Super 8

Año: 2011
Género: Fantasía.
País: Estados Unidos.
Duración: 110 minutos.
Dirección: J.J. Abrams
Intérpretes: Joel Courtney, Elle Fanning, Riley Griffiths, Ryan Lee, Kyle Chandler, Ron Eldard, Jessica Tuck, Gabriel Basso, Zach Mills.

"En 1979, la fuerza aérea de los Estados Unidos clausuró una sección del Area 51. Todos los materiales debían ser enviados a un lugar seguro, por tren. En medio de la noche, el tren de carga que transportaba el preciado material es protagonista de un espectacular accidente antes de llegar a destino. El paradero de la carga, como su destino, permanece siendo un misterio. Inspirada en las películas que Abrams amaba y admiraba de adolescente, Super 8 cuenta la historia de un grupo de amigos y la aventura en la que se embarcan luego de ser testigos del dramático choque."

J.J. Abrams es uno de los mejores directores que hay actualmente. ¿Hace falta decirlo? El tipo sigue coleccionando películas y series impresionante que llevan un montón de culto por detrás: Lost, Alias, Mission: Impossible III (su opera prima, señores), Star Trek... ¿Lo mejor de todo? Sataisface a su audiencia, porque hace sus películas desde el más profundo de los respetos, como probándose a sí mismo que puede. Super 8 no cae lejos de ese árbol de grandeza que es, y muchos la catalogan como una carta de amor hacia las películas ochentosas y al mejor cine de aventuras de Steven Spielberg; nada más lejos de la realidad, desde que vemos en los primeros segundos de la película el logo icónico de Amblin.

 En la tradición de películas como The Goonies, E.T, The Sandlot y Stand By Me, la historia gira en torno a un grupo de chicos que, en el medio de la filmación de una película casera de zombies (atentos al guiño del grande de George A. Romero) se ven irremediablemente inmersos en medio de una conspiración gubernamental, alienígena de por medio.

 Lo grandioso de Super 8 es que toca cada fibra nostálgica de muchos que se iniciaron en el cine de aventuras con Spielberg. Desde el vamos, el grupito de chicos está soberbio porque tienen una química especial que sólo los grandes amigos tienen entre sí; el diálogo rápido y burlón contrasta a cada tipo que representan: el protagonista un tanto sensible, el amigo gordinflón, el piromaníaco, el que le tiene miedo a todo, al mujercita del grupo. Hace rato que no se veía un grupo de amigotes tan orgánico como éste, y se nota que generan empatía porque uno imnediatamente se siente identificado.

Una vez creado el ambiente entre el grupo selecto de jovencillos que vamos a seguir hasta el final, en medio de una filmación ocurre la hecatombe: un impresionante descarrilamiento intencional de un tren dispara la acción de inmediato, en una escena destructivamente sublime que marca el michaelbayísmo de Abrams. De ahí en más, llegan los militares y la curiosidad juvenil puede más (como si no fuera de otra manera, ¿no?) Si bien la película tiene momentos en los que se estanca la narración, las escenas de suspenso y las escasos pero intensos momentos de acción sobrepasan esos tiempos muertos; las misteriosas apariciones del lagarto alienígena (que se esconde casi hasta el final, como buen producto de Abrams) tienen el poder de ponerle a uno los pelos de punta (hablo del ataque a la gasolinera, por ejemplo) y tienen el pulso característico de J.J.

 Lo cierto es que no todo es acción en la película: el director/guionista también se tomó su tiempo para construir las relaciones familiares y los lazos de amistad entre todos. Si hay algo que realmente me hizo transportarme a las verdaderas épocas de los clásicos de aventuras de mi niñez, fue el hecho de que uno ha perdido a la madre hace poco, la chica del grupo no tiene madre y es un tanto rebeldona para con su padre alcohólico, el gordinflón cuya familia es un desbande pero de los buenos (esas clásicas familias de 6 hijos cuyas cenas son pantagruélicas) Puede que casi al final intenten tocar una veta nostálgica y emocional, lo cual está perfecto, pero no tiene el nivel de contundencia de otras películas (léase E.T) ¿me explico? No se te escapa un lagrimón ni nada, es una linda sensación y ya.

 Dos pulgares arriba también se lleva la producción alrededor del film. Si la película parece un blockbuster en todo sentido, se quedan de piedra cuando sepan que tan sólo costó $50 millones en hacerse (en extrapolación con, por ejemplo, una Transformers que salen $200 millones o más) La ambientación de finales de los '70 está hasta el más mínimo detalle, con la ropa, los autos, las casas, las costumbres, todo. El soundtrack da buena fé de ello, porque podemos escuchar a los chicos tararear My Sharona o al que atiende el minisuper escuchando Heart of Glass en un walkman, ¡un walkman! Además está el hecho de que el fiel colaborador de Abrams, Michael Giacchino, hizo un encomiable trabajo con la banda sonora. El tipo sabe lo que hace, y no por eso le pesa encima el Oscar que ganó con el score de Up.

 Sí no me convenció mucho el diseño de la criatura; fue como ver al monstruo de Cloverfield otra vez, o un primo lejano de él. Igualmente, cumple su función y se deja ver.

Uno termina de ver Super 8 y se pregunta ¿en que año estamos? ¿Ya es la hora de la merienda? porque realmente hace que los años vuelvan hacia atrás y parece que fueramos pequeños, que acabamos de ve run estreno en Cine Shampoo. Es de esas películas que te dan ganas de terminar de verla y salir a filmar a tu grupo de amigos con uma camarita, o de hacer una pelúcula zombie con presupuesto cero y valores de producción. Es un golpe de nostalgia que muchos necesitábamos, y un cine de calidad y divertimento que no se ve hace rato. Steven Spielberg, contento.

Calificación: A-

Actividad Paranormal 3 (Paranormal Activity 3)

 Año: 2011
Género: Terror.
País: Estados Unidos.
Duración: 85 minutos.
Dirección: Henry Joost y Ariel Schulman.
Intérpretes: Lauren Bittner, Christopher Nicholas Smith, Chloe Csengery, Jessica Tyler Brown, Dustin Ingram.

