIntosh, Angela Bettis, Sean Bridgers, Lauren Ashley Carter, Zack Rand, Carlee Baker.

"La Mujer es la última superviviente de un clan salvaje que ha recorrido la costa Noreste durante décadas. Cuando el último miembro de su familia es asesinado en un enfrentamiento con la policía, la mujer se encuentra sola, gravemente herida y vulnerable. Por desgracia, ahora es una presa demasiado fácil para el cazador local, abogado exitoso y gravemente perturbado hombre de familia Christopher Cleek. Con su juego macabro de ideales, Cleek decide embarcarse en un desquiciado proyecto - capturar y "romper" a la Mujer - una decisión que pronto pondrá en peligro las vidas de Cleek, su familia y la de la Mujer."

En lo que se refiere a Jack Ketchum, si el Maestro del Horror Stephen King lo menciona como 'el tipo más escalofriante de América', entonces es palabra Santa. Si Ketchum hace que las piernas de King tiemblen, imaginen lo que deben ser sus historias. Por fortuna (o desgracia, según el ojo de quien lo lea) pude leer la primera novela en la que se basa la trilogía (Off Season es su título - leer comentario aquí - y The Woman es la tercera entrega) de historias que tienen como foco a un grupo de caníbales, y casi muero. No pude leer la continuación, Offspring, pero sí pude ver la película (reseña aquí) y me decepcionó bastante.
Ahora, leí un libro, ví una película, y finalmente, The Woman llegó antes en versión celuloide antes que la versión en papel. ¿Que nos depara esta vez Jack Ketchum?

Nuevamente Ketchum ha escrito, en colaboración con el director Lucky McKee, un tratado sobre la psiquis humana, y qué se esconde tras los deseos más macabros y perturbadores del ser humano. No sé como será el libro, pero imagino que es igual de potente y devastador como la película. Al estreno del film en el pasado festival de Sundance, un hombre estalló en cólera dentro de la sala, pidiendo que detengan la película, ya que era pura misoginia y barbarie contra la figura femenina. La película obviamente puede ser tomada por ese lado, pero es más el peso del perturbadísimo padre de familia en esta historia que la única pregunta que cabe hacerse es: ¿Cuál es el peor de los males? No podemos ponernos del lado del déspota y violento Chris Cleek, pero, ¿debemos ponernos del lado de la Mujer, que responde a la violencia con violencia? Y dependiendo del lado en el que nos pongamos, ¿nos hace eso más o menos personas, más o menos humanos? Hay un fuerte mensaje debajo de una la película a la que le cuelga el mote de 'provocativa'...

Del modo en el que yo lo veo, es como un cuento con moraleja, un Tarzán femenino morboso, un lado B a la historia que Disney nunca nos contó ni se atrevió a hacerlo. Tras la primera impresión de que algo malo está pasando con Chris y su temerosa familia, las cosas no hacen más que empeorar: si ya tener a una mujer cautiva en un sótano es suficiente aberración, y golpear a tu mujer y, acto seguido, acostarte como si no pasara nada, lo que han visto no es nada conforme las revelaciones empiecen a acumularse una a una. Puede que sean de manera explícita o implícita, pero la acumulación de atrocidades serán bastantes una vez terminada la película.

The Woman, por otro lado, no podría haber sido mejor sin el maravilloso elenco al frente. Pollyanna McIntosh regresa en el papel de la Mujer caníbal, y en este caso tiene todo el protagonismo absoluto, que antes tuvo que compartir con una manada entera; esta actriz es una de las grandes actrices sin descubrir que tiene el medio, ya que con la pesadísima actuación que entrega (entrega mucho más que eso, por poco se deja la vida) la única reacción que queda es aplaudirla de pie (y cuando se cobra su merecidísima venganza, ni les cuento...) De contrapartida, tiene a los 'civilizados' Sean Bridgers como el patriarca Cleek, en otra actuación asombrosa - el tipo entendió la palabra 'desquicio' al pie de le letra - y la incombustile Angela Bettis (amiga personal de McKee) es la abnegada esposa, que vive a la sombra de su marido, pero carga con culpa propia. Los hijos de la pareja están muy correctos los tres, desde la hija mayor que esconde un turbio secreto tras esos enormes ojos de venado, pasando por el jovencito del medio, que sigue a rajatabla los pasos de su padre, y la menor, una dulce muchachita que no sabe muy bien lo que sucede a su alrededor, pero que con el gesto final que tiene descubre que los lazos de sangre son más fuertes que los que uno creía.

Lo que hayan visto esa pequeña obra maestra llamada May de Lucky McKee tal vez recuerden que Lucky es un director bastante atípico. The Woman no es una excepción y tiene bastantes cosas que no van a ver en una película de horror de un gran estudio: ya de por sí, hay que dejar la ética de lado y ponerse a pensar que ningún gran estudio podría darle luz verde tras leer el guión; pasando ese punto, los fanáticos del gore están de para bien porque si hay algo que no escasea es la sangre, aunque se reserva para los escasos y genuinamente modestos momentos en lo que se la necesita, donde la brutalidad sale a flote. Un placer disfrutar de los efectos prácticos del grande de Robert Kurtzman.

Otro punto clave del que veo, muchos han opinado, es la música. El desconocido Sean Spillane (quien tan sólo tiene The Woman en su currícula) compuso los temas que aparecen en el film, tanto instrumentales como los regulares, mientras la película se filmaba, lo que lo pone en un lugar diferente a muchos compositores y también le dio la oportunidad de crear una ambientación única para la película, como una segunda piel. Sí es cierto que en algunos momentos los temas rockeros desentonan un poco, pero hacen a la película; si es por eso, me quedo con el glorioso momento en el que Chris y Belle lavan a la Mujer, unos minutos de gloria con intepretaciones al mango de parte de McIntosh, Bridgers y Bettis, y una música de fondo sublime (la música de dicho momento la pueden saborear en el teaser trailer que acompaña a esta entrada)

The Woman es un trago puro y duro que los amantes del horror van a disfrutar; el resto, pasará un muy mal momento. Claramente un salto en calidad enorme desde Offspring, verdaderamente ES la película más controversial del año.

Calificación: A-

El Planeta de los Simios: (R)Evolución (Rise of the Planes of the Apes)

2011-08-20T23:00:00.000-03:00

Conocida también como 'El Planeta de los Simios: El Origen' ó 'El origen del Planeta de los Simios'

Año: 2011.

Género: Ciendia Ficción.

País: Estados Unidos.

Duración: 105 minutos.

Dirección: Rupert Wyatt.

Intérpretes: James Franco, Freida Pinto, John Lithgow, Andy Serkis, Brian Cox, Tom Felton.

"Un joven y brillante científico trabaja en una cura para el Alzheimer que está siendo probada en monos. Una de estas criaturas es César, cuya inteligencia evoluciona de forma rápida y al que el protagonista de la historia lleva a su hogar para protegerlo de la crueldad de algunos de sus colegas. Pero algo sale mal…

El camino al infierno está pavimentado de buenas intenciones. Un refrán algo duro pero enteramente cierto, leitmotiv de Rise of the Planet of the Apes, la precuela del icónico film de 1968 por la cual realmente no daba un céntimo y termino volviéndose la sorpresa de la temporada para todo el mundo, ya que cuenta una historia increíblemente humana, un drama que sólo se apoya en las escenas de acción cuando lo necesita y no al revés.

Primero y principal, debo hacer un mea culpa y admitir que no estaba ni interesado en ver la película en cines. El Planeta de los Simios era una idea que en mi mente no cuajaba y tan sólo cobraba sentido en las reiteradas sátiras en Los Simpsons y ya; aparte, tras la malograda remake de Tim Burton, no tenía idea de qué potencial podía utilizar la precuela a una película en la que toda la acción se iba a desarrollar durante las posibles secuelas. Qué equivocado que estaba.

Utilizando una trama más humanista y al siempre presente afán impropio de los cienfíticos de jugar a ser Dios,
la trama de Rise of... tiene como protagonista absoluto a Caesar, un chimpancé criado en secreto por el joven doctor Will Rodman, que ansía encontrar una cura para el Alzheimer que padece su padre, que empeora día a día. A diferencia de otros científicos que lo hacen por fama y reconocimiento, y sus patrocinadores que lo hacen por dinero, Will tan sólo quiere descubrir la cura para ayudar a su padre, y no sabe que con este innovador descubrimiento liberará la destrucción de la humanidad (bueno, al menos su diezmo mundial)

No sé si es para realzar el crecimiento y cimentar las ideas y el empuje de Caesar en su crecimiento, pero los humanos se dejan ver como pérfidos personajes que no tienen el mínimo respeto por la vida animal y el alzamiento del simio se ve justificado por el espectador, en una de las historias más entrañables que he visto en todo el año.

Mas allá de la calidad actoral humana, en la que James Franco se ve muy solvente como el joven científico, Freida Pinto apenas se luce un poquito como una bonita doctora e interés amoroso de Franco y un John Lithgow colosal como el decaído padre de Will, el mérito de la película se lo llevan Andy Serkis y los terriblemente excelentes efectos especiales de la Weta Digital, equipo que ya nos trajo la grandeza de Gollum y King Kong a la pantalla. Andy Serkis no merece otra cosa que una nominación a los Oscars próximos, y sería una injusticia que no gane: gracias a los avances tecnológicos, todos y cada uno de los gestos de Andy se ven reflejados en Caesar, lo que lo hace aún más humano que los humanos que lo rodean.

La historia de la rebelión de los monos está muy bien construída porque avanza poco a poco, con escasas pero sugerentes y bien coordinadas escenas de acción, escenas que alcanzan su pico con el rotundo final en el puente de San Francisco. Mis felicitaciones al director, Rupert Wyatt: entre tanto peliculón con immensos directores que tan sólo aportan el nombre al proyecto, el inglés ha desmostrado que no se necesita mucho para lograr un filme perfecto y que sorprenda, excepto buenas intenciones, una buena historia y saber que funcionará, por sobre todas las cosas.

Una vez superado el prejuicio, Rise of the Planet of the Apes se eleva (chiste, chiste) por sobre una cantidad enorme de blockbusters veraniegos para imponerse con su jugosa historia, sus fabolusos efectos, su elenco cordial y con un imponente Andy Serkis que se lleva todas los elogios por su Caesar. Un sopresón, un clásico en potencia y un augurio de lo que va a venir, dado el final que presenta la película.

Calificación: A

Código Fuente (Source Code)

2011-08-18T20:00:00.000-03:00

También conocida como '8 Minutos antes de Morir'

Año: 2011
Género: Ciencia Ficción.
País: Estados Unidos - Francia.
Duración: 93 minutos.
Dirección: Duncan Jones.
Intérpretes: Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga, Jeffrey Wright, Michael Arden.

"El capitán Colter Stevens se despierta en un tren sin sin saber cómo llegó allí. Sentado frente a él está Christina, una mujer que no conoce pero que evidentemente ella cree que si. Al buscar refugio en un baño, Colter se asombra al ver en el espejo el reflejo de otro hombre y al encontrar en su billetera identificaciones a nombre de Sean Fentress, un maestro de escuela.
De pronto, una gran explosión despedaza el tren. Casi instantaneamente, Colter es transportado a una unidad de aislamiento de alta tecnología donde una mujer uniformada de nombre Goodwin exige saber todo lo que él vio. Colter se encuentra en una misión de alta prioridad con el fin de identificar al terrorista que destruyó el tren horas antes y que a la vez planea matar a miles de personas más con una explosión de mayores proporciones en el corazón de Chicago.

Un programa super secreto denominado 'Código Fuente', le permite a Colter vivir brevemente como Sean en la realidad paralela del tren sentenciado. Cada vez que regresa al tren, Colter cuenta con sólo ocho minutos para descubrir la identidad del terrorista y en cada ocasión recoge nueva evidencia pero su presa lo elude. Mientras más aprende, más convencido está de que puede evitar que ocurra la mortal explosión -a menos que primero se acabe el tiempo."

El clan Bowie sigue sorprendiendo; si bien el padre se dedicó a la música pop, el retoño del mismo, Duncan Jones ya sorprendió a media industria con su opera prima Moon, y ahora vuelve con todo en Source Code, una película de la cual no firma el guión pero ofrece todo su potencial e inventiva en la dirección. La película, que es una sobria combinación entre la ciencia ficción con un toque de drama, juega con uno de los elementos favoritos de los guionistas, que es el viaje en el tiempo, y jugar con las variantes temporales trae sus ventajas como sus desventajas...

Tras la premisa de revivir los últimos 8 minutos de una persona mediante un sofisticado programa militar (el porqué de este novedoso artilugio y su naturaleza nunca se nos es explicado fehacientemente) lo que parecía una simple historia de acción y ciencia ficción deja entrever sus diversas capas a medida que transcurre el metraje; hay pequeñas insinuaciones hacia la eutanasia, y un acercamiento hacia el eterno debate del 'tiempo que nos queda' y el '¿qué harías si te quedara poco tiempo de vida?', un buen conjunto que aleja a Source Code de otras congéneres de acción pura y dura.

No es que le falte acción, ni mucho menos: el suspenso que se crean esos 8 minutos antes de que el tren explote ayudan a que la trama no aburra nunca y, a medida que la resolución del misterio se aproxima, la adrenalina corre por las venas rápidamente. Sin caer en lugares bajos ni nada por el estilo, tengo que admitir que aunque al jugar con el tiempo se generan un par de paradojas inexplicables y algo duras de entender para el espectador medio (siemrpe tuve problemas con las paradojas temporales en las películas) Source Code es una de las pocas películas de acción/ciencia ficción que me han hecho derramar algunas lágrimas por ciertas implicancias en la trama que no voy a revelar.

Por si fuera poco, acá se solidifica un Jake Gyllenhaal que nació para algo más que papeles de acción; si bien tiene el cartelito pegado en la frente de 'estrella de acción' acá demuestra que es soberbio en lo suyo, ya que maneja una escena de acción tan bien como una escena dramática. Durante todo su viaje es acompañado por una correcta Michelle Monaghan, quien todavía no descolla en Hollywood como debería, y una descomunal Vera Farmiga, que a pesar de que permanece el %95 de la película sentada frente a un monitor no necesita más herramientas que sus gestos para transmitirle todas sus emociones al espectador.

El trabajo de Duncan Jones se sintió más personal durante Moon, mas comprometido que esta vez, en la que eligió un camino mucho más canon y menos jugado, pero no por eso menos meritorio. Hay ciertas escenas que son bellísimas (explosión en cámara lenta) u otras que realmente re sacan el aliento (saltando del tren en movimiento); repito, lo sentí más cercano en su anterior película, pero Source Code es igual de impresionante (bueno, un poquito menos tal vez...)

Si sigue así, a Duncan no lo para nadie; con Source Code demuestra que es una gran fuerza a tener en cuenta ya que sus películas son muy resfrescantes y si bien no son novedosas del todo, cumplen su cometido de entretener y encima te dejan pensando una vez que la terminas de ver. Un genio.

Calificación: A-

Atrapada (The Ward)

2011-08-17T17:40:00.001-03:00

Año: 2010
Género: Horror.
País: Estados Unidos.
Duración: 88 minutos.
Dirección: John Carpenter.
Intérpretes: Amber Heard, Mammie Gummer, Danielle Panabaker, Lyndsy Fonseca, Laura-Leigh, Jared Harris, Mika Boorem.