"En 1988, las pequeñas hermanas Katie y Kristi  se hacen amigas de una entidad invisible que vive en su hogar y, aunque no lo sepan todavía, han desatado la peor de sus pesadillas."

 Poco a poco, la saga Paranormal Activity ha sabido cimentarse en la mente colectiva de los espectadores particularmente porque nos muestra una amenaza a la que no le podemos huir fácilmente: no hay un asesino serial esperando con un arma punzante detrás de una puerta, sino que es algo peor, algo que no es tangible, algo que no se puede tocar ni ver, pero que está ahí, acechando. Por supuesto, y parafraseando a un dicho en la película, la saga se sigue alimentando del miedo del espectador, y Actividad Paranormal 3 decidió jugar a lo grande, convirtiéndose en una secuela a la par (o mejor, según quien lo vea) de la original. ¿Vemos por qué?

Para aquel que todavía viva en la nube o no sepa de que se trata la película, Actividad Paranormal 3 es, a pesar de lo que diga su número junto al título, una precuela a las historias paralelas de las hermanas Katie y Kristi. Teniendo lugar en 1988, cuando las protagonistas eran pequeñas, la película narra la infancia de las chicas y el origen de la maldición a la que están sometidas ya de grandes junto a sus respectivas parejas/familias. como prólogo para introducir esta historia, hay una caja llena de videos en VHS que desaparece de la casa de una de las hermanas y (vaya a saber uno dónde están) y por arte de magia se reproducen y vemos lo que vemos en la película. Si recuerdan, el metraje encontrado de las anteriores entregas estaba bajo custodia policial, cosa que no ocurre con las cintas de esta película, así que ya desde el vamos habrá que dejar colgado el realismo en la puerta antes de entrar al cine.

  Katie y Kristi viven con su madre y el novio de ésta en una casa aún más espaciosa que la de las chicas ya crecidas, tremenda casa para cuatro personas cuya remuneración salarial los dejaría con una casa austera (misterios de la vida) El novio, Dennis, es camarógrafo de bodas, así que cuando la pequeña Kristi comience a hablar con un amigo imaginario, las cámaras estarán dispuestas alrededor de la casa y en menos de lo que canta un gallo el ambiente comienza a enrarecerse.

Si hay algo que no hay en la película, es cuartel. Si en previas entregas había que esperar de a poco para ir viendo la potencia del demonio en acción, éste no es el caso ya que lo que parece al principio un leve juego infantil se torna en un parpadeo en una terrorífica experiencia inolvidable. Actividad Paranormal se guardó los sustos hasta casi el final, Actividad Paranormal 2 hizo una mezcla que no convenció mucho, pero Actividad Paranormal 3 tiene un momento tras otro, tras otro, tras otro, es una verdadera catarata de sustos que te deja con un nudo en la garganta. El final, los últimos 15 minutos son terriblemente potentes en el sentido de que finalmente la mitología detrás de tanto demonio y actividad paranormal se explica a grandes rasgos para no darle toda la información al espectador; es una cuestión de atar los propios cabos hasta que la próxima entrega difumine lo que realmente sucede en esta familia.

Creo que lo que más hizo funcionar a esta entrega fue el guión pulido de Christopher Landon (que ya había trabajado en la anterior entrega) ampliando la turbísima historia familiar, el sobrio elenco y los directores. Landon hizo mucho más interesante esta vez las situaciones tensas, los sustos son más elaborados y el tema de la cámara montada en el vnetilador para que gire, si es de su autoría, es un detalle magnífico. Por parte del elenco, los adultos se encuentran muy a gusto y tienen un desenvolvimiento muy orgánico como pareja (fuman juntos marihuana, intentan hacer un video sexual juntos, bromean, lo típico en una pareja joven) y, en contraposición, las dos actrices elegidas para hacer los papeles de Katie y Kristi estuvieron a la altura de la situación; es muy fácil errarle con críos en una película, pero cuando funcionan, funcionan (preguntenle a pelis como La Profecía o Poltergeist)
 Por otro lado, los directores Henry Joost y Ariel Schulman, la pareja detrás de la interesante Catfish (reseña) entraron como trombas en el juego paranormal y la jugaron tan bien que igualaron y superaron en algunas cuestiones a Oren Peli, el alma mater y creador de esta saga. Éste es el empujón que necesitaban para levantar vuelo en Hollywood (¿es mucho pedir que vuelvan para Actividad Paranormal 4)

 Finalmente, el trono que dejó vacante Saw el año pasado puede tener dignamente un nuevo nombre tallado: Actividad Paranormal 3 es una enorme mejora por sobre la pobre segunda entrega, casi llegándole a la cabeza a la primera parte. Las noches sin dormir esta vez durarán semanas.

Calificación: A-

The Caller

 Año: 2011
Género: Suspenso.
País: Reino Unido - Puerto Rico.
Duración: 92 minutos.
Dirección: Matthew Parkhill.
Intérpretes: Rachelle Lefevre, Stephen Moyer, Lorna Raver, Ed Quinn, Luis Guzmán.

"Cuando la recientemente divorciada Mary Kee establece su residencia en su nuevo apartamento, se topa con un viejo teléfono del que rápidamente se enamora. Impresionada por su encanto antiguo, le da un lugar de honor en su casa. En poco tiempo, Mary comienza a recibir extrañas llamadas de una misteriosa y desconocida anciana. Con el tiempo, ella descubre que la persona que llama es una mujer llamada Rose y ambas forjan una insólita amistad. Sin embargo, cuando Rose anuncia que se llama desde el pasado, Mary empieza a cuestionar los motivos de su nuevo amiga.

Con cada llamada, una más perturbadora que la anterior, el sentido de pánico de Mary se intensifica. Sintiéndose perseguida en su propia casa, Mary corta todo contacto con Rose. Enfurecida por la traición de Mary, Rose amenaza con una venganza terrible."

 Historias de fantasmas, nos las conocemos de memoria. En ese terreno, hay muy poca innovación y los japoneses dejaron el terreno bastante infértil con su infinidad de Ju-Ons y con la llegada a territorio americano de The Ring y The Grudge. The Caller vendría a ser un intermedio entre tanto fantasmita japonés; aunque su historia tiene varios dejos a algunas historias orientales, es lo suficientemente atractiva en su mezcla con algún capítulo de The Twilight Zone para llevar a cabo su cometido de contar una buena y simple historia.