"Kristen, una joven y bella mujer con problemas, se despierta una mañana cubierta de cortes y moretones, drogada en la sala de un hospital psiquiátrico en el que se encuentra retenida contra su voluntad. Está completamente desorientada, sin saber cómo llegó a ese lugar y sin poder recordar nada de su vida anterior. Su única certeza es que ese lugar no es seguro para ella. Las otras pacientes del área, cuatro chicas igual de problemáticas, tampoco tienen respuestas y Kristen pronto descubre que las cosas no son lo que parecen. El aire está cargado de secretos y a la noche, cuando el hospital está oscuro y amenazante, se oyen ruidos extraños y aterradores. Claramente, no están solas.

Una por una, las muchachas empiezan a desaparecer y Kristen debe encontrar una manera de salir de ese lugar infernal antes de que ella se convierta en la próxima víctima."

Para suerte o para desgracia de John Carpenter, ser considerado un Maestro del Horror tras la incombustible Halloween le trajo reconocimiento y, a su vez y con el tiempo, un cierto ostracismo fílmico en un medio que poco espacio le ofreció para innovar; ya que estamos, el propio Carpenter poco hizo para desclasificarse y lograr reinventarse. Eso por eso que The Ward es un mínimo esfuerzo por parte de un grande como Carpenter, pero que pasa demasiado desapercibida e infravalorada porque muchos esperaban la segunda venida del Mesías.

Podemos comenzar a meternos dentro de esta ala psiquiátrica que propone el título diciendo que éste es el show de Amber Heard; todavía me acuerdo cuando la vi por primera vez en All the Boys Love Mandy Lane (reseña) y no puedo creer el raudo despegue que tuvo su carrera (el dato inservible: Amber es lesbiana... ¡lo siento muchachos!) Prácticamente se carga al hombro la película hasta el mismo final y aunque parezca un poco grogui en algunos segmentos, tiene ese je ne sais quoi que hace que sigas su tortuoso camino hacia los confines de la histeria con ansias de revelación.

Ella y el grupete de féminas en peligro (entre las que se destacan una desquiciadamente bonita Mammie Gummer - la hija de Meryl Streep - y Laura Leigh - como la de mente infantil de turno) tienen que lidiar con el fantasma de una excompañera de celdas (algo pasó ahí adentro) y el guión de los hermanos Michael y Shawn Rasmussen, un cúmulo de topicazos a montones que se sostiene sólamente gracias al elenco que zafa y la dirección automática de Carpenter.

Y ése es el error de John: mientras muchos esperaban un gran regreso con una historia retorcida para impactar, el anciano director apostó por una historia de fantasmas mezclada con un poco de gore - algunas de las muertes son bastante sangrientas y al menos una es bien impresionante - que atrasa en vez de adelantar. Todas las situaciones ya están demasiado vistas, todo está demasiado esquematizado, e incluso la dirección del director se ve cansada

No es lo mejor de Carpenter, pero tampoco es la barrabasada que logró en 2001 con Ghost of Mars. Claramente, el añejo director optó por lo seguro y el resultado es The Ward, un simple y convencional film de horror que entretendrá a los paseantes del género, pero decepcionará a los más acérrimos, que esperaban el regreso del maestro con bombos y platillos. Zafa.

Calificación: C+

La Muerte le sienta bien: Destino Final 5 y la vuelta a los orígenes macabros

2011-08-15T14:15:00.000-03:00

Tras ver el reventón en taquilla durante Agosto de 2009 con la aparente última entrega de la saga en El Destino Final, los productores se agarraron las cabezas, viendo que una mediocre película como lo fue esta última le daba el mayor zarpazo a una saga que parecía muerta. El vil metal no tardó en hablar y pronto, Destino Final 5 estaba en marcha; dos años después, la quinta entrega de esta feroz lucha entre la mismísima Muerte y aquellos que han escapado a sus garras arriba a los cines y los resultados son no menos que curiosos...

La crítica regular le da el regular rasposo a la saga, claramente ya que están cansados de la misma fórmula y sienten que han visto suficientes veces lo mismo, por lo que no cuenta tanto la opinión como la de los especializados en el tema, los sitios de horror que ponen a la película casi en las nubes diciendo que es 'la mejor secuela' incluso algunos temerarios se atreven a decir que 'supera a la original'.

Bloody-Disgusting: (9/10) "Es una sobrecarga de suspenso que me tuvo retorciéndome en mi asiento como un chico de cinco años mirando Barney. Quale (el director) extrae cada onza de aire de tu cuerpo y deja pocoa lugar para respirar... Es verdadera, genuina, completamente la mejor de todas las secuelas de la saga sin lugar a dudas."
ShockTillYouDrop: (7.5/10) "Luego de una poco entusiasta tercera entrega y la completamente abismal cuarta parte, es bueno ver una nueva película flameando su extraño gusto de una manera inteligente y entusiasta. Destino Final 5 se regodea en hacerte retorcerte en el asiento, hacerte sonreír de manera maliciosa y tirar de la alfombra en la que estás parado (lo cual ciertamente se cumple con el final) y por eso amé cada segundo de su rapaz desquiciado y extremo metraje."
Dread Central: (9/10) "Fanáticos de la saga, estarán complacidos de saber que la última entrega es una bienvenida y sangrienta adición a su querida saga, y para quellos que todavía no hayan experimentado un film de éstos, hay muchos que descubrir para bien. Destino Final 5 no sólo es sangrientamente divertida sino que también ha logrado insuflarle nuevo aire a la franquicia, convirtiéndome en fanático nuevamente."
Joblo: (8/10) "Destino Final 5 se encarga de darle tributo a la original, y aún así se encarga de superar el nivel de carnicería de todas las formas posibles. El 3D funciona como debería funcionar en una película como esta, especialmente con los inteligentes créditos iniciales; francamente, es el mejor ejemplo de un 3D correcto que ha habido en mucho tiempo. La película es un éxito de todo tipo, desde la inaguantable tensión, las sorpresivamente sólidas actuacione y las inventivas tomas sangrientas; tal parece que la quinta es la vencida. La Muerte realmente envejece con gracia, y eta vez viene con varios giros bajo sus mangas."
Arrow in the Head: (3/4) "Destino Final 5 lo hizo bien y realmente valió la pena ver una diversión roja. El presupuesto etuvo en pantalla, la inteligencia en el guión, el talento detrás y delante de cámaras las y el combo del 3D y las muertes realmente funcionaron. ¡Qué más se puede pedir?"
Fangoria: (2.5/4) "Para fanáticos duros de la serie o para los novatos, para aquellso jóvenes buscando adrenalina nocturna, o para aquellos a los que les gusta su buen pedazo de carne diario, todos se iran satisfechos a casa. Para aquellos que se quedaron con la sensación de que han visto esto antes, tna sólo recuerden el caos del puente en 3D y esperen a que los productores tengan una idea aún más ambiciosa en sus mangas para una sexta entrega"

Con 72 críticas recolectadas en RottenTomatoes y un augurioso %58 de Aprobación, el sitio dice que la película 'todavía es para los fanáticos sedientos de sangre, pero es un sorpresivo regreso en forma por parte de la franquicia.' Metacritic no se aleja tanto de etsos números y, con 22 críticas en su haber, le aportan un correcto %52. En ambos sitios hay coincidencias: si bien ninguna de las películas de la serie llega al aprobado absoluto, Destino Final 5 es la que más se acerca a la gloriosa meta. Y qué decir de la diferencia del %3 entre la original y la cuarta entrega...

Lo curioso es algo que también se repitió en su momento con El Juego del Miedo 6: si bien la crítica exponía que se trataba de una secuela superior, el público le dio la espalda en la taquilla; en su primer fin de semana, Destino Final 5 ocupó el tercer lugar con $18.4 millones, siendo sobrepasada por gratos contendientes como la comedia dramática de Emma Stone The Help y el tremendo boca a boca para Rise of the Planet of the Apes, que se queda con el podio un fin de semana más. Aunque su coste de producción roce los $48 millones que se recuperarán pronto con el aditivo de las entradas en 3D, es algo triste ver que el cuento de Juanito y el Lobo se adecúe bastante y sea paradójico en este caso.