 En The Caller veremos a la joven Mary Kee, quien está atravesando un divorcio dificultoso y se muda a un complejo de departamentos algo viejo en Puerto Rico (un espacio bastante inusual y exótico para este tipo de historias) Con el departamento amueblado viene un teléfono de esos viejos, que una vez que empiece a sonar no parará hasta el final.
Lo que presenciamos como meros espectadores es un intercambio bizarro entre dos grandes actrices: por un lado, una Rachelle Lefevre que hizo muy bien en no volver a la saga Twilight y se encuentra a sus anchas cargándose todo el peso de la película componiendo a una Mary frágil y debilitada por los años de abusos a los que se vio sometida por su pérfido esposo Steven; Rachelle está presente el %95 de la película y realmente se calzó la mochila al hombro y lleva la historia ella sola perfectamente; por el otro lado, la voz en el teléfono, que no es ni nada más ni nada menos que Lorna Raver, vista por última vez como la excelentemente malvada Silvia Ganush en Drag Me to Hell, aquí presente a través del teléfono, demostrando que sin (apenas) mostrarse puede destilar pavor y nerviosismo con sólo su voz.
 Junto a estas dos damas en un duelo interpretativo (raro) único estan Stephen Moyer (si lo habremos escuchado decir Sookeh tantas veces en True Blood) como el interés romántico/detonador de la trama, que le explica a Mary el funcionamiento de uno de los puntos claves de la película y Luis Guzmán, el eterno personaje secundario que no aporta mucho a la trama pero le da una pincelada cálida al retrato en general.

La historia y el guión serán los objetos detonantes para determinar que tan atrapante es la película; si bien la dirección de Matthew Parkhill es bastante destacable, el guión de Sergio Casci juega mucho con las paradojas temporales, y uno sabe por experiencia que cuando se juegan con el tiempo y el espacio, las cosas generarán un vacío que puede arrastrar al espectador a la confusión absoluta. Teniendo en cuenta que durante la mayoría del metraje la historia es fácil de seguir, es en el final que se pierde un poco del empuje y el suspenso que venía trayendo aparejada la película (ojo, el tercer acto está brutalmente orquestado) al dejar un par de preguntas sin respuesta que necesitaban ser contestadas para que la película quede cerrada con un moño perfecto.

The Caller es una película extraña, y tiene ciertas coincidencias con algo que ya vimos antes (Frequency, con Dennis Quaid y Jim Caviezel) pero el valor agregado de cada pequeño componente (una Rachelle Lefevre hermosa y leonina con esos pelos que tiene, una trama - casi - simple) hacen de ella una historia que se siente mínima pero no lo es tanto, y que entretiene.

Calificación: B

Damas en Guerra (Bridesmaids)

 También conocida como 'La boda de mi mejor amiga'

Año: 2011
Género: Comedia.
País: Estados Unidos.
Duración: 125 minutos.
Dirección: Paul Feig.
Intérpretes: Kristen Wiig, Maya Rudolph, Rose Byrne, Chris O'Dowd, Melissa McCarthy, Wendi McLendon-Covey, Ellie Kemper.

"La vida de Annie es un desastre; pero cuando se entera que su mejor amiga está comprometida, inmediatamente se convierte en la dama de honor de Lilian. Y aunque haya estado enamorada y luego le hayan roto el corazón Annie abrirá camino a través de los rituales de casamiento más raros y costosos. Con sólo una oportunidad para hacerlo perfecto, demostrará a Lillian y a sus otras damas de honor lo lejos que está dispuesta a ir por alguien a quien ama"

 En una época en la que el género de la comedias, si no es por películas baratas como Disaster/Date Movie ó las Hangover, están casi terminadas, y lejos quedaron las épocas de gloria para un elenco femenino en dicho género (cof, The Sweetest Thing, cof) Bridesmaids no sólo demuestra que puede llevar casi dos horas de metraje con un elenco casi femenino en su totalidad, sino que también es LA comedia del año, simplemente porque con cada situación planteada me hizo carcajear a lo loco, y eso es algo que ninguna de las partuzas entre amigos en Las Vegas ó en Tailandia lograron. Aparte de presentarme a mi nueva musa de la comedia, Kristen Wiig.

Annie y Lillian son mejores amigas desde la infancia. Treintañeras y (casi) sin preocupaciones, excepto las usuales con respecto a relaciones y otras yerbas, viven su vida sin preocuparse; hasta que Lillian anuncie su inesperado casamiento, y la vida de Annie, que no la está pasando muy bien en comparación con la situación de su amiga, vea que su amiga se acerca al ideal de vida mientras que ella va cuesta abajo. ¿Se pensaron que no había drama en la película? ¡Claro que lo hay! El nexo de amistad, ante todo, que se ve expuesto por todas las vicisitudes que les acontecen a los personajes, y así es como dan paso a la comedia, aliada fundamental para que la trama funcione como un mecanismo engrasado.

Gran parte del éxito recae en las manos de la inconmensurable Kristen Wiig, que ya venía haciendo sus papelitos en el cine (dejando de lado sus raíces en los sketches de Saturday Night Live) y del guión en coautoría con Annie Mumolo (quien tiene un cameo como la genial turista nerviosa en el avión) Si bien es verdad que el elenco le saca chispas al libreto, muchas de las escenas pergreñadas por la dupla no serían nada sin esa cuota de realismo y profundidad que le agregan a la situaciones y a los personajes.

Lo mejor de lo mejor es que no sólo estas escenas se remiten a guiños y morisquetas de los personajes, sino que son escenas completas de 10 minutos que tienen chiste tras chiste tras chiste y prácticamente no te dejan descansar. Dichas escenas son, por ejemplo, la prueba de los vestidos o el viaje en avión, dos momentos únicos e irrepetibles que te dejan con una sonrisa gigante en la cara.