Como fanático acérrimo de la serie, no pude dejar de sonreír cuando escuché y leí varias reseñas demasiado positivas, elogiando una vez más las inventivas muertes, la maravillosidad del accidente inicial, y la construcción de personajes dimensionales y nuevos giros a la fórmula de siempre, estos últimos dos detalles los fundamentales para la reacción tan positiva de los fanáticos.

Considerando que unas posibles sexta y séptima entregas serán posibles si la quinta es un éxito, y contando que el territorio estadounidense es uno de loas mayores factores a tener en cuenta, habrá que ser positivos y ver como le va a la película en otros territorios, y no descartar nada hasta que los productores digan si esto se terminó acá, o no.
Por lo pronto, el 1° de Septiembre vo a estar ahí en el cine, disfrutando una vez más del ensañiamiento de la Muerte con estas desaventuradas personas que le escaparon a su destino.

Malas Enseñanzas (Bad Teacher)

2011-08-08T06:00:00.000-03:00

Año: 2011.
Género: Comedia.
País: Estados Unidos.
Duración: 92 minutos.
Dirección: Jake Kasdan.
Intérpretes: Cameron Diaz, Justin Timberlake, Jason Segel, Amy Punch, Phillis Smith, John Michael Higgins.

"Algunos maestros no le dan importancia a la educación...este es el caso de Elizabeth: una cruel, grosera e inapropiada maestra. Toma alcohol en grandes cantidades y muere por conocer a un hombre rico con quién casarse y asi dejar de trabajar. Pero cuando su prometido la deja, debe iniciar un plan para ganarse al nuevo apuesto y rico maestro sustituto de la escuela, mientras intenta escapar de las insinuaciones del irrelevante profesor de gimnasia."

Luego de varias propuestas en comedia bastante flojas, Cameron Diaz vuelve al ruedo con un producto similar al visto en 2002 con The Sweetest Thing, esta vez encarnando a un personaje bastante detestable que resulta claramente el punto álgido de una propuesta con varios altibajos pero que funciona para apagar el cerebro durante hora y media y largar varias carcajadas.

Elizabeth Halsey es una rémora humana; comprometida con un niño rico del cual ni sabe la fecha de su cumpleaños (sólo le interesa su dinero), cuando el compromiso se rompe por obvias razones, Elizabeth debe volver a su trabajo como maestra con el rabo entre las piernas y con una idea en mente: tener un par de tetas nuevas así puede conseguir más candidatos que la mantengan de por vida. No le importa nada, y su egoísmo es más fuerte que todo. Gracias al maravilloso carisma de Cameron, quien se luce como la despiadada maestra oportunista, la película tiene un hilo conductor alrededor de ella, y mientras el elenco secundario (que es un perfecto acompañiamiento) a veces no está a la altura, Cameron nunca aburre con todo el repertorio de situaciones realmente detestables.

Lo bueno es que tras estas situaciones bastante subidas de tono, el guión Gen Stupnitsky y Lee Eisenberg no se queda atrás ni un segundo y no tiene ningún reparo en ser políticamente incorrecta. No hay ni una situación que no se recate en ofender; básicamente, todas las razas habidas y por haber tienen su merecido y no les importa. Se nota que les dieron carta blanca para un guión que haga reír, y eso es lo que lograron. Incluso al final intentan dar una moraleja y un mensaje final; aunque el personaje haya cambiado lo suficiente y aprendido a lo largo del año, sigue teniendo la misma mala leche que siempre.

Dentro del gran elenco, las risas y otros grandes momentos se los llevan Lucy Punch como la exarcerbada maestra Amy Ardilla, Jason Segel como el profesor de educación física y el nerd suplente que interpreta Justin Timberlake (cada vez más metido en el cine, y cada vez le sale mejor) Incluso con un elenco juvenil, que la mayoría de las veces suelen fracasar, son bastante bien llevados, ya que tienen la edad exacta y son expuestos constantemente a las bardeadas de la divina señorita Halsey.

De la mitad hacia al final, la película puede flaquear un poco, pero Cameron sigue siempre radiante y no afloja; un detalle bastante entretenido que adereza muy bien todas las escenas es el tono picarón y cómplice de la banda sonora creada por Michael Andrews: las melodías son bastante pegadizas y hay una canción que suena sin cesar que me parece terriblemente adictiva.

Bad Teacher no es una de las mejores comedias del año, pero es un divertido entretenmiento para pasar hora y media y seguir camino. Cameron Diaz, ¡qué bien que te sientan este tipo de películas!

Calificación: B

YellowBrickRoad

2011-08-06T06:00:00.001-03:00

Año: 2010.
Género: Horror.
País: Estados Unidos.
Duración: 95 minutos.
Dirección: Andy Mitton y Jesse Holland.
Intérpretes:Michael Laurino, Anessa Ramsey, Alex Draper, Laura Heisler, Cassidy Freeman, Clark Freeman, Tara Giordano, Sam Elmore, Lee Wilkof.

"Una mañana de 1940, la población entera de Friar, New Hampshire, salió a caminar por un sendero sinuoso de los bosques cercanos. Dejaron atrás sus pertenencias, su dinero, todo lo esencial, incluso los perros fueron abandonados atados a postes y dejados morir de hambre. Nadie sabe el por qué. Un grupo de búsqueda enviado por el Ejército de los Estados Unidos descubre los restos de cerca de 300 vecinos. Muchos de ellos habían muerto de frío. Otros fueron misteriosa y cruelmente sacrificados. Los cuerpos del resto de ciudadanos siguen desaparecidos. Con los años, lo ocurrido se enmascaró y se arregló para tejer una historia de leyendas y cuentos de hadas en la zona. La ciudad poco a poco se ha repoblado, pero el vasto bosque es, en su mayoría, inexplorado. En 2008 una primera expedición oficial se adentrará en el bosque e intentará resolver el misterio de los ciudadanos de perdidos de Fraiar para, por fin, llegar al desenlace de lo ocurrido.."

Siempre hay que estar atento al cine indie. De vez en cuando, una de esas pequeñas películas con estreno en salas limitado se convierte en un fenómeno sin precedentes como Actividad Paranormal... o no. YellowBrickRoad se benefició hace poco de un estreno limitado en salas norteamericanas, y creo que ése fue el hecho que me hizo llamar la atención hacia esta película, que cuenta con una inquietante trama pero con un tedioso metraje a cuestas que rápidamente ahoga la mente del espectador.

La desaparición de la población completa de Friar, New Hampshire, en algún momento de 1940 es la base de partida del film, que reúne a un equipo profesional que busca seguir el mismo camino que todas estas almas condenadas siguieron hace cuarenta años. Algunos cuerpos fueron encontrados congelados a la vera de este camino aparentemente invisible, otros masacrados y el resto, desaparecido de la faz de la tierra. Para Teddy Barnes y su esposa Melissa, es un reto averiguar qué les sucedió a estas personas; lo que no saben es que hay misterios que es mejor dejarlos sin resolver...

Bebiendo de las claras fuentes expuestas doce años atrás con El Proyecto Blair Witch (el equipo que se mete en pleno bosque a investigar, luego de recibir el rechazo del pueblo a la investigación, resuena bastante acá) YellowBrickRoad comienza lentamente, exponiendo poco a poco a los personajes de esta aventura a medida que se ven inmersos en los tupidos bosques de New Hampshire. Con la cámara del doctor en psicología del comportamiento (una causalidad del guión que sea justo un especialista en ésa area) veremos como se desarrollan las personalidades de cada miembro de la pandilla, y cómo el camino hacia tierras perdidas irá afectando la psiquis de cada persona. Este camino en un principio comienza con inseguridades e incomodidad, para ir escalando poco a poco en una inestable pesadilla.