 El elenco de féminas no podía estar mejor conformado: dejando de lado a la revelación de Wiig (una lástima que la Academia no la tenga siquiera en cuenta para un galardón a Mejor Actriz - siempre miran dramas - )el resto está conformado por Maya Rudolph como Lillian, la del casorio, quien tiene una química asombrosa con Kristen (no por algo son amigas en la vida real), una correctísima Rose Byrne como la estirada Helen (éste es el año de Rose, que estrenó en Abril Insidious - reseña - Bridesmaids en Mayo y X-Men: First Class - reseña - en Junio), la robaescenas de Melissa McCarthy como la desopilante y guarra Megan, y las que menos se destacan pero no por eso resultan menores en los papeles de la recién casada Becca (Ellie Kemper, dulcísima) y la madre de 3 preadolescentes furtivos Rita (una brutal Wendi McLendon-Covey con líneas totalmente extremas) Juntas arman un cóctel explosivo que difícilmente pueda superarse este año.
 Con respecto a los hombres, tenemos al carilindo John Hamm haciendo un papel totalmente despreciable como un idiota hermoso con plata pero nada de neuronas, y su contrapartida, el adorable Oficial Rhodes, que les sacará un suspiro a las chicas de la audiencia con varios gestos románticos hacia la protagonista.

Mucho más no puedo decir acerca de Bridesmaids; realmente fue una de esas películas que llegan para quedarse, ésas de las que uno no espera nada y recibe todo a cambio. Es inteligente, atrevida, muy graciosa, tiene personajes entrañables, una dirección genial, y dos horas de pura diversión. Sumado a eso, el valor de repetición de la película hace que gane más puntos en cuanto uno la vuelva a mirar una y otra vez, de ahí la calificación. De lo mejor del año en materia de comedia.

Calificación: A

Secuestrados

Año: 2010.
Género: Suspenso.
País: España.
Duración: 81 minutos.
Dirección: Miguel Ángel Vivas.
Intérpretes:Fernando Cayo, Manuela Vellés, Ana Wagener, Dritan Biba, Guillermo Barrientos, Martijn Kuiper, Xoel Yáñez.

"Jaime, Marta y su hija Isabel, una familia acomodada, está realizando una mudanza a su nueva urbanización en las afueras. Llegada la noche, unos delincuentes irrumpen violentamente en la vivienda. Su objetivo: conseguir el máximo de dinero posible a lo largo de la noche. Pronto comienza el pánico y el terror se apodera de ellos."

Siguiendo la línea de películas de suspenso tipo home invasion como lo fueron los Funny Games (lean la reseña de la remake americana aquí) del sueco Michael Haneke y, aunque menos estrepitosa que The Strangers (reseña aquí), la española Secuestrados apuesta por adaptar una historia bastante cotidiana en los días que corren con muy pocos elementos en su haber narrativo, destacándose más que nada por su apartado técnico antes que por la historia, un novelete que ya hemos visto antes y que no aporta mucho con respecto a su trama.

La familia típica de clase alta se esta mudando a su nuevo caserón suburbano, que está convenientemente alejado de todo; en medio de la mudanza podemos ver a la madre preocupona, a la hija adolescente en pleno estalle hormonal, y al padre al que no le importa mucho el cara a cara de su mujer y su única hija. Antes de que los primeros veinte minutos pasen, el trío de forajidos entrará con suma violencia al despampanante caserón para hacer de las suyas.

A partir de ese punto, no es mucho más lo que sucede en cuanto a innovación; los ladrones no buscan otra cosa más que plata, y el procedimiento que siguen a rajatabla no es diferente a nada: el padre irá con el jefe del grupo a recorrer los cajeros automáticos cercanos,mientras que la madre e hija se quedan en casa haciendo frente al miembro rudo del grupo y al jovencito con remordimientos. Los abusos y la violencia no tardarán en hacerse evidentes, y si bien la película intenta alejarse un poco de la saña de la porno-tortura, en cierto momento cae rendida a sus pies en EL momentazo de la película, junto con el asfixiante inicio y el terriblemente desgarrador final.
 

Con apenas 80 minutos de metraje, hay veces que el carretel de ideas se les acaba fácilmente y recurren a los viejos clichés, como el amigo que viene a visitar a la hija, el policía que escuchó los gritos, etc, que si bien están bien conformados, se sienten como excusa para aumentar las muertes. Otro detalle que se siente muy forzado y, si uno se pone a pensar, estúpido, es en los momentos que tienen los cautivos para escapar y por estupidez no logran hacer ni UN movimiento; la cantidad de estas excusas es lo que tira tanto abajo a la peli.

En donde Secuestrados realmente destaca por sobre otras propuestas es en su dirección. Realizada a partir de 12 planos secuencia (esto lo tuve que googlear, aunque durante la película uno se puede dar cuenta de que las escenas son terriblemente largas) brutales, Miguel Ángel Vivas te introduce en este drama familiar como si fueras un personaje más, y no suelta hasta el final. Sí se deja caer un poco en ese corte de planos casi llegados al final, en donde la acción se divide entre lo que pasa en la casa y fuera de ella, y se torna un poco difícil elegir qué escenario seguir.

 Junto con los monumentales planos del director se encuentra el elenco, que se manejan muy pero muy bien durante gran parte del metraje, en especial la madre y el padre, que no bajan un cambio ni un segundo. La sorpresa recae en la hija, la jovencita Manuela Vellés, que tiene las escenas mas fuertes y polémicas de la película, en las cuales se maneja muy bien, pero en otras partes en las que sus nervios están de punta y no hace nada más que balbucear uno quiere que los ladrones le peguen un tiro y acaben con su tormento. Los tres secuestradores estan bastante correctos, y el peor eslabón es el amiguito de Isa, a quién no le enseñaron actuar, se ve.

Por mucha maestría que demuestre su director, Secuestrados es un calco repetido de muchas historias que siempre siguen la misma línea; tratando de huírle a los clichés más básicos del género, lo único que hace la película es recaer una y otra vez en ellos. Si quieren ver una propuesta de secuestros extorsivos realista, ésta es su película. Si no, pasen de largo.

Calificación:B-

Tiburones vs. astronautas: ¿quién ganó?