Los directores y guionistas Andy Mitton y Jesse Holland van tejiendo esta red de miedos con detalles magistrales que generan escalofríos: primeramente, está el hecho de los videos, cada segmento de los ocho excursionistas - un llanto aquí, una frustración por no poder decir bien el abecedario al revés de un tirón - luego que los elementos de medición comienzan a actuar mal, y la frutilla del postre, una extraña música que parece salir de todas partes y todos pueden escuchar. ¿Será alguien jugándoles una macabra broma? ¿El pueblo perdido? ¿Dios? ¿O hay psicosis colectiva? El miedo a lo desconocido es suficiente para poner a uno en estado de alerta. Todo llega a su punto álgido cuando el momento más sobrecogedor aparece en pantalla, la primera muerte, brutal y desgarradora, que marca que ya no hay vuelta atrás: la locura se ha apoderado del grupo y los resultados están a la vista.

Y cual montaña rusa, todo lo que sube tiene que bajar. La historia toca su mejor momento tras la impresionante muerte (con el macabro aderezo de la música que no se detiene) y de ahí en más la trama no hace más que aburrir más y más. El misterio deviene en ansiedad, y lo único que uno quiere es saber qué es lo que hay al final del camino. El elenco en ningún momento flaquea, sino que se consolida a medida que su viaje hacia la locura continúa, pero uno no deja de pensar en el final; la música ya cansa, y lo que hacía que sea un elemento para crear nerviosismo para con la trama se vuelve terrible incómoda.

Para cuando llega el final, tenemos una gran división de aguas. Y en este caso no es entre los que digan que el final hace a la película o la destruye: está en los que entienden el final y los que no y odian la película. Personalmente, luego del inexplicable final tuve que buscar diferentes opiniones y obtuve lo siguiente: de propia boca de los directores en el audiocomentario del film, dicen que SPOILERS pasaron a través de treinta revisiones en el guión, y que, finalmente, la finalidad de YellowBrickRoad, la travesía de este camino, es la vía al propio infierno, y que la música que se escucha todo el tiempo es la proximidad al mismo averno FIN SPOILERS ¿En serio? Realmente me siento muy decepcionado por eso y el final me dejó con un gusto agrio en la boca, y no de los buenos.

En un principio pensé que YellowBrickRoad tenía todo para sorprenderme: una intrigante historia propicia para el debate luego de su visionado era lo único que necesitaba obtener. Pero en cambio me sorprendió de lo regular que resultó ser; una buena trama tirada a la basura debido a la idecisión de los creadores, que no supieron encontrar una manera más coherente para terminar su película. Tiene sus momentos, pero no bastan para sostener la historia. Es más, me da hasta pena recomendarla y eso no me pasa casi nunca con una película.

Calificación: C

Time is running out...

2011-08-05T20:45:00.001-03:00

¡Si, se me acaba el tiempo, y es que tengo tantas cosas que hacer y tan poco tiempo!
Cada año siento que los días se comprimen más y más y las ganas escasean... Por eso es que no he estado actualizando el blog tanto como quisiera, y lejos estoy de abandonarlo, pero estoy mirando tantas películas y series como puedo, y a veces es difícil seguir el ritmo de las reseñas que he venido manteniendo con los años. Lo cierto es que me quiero renovar un poco, quiero darles a mis críticas un aire diferente, y hasta que lo encuentre, seguirán teniendo el mismo contenido, que he sabido sostener durante esta travesía.
Muchos me preguntan por las noticias, y eso lo he anunciado hace rato: las noticias más variopintas, y sobre todo, las de horror, mi género favorito, las pueden encontrar en el excelente sitio Cinéfiloz, familia de la que soy parte desde principios de año.

Por lo pronto, puedo adelantarles un poco las películas que he visto y un pequeño vistazo a lo que se vendrá cuando tengan el espacio correspondiente:

Piranha 3D: Alexandre Aja, el nuevo rey del gore coronado tras las remakes The Hill Have Eyes y Mirrors, y tras el reconocimiento que le trajo Haute Tension, vuelve a la carga con otra remake llena de sangre (su película más sangrienta al momento) humor negro y muchos cuerpos esculturales en una película que sencillamente cumple su cometido de entretener y nada más.
My Super Psycho Sweet 16: basada libremente en el divertido programa de MTV sobre niñas mimadas en camino a celebrar su décimosexto cumpleaños, My Super Psycho Sweet 16 es una entretenida sátira a la juventud perdida, consumista y capitalista, que no necesita ahondar en los aspectos morales sino que cumple con la degollina de estos malditos pendejos sin escrúpulo alguno.
My Super Psycho Sweet 16 Part II: tras el éxito de la primera entrega, la segunda parte continúa creando la mitología del Asesino de la Pista de patinaje y su familia... Tiene bastantes puntos en común con Halloween II de Rob Zombie (La familia es para siempre, ¿les sueña?) y si bien no es tan buena como la primera entrega, cumple con lo que promete.
Mother's Day: Tras posicionarse en el medio con tres secuelas de la saga Saw, Darren Lynn Bousman recurre a su primera remake para traer una historia en la que la miseria humana no escasea, y lo que tampoco escasea es la sangre y la violencia. Aún así, es el trabajo más maduro del auteur.
Rango: una de las películas de animación más extravagantes que he visto en mi vida. La dupla Gore Verbinski - Johnny Depp vuelve a la carga, y tras la decepción de la cuarta entrega de la saga pirata, las nuevas aguas que navega el dúo le sientan bastante bien. Una historia con animación sorprendente, un elenco de voces magnífico y una moraleja bien linda.
Quarantine 2: la secuela de la remke americana del exitazo español [REC] no sigue el mismo camino que [REC] 2 sino que construye su propia mitología más realista que el giro en la secuela española. Aún así, tiene presupuesto cero, y hace lo que puede con ello, pero las licencias en el guión dañan bastante al proyecto. De yapa, hay un argentino entre los personajes (tal cual como en la primera [REC] española)
Conviction: otra historia de superación made in Hollywood, en este caso, la historia real de dos hermanos, él preso tras un crimen que presuntamente no cometió, y ella, su incondicional hermana que se mete a estudiar Derecho para hacer de abogada de su hermano y sacarlo de prisión. Brutales interpretaciones de parte de Hillary Swank y Sam Rockwell para una historia un tanto facilista pero no menguada en emociones.
J'ai tué ma mère: la opera prima del jovencísimo canadiense Xavier Dolan, un chico que con 19 años (en ese momento) dirigió, guionizó y protagonizó una historia cuasi autobiográfica en la cual retrata la tempestiva relación entre un joven homosexual de 16 años y su madre, en un duelo interpretativo entre el joven Dolan y Anne Dorval, su madre ficticia. Imperdible.
Les Amours Imaginaires: la segunda película de Dolan toma un punto de vista un poco más adulto y narra las peripecias entre dos amigos, Francis y Marie, cuando se enamoran del mismo hombre, el misterioso Nicolas. Una historia entrañable, con un visionario Dolan al mando de la dirección que va a romper más de un corazón. Si la primera era imperdible, ésta segunda es imprescindible.
Captain America: la última entrega de Marvel antes de la reunión el año que viene con The Avengers (tras Iron Man, The Incredible Hulk y Thor) tiene ese aire clásico a film de aventuras de los '90, con un héroe hecho y derecho (pero muy humano) un villano acorde, unas secuencias de acción muy bonitas y un elenco y guión más que satisfactorios.
Bad Teacher: el regreso a la comedia fuerte y subida d tono de Cameron Diaz no es el más propicio de todos pero sí le sienta perfectamente como vehículo de lucimiento para componer a una maestra de primaria a la que todo le importa un ca**jo, todo con tal de hacerse un par de lolas nuevas. Tiene momentos muy cómicos y otros no tanto, pero es ideal para pasar un buen rato con una Cameron desatada como hace rato que no veíamos.
YellowBrickRoad: extraña es poco. Lo que empieza con una leyenda urbana á la Blair Witch Project termina como una de las películas de horror más confusas de los últimos tiempos. Tiene una trama y un punto de partida más que interesante, pero en el medio la sensación de desasosiego que genera hará que más de uno se quede dormido. Una lástima.
Sudor Frío: la primera película de horror netamente argentina que se estrena en más de 40 años era un hecho para tener en cuenta y seguir de cerca, pero desafortunadamente todavía hace falta bastante para que un producto así cuaje en nuestro país; tiene una calidad fílmica nunca antes vista para el género, pero el guión es patético y dan ganas de llorar algunas líneas, y si a eso le sumamos los fatales errores en la elección del elenco, la película retrocede más casillas de las que avanza.