Hace rato que no se veía un encontronazo como éste; mejor dicho, desde finales de Agosto de 2009, cuando Halloween II se enfrentó el mismo fin de semana con The Final Destination, siendo esta última la rotunda ganadora (los detalles pueden verlos en este link)

 Dos años después, un panorama similar vuelve a repetirse con Apollo 18, la nueva película found footage que nos lleva al lado oscuro de la Luna, y Shark Knight 3D, la última película del director de (miren qué curioso) The Final Destination, Final Destination 2 y Snakes on a Plane. La una cuenta con presupuesto cero con muchas chances de salir bien parada económicamente, pero un sistema ya visto hasta el cansancio, y la otra es una nueva de horror clase B en 3D, que también ya tiene agotado a los espectadores. Vayamos por partes...

 

 SHARK NIGHT 3D

 Como era esperado, Shark Night ha sido vapuleada por la crítica como era esperado, aunque si en algo coincide la gran mayoría es que simplemente es una película ni fú ni fá: no es buena, pero tampoco es mala.

• Bloody-Disgusting: 6/10
• Dread Central: 2.5/5
• Arrow in the Head: 2/4
• Fangoria: 1/4

 Los sitios especializados no le tienen tanto amor ni tanto asco, a diferencia del recolector Rotten Tomatoes, que le otroga un %21 de Frescura con unas magras 28 críticas; el resultado en Metacritic tampoco es par saltar de alegría: %24 de Aprobación y 14 críticas en su haber.

Durante el fin de semana, Shark Night ha recaudado un aproximado de $8.4 millones, un número bastante malito, pero teniendo en cuenta que la película costó $28 millones, la pérdida no será tanta (y faltan los territorios internacionales todavía)

APOLLO 18

 La aventura de los desafortunados astronautas en la Luna también ha sido el sujeto de prueba de la crítica, y aunque recibe un tratamiento similar a su competidora, las reseñas son más bien una mezcla entre positivas y negativas:

• Bloody-Disgusting: 5/10
• Dread Central: 1/5
• Joblo: 5/10
• Arrow in the Head: 2.5/4
• Fangoria: 2.5/4

Aunque muchos estaban ansiosos por ver de qúe se trataba la película y qué podríá ofrecer de interesante, veo que todos opinan lo mismo: había potencial, pero se pierde muchísimo con una trama sosa. RottenTomatoes también el da un pobre %17 de Frescura con 35 reseñas contabilizadas, y Metacritic la vapulea un poco más con %20 de Aprobación y 14 reseñas.

 En taquilla el resultado fue apenas por encima de Shark Night, con un acumulado de $8.7 millones, todo un logro para Apollo 18, ya que el presupuesto no debe haber salido de entre los $5-10 millones como mucho... 

 No hay mucha sopresa, porque en realidad, ambas propuestas se notaban un poco mediocres, pero los resultados abrumadores nos indican una sola cosa: evitar el cine y esperarlas en la comodidad del living...

Carta de amor hacia 'America's Next Top Model'

Tras 16 largas temporadas, dos por año (un record para cualquier serie) la supermodelo Tyra Banks encontró la manera perfecta de equilibrar un programa a todas luces frívolo con una competencia espectacular en el que el nivel de profesionalismo ha subido Ciclo a Ciclo para desembocar en un conjunto armonioso (?) entre moda de alta costura, participante con historias de vida por detrás y una producción magnánima que hacen que America's next Top Model sea mi placer culposo por sobre todos los placeres culposos que tengo.

Tyra no le teme a bajar del Olimpo para fotografiarse con las ganadoras

Cada Ciclo presenta entre 12 y 14 concursantes de cualquier ciudad de Estados Unidos de entre 18 y 26 años (a veces la edad puede variar un poco), de cualesquiera que fuese su estatus social y raza. No hay discriminación ni límites, sino que se tiene en cuenta el potencial nato de las concursantes.
 Con respecto a las medidas ideales de las modelos, Tyra no segrega a ninguna chica, y si bien la gran mayoría tiene un cuerpo escultural, las mujeres reales y/ó rellenitas (llamadas convincentemente 'intensamente reales') también participan, aunque rara vez llegan lejos (obviemos a la ganadora del Ciclo 10, Whitney, una pelotuda con todas las letras pero que se llevó a casa el título con su cuerpo 'poderosamente real')

 Tener a tal puñado de chicas bajo el mismo techo, cada una con diferentes personalidades e historiales puede provocar peleas de todo tipo; hay veces que pienso que las peleas sobrepasan el nivel High Fashion que ANTM quiere imponer, pero hay momentos muuuuy divertidos en los que estas perras se van de mambo, casi casi hasta las manos, como en el ejemplo que sigue:

Esto es un ángel caído del cielo

Pero también hay que saber que ciertas veces un Ciclo puede ser fabuloso, y traernos rostros bellísimos que uno nunca pensó que podría ver en su vida, como el caso de la ganadora del Ciclo 15, Ann Ward, la castaña que está por encima que le robó el corazón al panel de jueces y a media América. No fue la primera cara hermosa del programa, ni tampoco será la última, pero entre tanto rostro comunacho hay algunos que sobresalen

 Otro temón por el que sobresale ANTM es en las diferentes pruebas y photoshoots a los que se ven sometidas las concursantes: desde desafíos en pasarela para ganar algún premio o destacarse más hasta los mil y un escenarios diferentes, en la variedad está el gusto y nunca se repiten los esquemas, todos los escenarios y el vestuario por sobre todas las cosas, son diferentes.

En un principio, el panel de jueces era una risa y no había tanta seriedad como en los últimos Ciclos: al comienzo, la supermodelo Janice Dickinson, con su característico humor ácido y sarcástico, vapuleaba a las wannabe sin ton ni són, y ahora, el ícono de la industria André Leon Talley se encarga de seleccionar lo mejor y lo peor junto a Tyra, el ya reconocido fotógrafo Nigel Barker (el programa le dio fama, más que nada) y la estrella invitada de turno (que ultimamente puede ser un Patrick Dermarchelier o un Roberto Cavalli, you name it)

Angelea Preston, la Queen Bitch de todos los ciclos

Hay veces en las que ser una cara bonita no es suficiente, hay que tener actitud y un conocimiento del mundo de la moda bastante importante (o al menos, sugerente) El ver como una participante paupérrima llega a ganar, o hasta las semifinales hace que el intento cuente, y por eso cada uno tendrá a su favorita de entre más de 200 participantes, pero mi corazón se quedó con Angelea Preston, del Ciclo 14. No sólo tiene una historia muy triste detrás suyo (perdió una hija y durante el casting apenas tenía plata para sobrevivir) sino que demostró ser una fuerza a tener en cuenta cuando comenzó a avanzar, tanto en sus fotos como en su presencia delante del panel , dentro de la competencia, machacando a la que se interponía en su camino con su potentísima personalidad, lo que le ha logrado no pocos insultos hacia su persona. He aquí un compendio de esta perra maravillosa:

El elenco del Ciclo 14, las mayores camorreras de todas

 Este 14 de Septiembre próximo, el ciclo 17 de America's Next Top Model llega con novedades, porque será un ciclo All Stars, y traerá a 14 conventilleras (y otras desafortunadas - y bellas - víctimas) para una vuelta más en la gloria.