Desde ya, muchas gracias por los pequeños comentarios que me dejan en cualesquiera de todas las entradas que tengo, y si bien no contesto ahí mismo para no desvirtuar el post, sepan que pueden mandarme mensajes cuando quieran a mi cuenta de Facebook (http://www.facebook.com/lucksaw) y les reponderé a la brevedad.
Próximamente vuelvo recargado, espérenme ;)

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Parte II (Harry Potter and the Deathly Hallows: Part II)

2011-07-15T00:00:00.000-03:00

Año: 2011
Género: Fantasía.
País: Estados Unidos - Inglaterra.
Duración: 130 minutos.
Dirección: David Yates.
Intérpretes: Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Michael Gambon, Helena Bonham Carter, Alan Rickman, Ralph Fiennes, Tom Felton, John Hurt, Brendan Gleeson, David Thewlis, Julie Andrews, Evanna Lynch, Rhys Ifans, Imelda Staunton, Warwick Davis.

"Harry, Hermione y Ron deberán encontrar la forma de recuperar la espada de Gryffindor que les permitirá destruir los últimos horrocruxes que aún no han encontrado. Mientras tanto Lord Voldemort cada día está más cerca de apoderarse por completo de Hogwarts y de conseguir su objetivo: matar a Harry Potter."

Todo viaje tiene un final, y para la mágica saga de Harry Potter, eso significa un camino que duró diez años (fílmicamente hablando) y ocho películas, contando la ingeniosa decisión de dividir el último libro en dos estupendas partes; si en un principio se vio este movimiento como una acción totalmente lucrativa, una vez vistos las dos películas uno entiende fácilmente el porqué: en cuatro horas y media lograron reconstruir un 95% del perfecto final de la saga, dejando de lado unos pequeños toques que no le restan importancia al estruendoso y bello cierre a las aventuras de Harry, Ron y Hermione.

Si la Parte I de Las Reliquias de la Muerte tenía un ritmo más pausado e iba construyendo la trama poco a poco, en Parte II ya no tenemos eso: las dos horas de película apenas se sienten porque, en definitiva, es una montaña rusa que sólo se detiene para que uno respire y siga gozando con la culminante batalla final en Hogwarts. No miento al decir que todo sucede muy rápido y cuando uno menos se lo espera, el trío (luego de un paseo a lomos de un dragón tras recuperar otro Horrocrux) ya está en el castillo, avisando a todo el mundo del inminente ataque final de Voldemort. Este evento apresurado ocurre porque las cartas ya estaban en la mesa en Parte I, y en parte II es hora de que todos los jugadores jueguen su mano; no hay tiempo que perder, y acá el tiempo es oro (o la sangre de sus seres más queridos…) El sentimiento de urgencia nunca se sintió… bueno, más urgente, en toda la saga.

Durante este grandilocuente final, es encomiable cómo todos aquellos personajes que durante los siete libros y películas tuvieron sus quince minutos estelares vuelvan para, como decirlo, redimirse de alguna manera, mostrar que todos están presentes en el combate final: ver rostros conocidos por doquier, luchando por sus vidas contra los Mortífagos es estupendamente satisfactorio. En los momentos previos a la batalla, y durante, se nota que el guión de Steven Kloves (una vez más) cambió los destinos finales de algunos de estos personajes secundarios, mientras que agrada el hecho que las precisas de la profesora McGonagall, la Sra. Weasley y Neville Longbottom sean un calco a sus congéneres de tinta y papel: sencillamente, son los favoritos del público y se nota, ya que la sala entera aplaudió con entusiasmo cada una de estas escenas.

¿Tengo que remarcar que el elenco está estupendo? No, no creo. Absolutamente todos siguen los esquemas que vienen planteando película a película, agregando el tono extremadamente oscuro de la recta final. Eso sí, vale destacar que, del trío, Emma Watson es la única que se le siente que su papel lo está haciendo de corazón y te hace sentir que el alma se te retuerce adentro y Alan Rickman, bueno, si no se gana una nominación de cajón a los Oscars hay que prender fuego a la industria de cabo a rabo, porque sería una fatal injusticia.

A riesgo de recibir dardos desde todos lados, voy a admitir que David Yates se hizo cargo del peso de la mitad de la saga en adelante, la parte más difícil, y me resulta mucho mejor director que Cuarón. Ojo, sigo amando El Prisionero de Azkaban, pero no creo que la visión del mexicano hubiese funcionado al final de la saga. Yates le devolvió ese estilo que comenzó Chris Columbus en las primeras películas y sentó precedentes.

Admiro también lo sombrío que se volvió en esta última entrega: hay más sangre que en todas las películas de la saga juntas, y no sólo eso, sino que algunas escenas son condenadamente brutales; aparte, demuestra que es un fanático de la saga y no lo hizo sólo por la plata: cada escena, cada criatura, cada hechizo, todo el libro está en la película, y los efectos visuales no hacen más que complementar la narrativa de Yates, con la misma excelencia desde la primera película. La música de Alexandre Desplat es un punto y aparte: si John Williams inmortalizó a Harry Potter con su Hedwig’s Theme, la saga termina en una nota altísima también con el Lily’s Theme, una melancólica melodía que se deja escuchar al inicio del film y durante los momentos más desgarradores, que merecen atención para impactar más hondo en el espectador.

El final de Harry Potter es, al mismo tiempo, el término de un momento mágico en la vida de varios jóvenes que, como Harry, Ron y Hermione, comenzaron esta aventura con unos dulces e inocentes 11 años, y terminan hoy día con 21 años, unos largos 10 años en los que, me incluyo, aprendimos un montón de cosas, valores como la amistad, el amor y el entendimiento hacia la muerte. Es difícil dejar una etapa atrás, pero con un gran cierre de por medio, creo que podemos cerrar fácilmente el último capítulo de esta maravillosa historia... y abrir el primer libro una vez más, reviviendo una de las sagas más importantes de la literatura contemporánea. Harry Potter, ¡te vamos a extrañar!

Calificación: A

X-Men: Primera Generación (X-Men: First Class)

2011-07-13T17:00:00.000-03:00

Año: 2011
Género:. Ciencia Ficción.
País: Estados Unidos.
Duración: 132 minutos.
Dirección: Matthew Vaughn.
Intérpretes: James McAvoy, Michael Fassbender, Kevin Bacon, Rose Byrne, Jennifer Lawrence, January Jones, Nicholas Hoult, Lucas Till, Caleb Landry Jones, Zoe Kravitz, Oliver Platt, Jason Flemying.

"Antes de Charles Xavier y Erik Lensherr se convirtieran en Profesor X y Magneto eran simplemente dos jóvenes descubriendo sus poderes por primera vez.

Antes de que fueran enemigos acérrimos, eran amigos cercanos y trabajaban juntos, junto a otros mutantes para detener la mayor amenaza que el mundo haya conocido. En el proceso, una grieta entre ellos los separó dando comienzo a la guerra eterna entre la Hermandad de Magneto y el Profesor X de X-Men."