Simplemente, no puedo perdérmelo, como no me pierdo las repeticiones. Siempre hay un detalle que pasamor por alto, o siempre está bueno volver a revivir una y otra y otra vez esos momentazos que hacen que este programa me guste tanto. Seré frívolo, pero America's Next Top Model me da mi cuota de descerebre que necesito.

Destino Final 5 (Final Destination 5)

Año: 2011.
Género: Horror.
País: Estados Unidos.
Duración: 95 minutos.
Dirección: Steve Quale.
Intérpretes:Nicholas D'Agosto, Emma Bell, Miles Fisher, David Koechner, Arlen Escarpeta, Tony Todd, Jacqueline MacInnes Wood, Ellen Wroe, P.J. Byrne, Courtney B. Vance.

"La Muerte está más omnipresente que nunca, mostrando su amenazadora realidad a un grupo de empleados que se dirigen a un campamento organizado por la empresa donde trabajan. Durante el viaje en autobús, Sam tiene una premonición en la que él, varios de sus amigos y muchas otras personas morirán en el derrumbe de un puente. Rápidamente, todo comienza a coincidir con la visión de Sam, y él trata desesperadamente de alejar del desastre a sus compañeros entre los que se encuentran su novia Molly y su amigo Peter, antes que la Muerte los reclame. Pero el destino de esos seres inocentes no es sobrevivir. En una aterradora carrera contra el tiempo, este grupo de amigos marcado por la fatalidad tratará de encontrar la manera de escapar de los siniestros designios de la Muerte"

 Tras el fatal recibimiento de la cuarta y supuesta entrega final de la saga, el dinero habla y con $186 millones mundiales a su espalda, El Destino Final (leer reseña aquí) resultó la más taquillera de todas, eso si contamos la tecnología 3D que le agregó un poco de salsa al asunto. Dos años después (el salto de tiempo menos dramático durante las películas - cada 3 años, excepto ésta y la anterior -) la quinta entrega de la letalmente divertida saga llega a los cines, con muchas promesas, mucho potencial y varias escenas que, ya desde los avances, hacen a uno retorcerse de dolor. ¿Se han cumplido esas promesas? Veamos...

 Sam Lawton trabaja para la empresa Presage (Presagio en la traducción, un detalle de más) y se encuentra de camino a un retiro corporativo con sus compañeros de oficina y su novia Molly, a punto de convertirse en su ex. Cruzando un enorme puente colgante, Sam comienza a sentirse incómodo, y pequeños augururios le hacen saber que algo anda mal... Por supuesto, momentos después el puente comenzará a colapsar y la siempre fabulosa y caótica escena inicial dará comienzo a la carnicería, eliminando prominentemente a los miembros de Presage en variopintas maneras que dejarán a más de uno con la boca abierta.

 Sencillamente, el desplome del puente es la premonición más larga de toda la saga, aparte de estar al mismo nivel de sensacional que el accidente en la autopista de la segunda (aunque me parece mejor incluso éste, sumado a mi favorito personal, la montaña rusa en la tercera) y realmente lo deja a uno con un nivel de nerviosismo total, aunque sabemos que todos mueren (bueno, hay un pequeño giro...) Los efectos están espectaculares y conforman lo que es EL momento de la película.

 Cuando decían que la película volvería a las raíces de la primera entrega, no nos mentían (tanto). Luego de la premonición y la reacción de los supervivientes para con el visionario, de inmediato se nos introduce a un detective que pretende encontrarle una respuesta a todo, la típica escena del funeral y la seguidilla de muertes misteriosas hasta que el patrón de la muerte se revela y los que quedan intentan superarlo.

Digo que no nos mentían porque el guión de Eric Heisserer (que se dio a conocer con la sobria remake de Pesadilla en la calle Elm) realmente nos devuelve al estado de ansiedad que la primera entrega destilaba, agregándole más dimensiones a los sobrevivientes, más humanismo, que los hace más interesantes. Al rebuscarse más con las muertes, Eric se valió de varios miedos como someterse a una cirugía láser oftalmológica, a una sesión de acupuntura ó a una sesión de gimnasia rítmica: cada nuevo escenario va a dejar al espectador marcado de por vida con un '¿Y si me pasa esto...?  Puede molestar un poco el hecho de que un par de personajes funcionan como el alivio cómico, y por eso Destino Final 5 se ve por momentos como una comedia negra, en lugar de ser una película de suspenso y horror que te tenga sin respirar en sus 90 minutos de metraje. Heisserer, por otro lado, le dio un par de vueltas de tuerca al guión a la vez que suguió con el camino marcado en la saga, y es por eso que hace a esta entrega tan precisa, concisa y divertida. Tales giros en el guión, como una nueva regla para vencer a la Muerte y un final para el infarto hacen que la quinta entrega se diferencia de las demás y sobresalga bastante; Eric Heisserer tiene en sus manos el guión de la próxima precuela de The Thing, que no puedo esperar a verla tras ver el estupendo trabajo que realizó acá.

Dentro del elenco, que se maneja muy bien y dentro de los canones esperados, Nicholas D'Agosto cumple perfectamente el papel de mesías que salva a todo el mundo, mientras que su contrapartida femenina Emma Bell lo acompaña sobriamente. El resto no hace aguas para nada, si le sumamos al sombrío Miles Fisher (estrellita de Hollywood en potencia), los cómicos papeles de David Koechner y P.J. Byrnes (éste último sacándole carcajadas a toda la audiencia en todo momento) el minón de turno en Jacqueline MacInnes Wood y el esperado y misterioso regreso de Tony Todd a la saga como William Bludworth, que genera escalofríos cada vez que aparece en pantalla.