Luego de la ignorada X-Men Origins: Wolverine, creía que la saga de los mutantes iba a caer poco a poco en el ostracismo o, a lo sumo, seguir lucrando por el lado de la acción con Wolverine al frente. Entró Mathew Vaughn y cambió toda la ecuación: el que iba a ser alguna vez el director de la, para muchos, fatídica tercera entrega de la saga original vino co nun plan bajo el brazo, los de la Fox lo aceptaron y el resultado es X-Men: First Class, un evento cinematográfico que exhonera a la saga completamente y, básicamente, la eleva al nivel de la primera aparición de los mutantes.

Vaughn me daba miedo después de salir de la locura de Kick-Ass, porque si bien la película era interesante, temía que tomara el mismo tono irónico para la saga amutante, cosa que no hizo. El director, sabiendo lo que falta en el medio, dotó a First Class con una cota elevada de profundidad en los personajes antes que acción a raudales; escenas de acción hay, pero son pocas y muy bien aderezadas durante el metraje. No creo que nadie se sienta decepcionado por la falta de contiendas, sino que se van a sentir felices de el desarrollo de los personajes hace que uno se proecupe por ellos durante las peleas.

Conocer a los personajes y saber lo que los hace humanos y a la vez mutantes es lo que uno quiere ver en la pantalla, y por eso resultan tan excluyentes las actuaciones de James McAvoy y Michael Fassbender como Charles Xavier y Eric Lensherr respectivamente: el primero nos deja ver un costado más carismático del Profesor X, algo que nunca pensamos, mientras que Fassbender, el creciente alza en Hollywood, deja entrever la humanidad latente dentro del impenetrable mutante. A su alrededor, la joven Jennifer Lawrence es Mystique, quien sigue probando que hay que tenerle respeto al talento de la hermosa actriz; el resurrecto Kevin Bacon, quien compone a un villano más que correcto; otra ascendente, Rose Byrne, cumple en su papel; la hermosa January Jones es tan fría como el diamante y, aunque desentona un poco, no queda tan mal; hay una gran cantidad de personajes y pequeñas actuaciones, todas muy bien logradas, aunque el reciente Caleb Landry Jones (visto último en El Último Exorcismo) resulta el más destacado entre los jóvenes nuevos mutantes (¡ojo al piojo con la hija de Lenny Kravitz!)

Amén de un craso error geográfico cometido en Argentina (Villa Gessell no es un pueblo en las alturas, sino un pueblo costero), la ambientación de la película está muy bien conseguida: la trama transcurre en los años '60, durante la crisis de misiles de Cuba, y el conflicto bélico internacional está totalmente amoldado a la historia de los mutantes, además de que las escenografías, el vestuario y la música, todos funcionan armoniosamente combinados para dejar bien en claro en qué época se encuentra la trama; el momento clave de esta combinación es el reclutamiento de mutantes, una escena maravillosa (cameo sorpresa de por medio) que, junto al entrenamiento mutante, son las dos escenas que más rescato de la película por dejarte una sensación de felicidad en el alma.

Antes destacaba que hay pocas escenas de acción, pero bien conducidas; en ellas, Matthew Vaughn le puso todo el empeño y uso de los efectos computarizados y las escenas lucen fascinantes, en especial el clímax en la costa de Cuba, con el alzamiento del submarino y los misiles en el aire y todo. Hay algunas cositas que no cierran, como el maquillaje del joven Bestia, que luce un poco 'raro', pero por lo demás, el demonio rojo Azazel se ve escalofriante, y la Mystique azul que todos conocemos es igual que siempre.

La música incidental es algo que estaco siempre, y me sorprendió el manejo de las partituras del desconocido para mí Henry Jackman (¿Será algo de Hugh? ¿Hubo nepotismo acá?) que le pegó al clavo, redondeando la trama mutante soberbiamente.

He vuelto a encontrar el amor por los mutantes que creí perdido años atrás; X- Men First Class me volvió a abrir los ojos y acaba de dejar el listón bastante alto para (si Dior quiere) futuras secuelas a esta maravillosa precuela. Ojalá sigan el camino que han sabido pavimentar en esta entrega en los próximos años...

Calificación: A

Transformers: El Lado Oscuro de la Luna (Transformers: Dark of the Moon)

2011-07-11T23:15:00.002-03:00

Año: 2011

Género: Acción.

País: Estados Unidos.

Duración: 157 minutos.

Dirección: Michael Bay.

Intérpretes: Shia LaBeouf, Rosie Huntington-Whiteley, Josh Duhamel, Tyrese Gibson, John Turturro, Patrick Dempsey, Frances McDormand, John Malkovich.

"Cuando un misterioso evento del pasado de la Tierra resurge en pleno presente, los Autobots necesitarán más que la ayuda del joven Sam Witwicky para desbaratar una guerra tan grande que amenaza con hacer sucumbir al planeta entero."

Digan lo que digan, Michael Bay es una persona que puede aprender de sus errores; tras la abominable Revenge of the Fallen, Bay ha aceptado todas las críticas constructivas (la millonada que hizo la película nunca está de más...) y, mal que mal, ha evolucionado. Transfomers 3 sigue teniendo los mismos problemas y aciertos que sus predecesoras, pero algo ha cambiado, y si bien las escenas de acción han sido elevadas y el simple calificativo impresionante se queda corto, el sector comedia, que tan apabullante resultó en la anterior entrega, ha mermado lo suficiente como para que la película sea una de acción y no una comedia de alto caché.

Podemos comenzar diciendo que la promocionada cruza entre historia americana y ficción se logran perfectamente en la introducción de la película, en la cual la historia del Apollo XI y la dle planeta Cybertron se mezclan convincentemente para lograr un prólogo lleno de misterio, que sirve como plato principal antes de que los títulos mecanizados den lugar al primoroso trasero de la fémina de turno, Rose Huntington-Whiteley: Michael, se nota, no pierde las costumbres jamás.

Y es que Michael podrá haber subsanado los errores guionados de la anterior entrega, pero igualmente, su escritor estrella Ehren Kruger ha sido atenuado casi completamente, pero todavía deja entrever que todavían le fallan algunos tornillos; basta ver entonces la ridícula escena del insufrible Ken Jeong, al que le siguen inflando los humos de comediante cuando es paupérrimo, y aporta poco y nada al enrevesado esquema de esta nueva entrega.

Lo que se proponía como un gran guión alejado un poco de los lugares comunes de las anteriores dos cae a medio camino entre lo gracioso (por suert, dejamos un poco de lado lo patético) y lo serio de la inminente invasión cibertrónica que sobrevuela la ciudad de Detroit, en este caso, además de extenderse por unas largas y, en momentos, cansinas dos horas y media de metraje, de las cuales los últimos 45 minutos son los que brillan con verdadero fulgor.

Puede que tome un poco de tiempo desarrollar a los personajes, pero a la gran mayoría ya los conocemos y sabemos su historia, y los nuevos apenas se esfuerzan por encajar lo mejor posible, a veces sin mayor repercusión: desde la extraña adición del talentoso John Malkovich en lo que se podría describir como un cameo gracioso, pasando por el curioso Alan Tudyk y su Dutch y el porte de Patrick Dempsey, hasta llegar a la imperiosa Charlotte Mearing de Frances McDormand (que extraña sus gloriosos días en Fargo), no hay mucho que se puede decir de ellos además de acotar que están más que controlados en sus roles secundarios.

Vale destacar el mayor cambio en esta entrega, y es el enroque de Megan Fox por la escultural Rosie Huntington-Whiteley: a favor de ella hay que decir que se la nota con más química hacia Shia LaBeouf (quién ha subido un escalafón más con las dramáticas escenas que intepreta aquí) que la susodicha Fox; aunque no podemos hablar de una química absoluta, sí el papel de Rosie tiene tintes más relevantes que la casi sin mencionar Mikaela Banes, y le otorga la cualidad de 'damisela en peligro' que el personaje de Megan Fox casi no tuvo.

Si hasta ahora veníamos con claroscuros con respecto a la trama, el guión y el elenco, el punto que hace que (casi) olvidemos todo lo demás es la acción: digan lo que digan, Michael Fox está en plena forma y creo que nunca el choque de chatarra contra más chatarra lució tan bien en pantalla, y eso que es todo en 3D, lo cual generaría más confusión en la cabeza del espectador. Una vez que el grupo comando llega a la ciudad en plena destrucció masiva, la acción no da tregua y no se detiene nunca. Exceptuando algunas licencias en el guión (algunos momentos pecan de demasiada coincidencia) el ida y vuelta entre los Autobots y los Decepticons son geniales, no son (tan) confusos como antes y tienen la suficiente acción para dejar pasmados a más de uno en sus butacas.

Tenía mis dudas con respecto al 3D, pero Bay lo ha integrado perfectamente a la película y si bien están los momentos en los que los objetos vuelan a la cara del espectador, son más bien pocos y el enfoque está dado en la profundidad de los detalles de la batalla, y los escenarios, que lucen los efectos computarizados con un realismo pasmoso.

No tan satisfactoria como la primera entrega, pero definitivamente superior a la segunda, Transformers 3 es puro gozo visual, un desperdicio absoluto de neuronas que posiciona nuevamente a Michael Bay como uno de los directores que más sabe en lo que se refiere a cine pochoclero. Dos pulgares arriba por el magnífico uso correcto del 3D.

Calificación: B+

Sucker Punch

2011-06-26T17:00:00.000-03:00

Año: 2011
Género: Acción.
País: Estados Unidos.
Duración: 109 minutos.
Dirección: Zack Snyder.
Intérpretes: Emily Browning, Vanessa Hudgens, Abbie Cornish, Jena Malone, Jamie Chung, Carla Gugino, Scott Glenn, Oscar Isaac.

"Una joven es enviada a una institución mental por su padrastro, quien ordena que le hagan una lobotomía. Allí, imaginará una realidad alternativa junto a cuatro chicas para escaparse de su dolor, en la cual deberá recolectar cinco objetos para poder escaparse antes de que sea demasiado tarde."

Zack Snyder tiene la mente de un nene, un nene con mucha, mucha imaginación. Le bastó con sentar terribles precedentes con su maravillosa (y aún más, la más realista de sus películas al momento) remake Dawn of the Dead, 300 y Watchmen para que finalmente le soltaran las correas y pasara de dirigir un proyecto 'basado en' a construir un mundo él solito con Sucker Punch, sin basarse en otra cosa más que en un producto original. Con el primer trailer, presentado en la convención Comic Con de 2010 le reventó la cabeza a más de un fanático de la ciencia ficción, y no hizo otra cosa más que levantar expectativa y más expectativa.
Pero, como dice el refrán, mientras más alto se vuela más duele la caída, y es precisamente lo que le ocurre tras ver Sucker Punch: uno no se esperaba realmente un producto tan inconexo y confuso que ni de lejos es la maravilla que pudo ser, pero que no es tan terrible como muchos vaticinan.

Podemos comenzar el viaje diciendo que la escena con la que comienza Sucker Punch es el mejor acierto de la película; es ahí en donde el conjunto actoral, técnico, escénico y directorial se complementan en mayor medida y toda la escena es de una solidez onírica tremenda, todo aderezado con la hermosa versión de Sweet Dreams, interpretada por la protagonista Emily Browning. A partir de ese momento, uno ya podría preveer que camino tomará la historia, y es algo que nadie se espera y que concuerda específicamente con la definición del título, nunca mejor puesto.
Luego de esta impresionante escena inicial, la trama se redirige hacia el asilo en donde será encerrada Babydoll, la protagonista. En un alarde/copia/homenaje a Inception, Sucker Punch claramente bebe de esas fuentes y la acción se desarrolla en un sueño dentro de un sueño, en el cual el asilo sombrío se transforma en un burdel sombrío, el cual tambien transmuta hacia el mundo fantástico en el cual Babydoll y sus compañeras de asilo/burdel tienen que cumplir misiones al azar que tienen sus consecuencias en el mundo real, con el objetivo de escapar de la institución.

Como se puede apreciar,la construcción de una historia no es lo que mejor le sienta a Snyder, y la historia, a medida que corre el tiempo, peligra una y otra vez: incluso un videojuego de acción por estos días tiene mejor historia que la de Sucker Punch, y eso que méritos no le faltan. La terrible desconexión entre la trama y las escenas de acción pueden dinamitar brutalmente el disfrute de la película, ya que por más desperdicio visual que tenga la película, un mínimo de conexión tiene que haber.
Mirando el vaso medio lleno, las escenas de acción son un despliegue alucinante de fuegos artificiales, y me puedo imaginar a Zack diciendo: 'Bueno, y ahora pongamos orcos, y ahora dragones, y ahora un palacio chino, y ahora nieve, y esto, y aquello...' todo emocionado, como si fuera un nene. Técnicamente, las misiones son los momentos más brillantes de la película, aquellas escenas por las que tanto tiempo esperamos ver a las cinco chicas en acción.

El quinteto de protagonistas trabaja muy bien agrupado, aunque hay algunos aciertos y desaciertos de por medio: Emily Browning es hermosa, sí, pero se desluce muchísimo como protagonista, ya que no tiene tanto carisma como sí, por ejemplo, la inesperada fuerza de Abbie Cornish como Sweet Pea, o la carismática violencia de la Rocket de la talentosa Jena Malone, éstas últimas dos dando rienda suelta a todo lo que saben de actuación y protagonizando una de las escenas más conmovedoras de la película. Las dos que restan son el bombón asiático Jamie Chung y Vanessa Hudgens, quien finalmente se deshace de su ingenua Gabriella de High School Musical y personifica a una férra guerrera en el mundo surreal pero a una influenciable joven en el mundo real.
La MILF Carla Gugino vuelve a trabajar con Snyder luego de Watchmen al nivel al que nos tiene acostumbrados, y Oscar Isaac es el villano de turno bastante correcto (y brutal), mientras que Scott Glenn aparece esporádicamente como el Hombre Sabio en un pequeño pero significante papel.

Tardé demasiado en poder asentar lo que finalmente ví en Sucker Punch; definitivamente no es esa película excepcionalmente genial que prometía ser, ya que tiene suficientes fallas que uno no puede ni pensar que tiene con toda la expectativa generada en cada cabeza. Sí es el golpe de efecto terrible e inesperado que anticipa el título, por más disfraces que le pongas a la realidad para escapar al dolor. Hay una interesante metáfora e historia escondidas entre tantas capas surrealistas que presenta Zack Snyder, pero habiendo tenido un poco más de tiempo para pensar y repensar la historia no le hubiera venido nada mal a una película de la que se esperaba mucho y cumplió muy poco tanto en crítica como en taquilla.
Pero algo es algo, y posiblemente, en un futuro Sucker Punch cuente con el mote de culto que sabrá ganarse con los años, apodo que sólo el tiempo puede aportar.

Calificación: B

Little Boots - Remedy

2011-06-13T06:00:00.000-03:00

La escuché de rebote, por casualidad. En su momento decían que sería más grande que Lady Gaga, aunque después Gaga diera un salto descomunal y se hiciera terriblemente conocida, dejando a Boots de lado.

Remedy es la primera canción que escuché de su primer y único disco al momento, y realmente me tiene hipnotizado, ya sea por la letra, la melodía pegajosa o la increíble similitud de la cantante con Michelle Williams. ¡Vamos, que podrían ser hermanas!