Con respecto al director, Steven Quale no ostenta ser el protegido de James Cameron ni por casualidad: desde una escena inicial en la que nos tiran con toda la artillería pesada le da pasa a la siniestra premonición excelentemente filmada, y a una y otra escena de muerte tan tensa como la anterior. El muchacho sabe como construir el suspenso, y cada escena te tiene al borde al asiento más que la anterior... Un rotundo aplauso para Steven, que espero, siga el mismo camino y nos brinde más 3D de este tipo (por el tiempo que dure, claro)

Tengo que destacar también la potente banda sonora a cargo de Brian Tyler, que no es ningún desconocido a la saga tras tomar la batuta luego de la triste partida de Shirley Walker. Tyler creó una nueva melodía para esta quinta entrega bastante ominosa y que está presente a cada rato(escuchen mi pieza favorita en este link); la verdad que cierra un combo estupendo, casi como la alineación de los planetas.

Destino Final 5 ha sufrido el mismo destino (sic) en taquilla que le correspondió a El Juego del Miedo 6: ambas son excelentes secuelas a una saga moribunda que la gente prefirió no ver en cines, y muy mal ha hecho. No sólo es un excelente divertimento en 3D (uno de los mejores ejemplos en lo que va del año) sino que ha vuelto a la saga a una glorisa forma, tal vez para el final posible de la saga. No se podía despedir de mejor manera.

Calificación: A-

La Mujer (The Woman)

Año: 2011.
Género: Horror.
País: Estados Unidos.
Duración:
Dirección: Lucky McKee.
Intérpretes: Pollyanna McIntosh, Angela Bettis, Sean Bridgers, Lauren Ashley Carter, Zack Rand, Carlee Baker.

"La Mujer es la última superviviente de un clan salvaje que ha recorrido la costa Noreste durante décadas. Cuando el último miembro de su familia es asesinado en un enfrentamiento con la policía, la mujer se encuentra sola, gravemente herida y vulnerable. Por desgracia, ahora es una presa demasiado fácil para el cazador local, abogado exitoso y gravemente perturbado hombre de familia Christopher Cleek. Con su juego macabro de ideales, Cleek decide embarcarse en un desquiciado proyecto - capturar y "romper" a la Mujer - una decisión que pronto pondrá en peligro las vidas de Cleek, su familia y la de la Mujer."

En lo que se refiere a Jack Ketchum, si el Maestro del Horror Stephen King lo menciona como 'el tipo más escalofriante de América', entonces es palabra Santa. Si Ketchum hace que las piernas de King tiemblen, imaginen lo que deben ser sus historias. Por fortuna (o desgracia, según el ojo de quien lo lea) pude leer la primera novela en la que se basa la trilogía (Off Season es su título - leer comentario aquí - y The Woman es la tercera entrega) de historias que tienen como foco a un grupo de caníbales, y casi muero. No pude leer la continuación, Offspring, pero sí pude ver la película (reseña aquí) y me decepcionó bastante.
 Ahora, leí un libro, ví una película, y finalmente, The Woman llegó antes en versión celuloide antes que la versión en papel. ¿Que nos depara esta vez Jack Ketchum?

 Nuevamente Ketchum ha escrito, en colaboración con el director Lucky McKee, un tratado sobre la psiquis humana, y qué se esconde tras los deseos más macabros y perturbadores del ser humano. No sé como será el libro, pero imagino que es igual de potente y devastador como la película. Al estreno del film en el pasado festival de Sundance, un hombre estalló en cólera dentro de la sala, pidiendo que detengan la película, ya que era pura misoginia y barbarie contra la figura femenina. La película obviamente puede ser tomada por ese lado, pero es más el peso del perturbadísimo padre de familia en esta historia que la única pregunta que cabe hacerse es: ¿Cuál es el peor de los males? No podemos ponernos del lado del déspota y violento Chris Cleek, pero, ¿debemos ponernos del lado de la Mujer, que responde a la violencia con violencia? Y dependiendo del lado en el que nos pongamos, ¿nos hace eso más o menos personas, más o menos humanos? Hay un fuerte mensaje debajo de una la película a la que le cuelga el mote de 'provocativa'...

 Del modo en el que yo lo veo, es como un cuento con moraleja, un Tarzán femenino morboso, un lado B a la historia que Disney nunca nos contó ni se atrevió a hacerlo. Tras la primera impresión de que algo malo está pasando con Chris y su temerosa familia, las cosas no hacen más que empeorar: si ya tener a una mujer cautiva en un sótano es suficiente aberración, y golpear a tu mujer y, acto seguido, acostarte como si no pasara nada, lo que han visto no es nada conforme las revelaciones empiecen a acumularse una a una. Puede que sean de manera explícita o implícita, pero la acumulación de atrocidades serán bastantes una vez terminada la película.

The Woman, por otro lado, no podría haber sido mejor sin el maravilloso elenco al frente. Pollyanna McIntosh regresa en el papel de la Mujer caníbal, y en este caso tiene todo el protagonismo absoluto, que antes tuvo que compartir con una manada entera; esta actriz es una de las grandes actrices sin descubrir que tiene el medio, ya que con la pesadísima actuación que entrega (entrega mucho más que eso, por poco se deja la vida) la única reacción que queda es aplaudirla de pie (y cuando se cobra su merecidísima venganza, ni les cuento...) De contrapartida, tiene a los 'civilizados' Sean Bridgers como el patriarca Cleek, en otra actuación asombrosa - el tipo entendió la palabra 'desquicio' al pie de le letra - y la incombustile Angela Bettis (amiga personal de McKee) es la abnegada esposa, que vive a la sombra de su marido, pero carga con culpa propia. Los hijos de la pareja están muy correctos los tres, desde la hija mayor que esconde un turbio secreto tras esos enormes ojos de venado, pasando por el jovencito del medio, que sigue a rajatabla los pasos de su padre, y la menor, una dulce muchachita que no sabe muy bien lo que sucede a su alrededor, pero que con el gesto final que tiene descubre que los lazos de sangre son más fuertes que los que uno creía.

 Lo que hayan visto esa pequeña obra maestra llamada May de Lucky McKee tal vez recuerden que Lucky es un director bastante atípico. The Woman no es una excepción y tiene bastantes cosas que no van a ver en una película de horror de un gran estudio: ya de por sí, hay que dejar la ética de lado y ponerse a pensar que ningún gran estudio podría darle luz verde tras leer el guión; pasando ese punto, los fanáticos del gore están de para bien porque si hay algo que no escasea es la sangre, aunque se reserva para los escasos y genuinamente modestos momentos en lo que se la necesita, donde la brutalidad sale a flote. Un placer disfrutar de los efectos prácticos del grande de Robert Kurtzman.

 Otro punto clave del que veo, muchos han opinado, es la música. El desconocido Sean Spillane (quien tan sólo tiene The Woman en su currícula) compuso los temas que aparecen en el film, tanto instrumentales como los regulares, mientras la película se filmaba, lo que lo pone en un lugar diferente a muchos compositores y también le dio la oportunidad de crear una ambientación única para la película, como una segunda piel. Sí es cierto que en algunos momentos los temas rockeros desentonan un poco, pero hacen a la película; si es por eso, me quedo con el glorioso momento en el que Chris y Belle lavan a la Mujer, unos minutos de gloria con intepretaciones al mango de parte de McIntosh, Bridgers y Bettis, y una música de fondo sublime (la música de dicho momento la pueden saborear en el teaser trailer que acompaña a esta entrada)

 The Woman es un trago puro y duro que los amantes del horror van a disfrutar; el resto, pasará un muy mal momento. Claramente un salto en calidad enorme desde Offspring, verdaderamente ES la película más controversial del año.

Calificación: A-

El Planeta de los Simios: (R)Evolución (Rise of the Planes of the Apes)

Conocida también como 'El Planeta de los Simios: El Origen' ó 'El origen del Planeta de los Simios'

Año: 2011.

Género: Ciendia Ficción.

País: Estados Unidos.

Duración: 105 minutos.

Dirección: Rupert Wyatt.

Intérpretes: James Franco, Freida Pinto, John Lithgow, Andy Serkis, Brian Cox, Tom Felton.

"Un joven y brillante científico trabaja en una cura para el Alzheimer que está siendo probada en monos. Una de estas criaturas es César, cuya inteligencia evoluciona de forma rápida y al que el protagonista de la historia lleva a su hogar para protegerlo de la crueldad de algunos de sus colegas. Pero algo sale mal…

El camino al infierno está pavimentado de buenas intenciones. Un refrán algo duro pero enteramente cierto, leitmotiv de Rise of the Planet of the Apes, la precuela del icónico film de 1968 por la cual realmente no daba un céntimo y termino volviéndose la sorpresa de la temporada para todo el mundo, ya que cuenta una historia increíblemente humana, un drama que sólo se apoya en las escenas de acción cuando lo necesita y no al revés.

 Primero y principal, debo hacer un mea culpa y admitir que no estaba ni interesado en ver la película en cines. El Planeta de los Simios era una idea que en mi mente no cuajaba y tan sólo cobraba sentido en las reiteradas sátiras en Los Simpsons y ya; aparte, tras la malograda remake de Tim Burton, no tenía idea de qué potencial podía utilizar la precuela a una película en la que toda la acción se iba a desarrollar durante las posibles secuelas. Qué equivocado que estaba.

Utilizando una trama más humanista y al siempre presente afán impropio de los cienfíticos de jugar a ser Dios,
 la trama de Rise of... tiene como protagonista absoluto a Caesar, un chimpancé criado en secreto por el joven doctor Will Rodman, que ansía encontrar una cura para el Alzheimer que padece su padre, que empeora día a día. A diferencia de otros científicos que lo hacen por fama y reconocimiento, y sus patrocinadores que lo hacen por dinero, Will tan sólo quiere descubrir la cura para ayudar a su padre, y no sabe que con este innovador descubrimiento liberará la destrucción de la humanidad (bueno, al menos su diezmo mundial)

No sé si es para realzar el crecimiento y cimentar las ideas y el empuje de Caesar en su crecimiento, pero los humanos se dejan ver como pérfidos personajes que no tienen el mínimo respeto por la vida animal y el alzamiento del simio se ve justificado por el espectador, en una de las historias más entrañables que he visto en todo el año.

Mas allá de la calidad actoral humana, en la que James Franco se ve muy solvente como el joven científico, Freida Pinto apenas se luce un poquito como una bonita doctora e interés amoroso de Franco y un John Lithgow colosal como el decaído padre de Will, el mérito de la película se lo llevan Andy Serkis y los terriblemente excelentes efectos especiales de la Weta Digital, equipo que ya nos trajo la grandeza de Gollum y King Kong a la pantalla. Andy Serkis no merece otra cosa que una nominación a los Oscars próximos, y sería una injusticia que no gane: gracias a los avances tecnológicos, todos y cada uno de los gestos de Andy se ven reflejados en Caesar, lo que lo hace aún más humano que los humanos que lo rodean.

 La historia de la rebelión de los monos está muy bien construída porque avanza poco a poco, con escasas pero sugerentes y bien coordinadas escenas de acción, escenas que alcanzan su pico con el rotundo final en el puente de San Francisco. Mis felicitaciones al director, Rupert Wyatt: entre tanto peliculón con immensos directores que tan sólo aportan el nombre al proyecto, el inglés ha desmostrado que no se necesita mucho para lograr un filme perfecto y que sorprenda, excepto buenas intenciones, una buena historia y saber que funcionará, por sobre todas las cosas.

Una vez superado el prejuicio, Rise of the Planet of the Apes se eleva (chiste, chiste) por sobre una cantidad enorme de blockbusters veraniegos para imponerse con su jugosa historia, sus fabolusos efectos, su elenco cordial y con un imponente Andy Serkis que se lleva todas los elogios por su Caesar. Un sopresón, un clásico en potencia y un augurio de lo que va a venir, dado el final que presenta la película.

Calificación: A-